Madame Lelica

アールヌーボー、ヨーロッパとアメリカ全体で約1890年から1910年の間に栄えた芸術の装飾スタイル。 アールヌーボーは、長い、しなやかな、有機的なラインの使用によって特徴付けられ、建築、インテリアデザイン、ジュエリーやガラスのデザイン、ポスター、イラスト それは19世紀の芸術とデザインの多くを支配していた模倣的な歴史主義から解放された新しいスタイルを作り出すための意図的な試みでした。, この頃、アールヌーボーという言葉は、ベルギーでは定期的なl’Art ModerneによってアーティストグループLes Vingtの作品を記述するために、パリではs.Bingによって造られました。 ドイツではJugendstil、オーストリアではSezessionstil、イタリアではStile Floreale（またはStile Liberty）、スペインではModernismo（またはModernista）と呼ばれていました。

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イングランドでは、スタイルの直接の前駆体は、有機ラインの表現力豊かな品質に大きく依存していたイラストレーターオーブリー-ビアズリーの美学、および応用芸術における重要なスタイルの重要性を確立したウィリアム-モリスの芸術品や工芸品の動きであった。 ヨーロッパ大陸では、アールヌーボーは、画家ポール*ゴーギャンとアンリ*ド*トゥールーズ*ロートレックによる表現力豊かなラインとの実験の影響を受けました。 動きはまた、部分的に日本の版画（浮世絵）の線形パターンのための流行に触発されました。,

アールヌーボーの特徴的な装飾的特徴は、多くの場合、花の茎や芽、つるの巻きひげ、昆虫の翼、および他の繊細でしなやかな自然のオブジェクトの形 グラフィック—アートでラインは他のすべての絵の要素—形態、質、スペースおよび色-自身の装飾的な効果に部下与える。, 建築やその他のプラスチックアートでは、三次元形状の全体が有機的で直線的なリズムに包まれ、構造と装飾の融合を生み出します。 鉄工、ガラス、セラミック、レンガなどの材料のリベラルな組み合わせが採用され、例えば、柱と梁が広がる巻きひげを持つ厚いブドウの木となり、窓が光と空気のための開口部と有機全体の膜状の成長の両方となった統一されたインテリアの創造に用いられた。, このアプローチは、構造の理由と明快さという伝統的な建築的価値に直接反対していました。

アールヌーボー様式で働いていたアーティストやデザイナーがたくさんいました。, アメリカのガラスメーカー、ルイ-コンフォート-ティファニー、フランスの家具と鉄工デザイナー、ルイ-マジョレル、チェコスロバキアのグラフィックデザイナー、アルフォンス-ミュシャ、フランスのガラスとジュエリーデザイナー、ルネ-ラリック、アメリカの建築家、ルイ-ヘンリー-サリバン、彼の伝統的に構造化された建物を飾るために植物のようなアールヌーボー様式の鉄工を使用し、彼の伝統的な構造化された建物を飾るために、スペインの建築家や彫刻家アントニオ-ガウディ、おそらく最もオリジナルのアーティスト。,

1910年以降、アールヌーボーは昔ながらの限られたものに見え、一般的には明確な装飾的なスタイルとして放棄されました。, しかし、1960年代には、ニューヨーク近代美術館（1959年）と国立近代美術館（1960年）で開催された主要な展覧会や、1966年にロンドンのビクトリア&アルバート美術館で開催されたBeardsleyに関する大規模な回顧展によって、このスタイルが修復された。 展覧会は、多くの場合、19世紀後半の他の主要な近代美術運動のレベルに、通過傾向として批評家によって見られていた運動の地位を高めました。 その後、ポップスやオプアートにおいて運動の流れが活性化された。, 人気のあるドメインでは、アールヌーボーの花の有機的なラインは、ファッションやロックやポップスのアルバムのカバーや商業広告で使用されるタイポグラフィで、新しいサイケデリックなスタイルとして復活した。