Madame Lelica

chaque année, les films font face à une crise existentielle et rebondissent, mais 2020 ne ressemble pas à chaque année. L’impact dramatique de la pandémie sur presque toutes les facettes de la vie humaine a causé des dommages sans précédent aux institutions culturelles et au travail qu’elles présentent., En Amérique, la plupart des salles de cinéma restent fermées, les festivals de films sont devenus virtuels et les productions cinématographiques sont devenues un gâchis de défis d’assurance et de sécurité que seuls les producteurs les plus avisés peuvent résoudre. Pourtant, malgré ces défis terribles et l’incertitude de l’avenir, le cinéma est resté très vivant tout au long de l’année, avec un large éventail d’entreprises ambitieuses se frayant un chemin dans n’importe quelle forme de sortie semblait viable.,

malgré les chances impossibles, cela a été l’une des années les plus riches de mémoire récente pour un large éventail de films à couler à travers un marché d’incertitude qui leur aurait été hostile même en période pré-pandémique. Les blockbusters ont reculé à l’arrière-plan, et il s’avère que la culture cinématographique n’en avait pas vraiment besoin. Il a été réconfortant de voir que certaines vérités fondamentales ne changent pas: comme d’habitude, quiconque pense que c’était une mauvaise année pour les films n’en a tout simplement pas vu assez.,

Les règles de Qualification ont été pliées à plusieurs reprises cette année, mais cette liste annuelle des meilleurs films de l’année n’a pas eu à changer d’air. Tout ce qui a fait la coupe soit reçu une course théâtrale quelque part aux États-Unis, sera dans les salles avant la fin de l’année, ou a reçu une sortie VOD. Cela signifie que les lecteurs désireux de remplir certaines zones aveugles ne devraient avoir aucun mal à rattraper leur retard.

La plupart des meilleurs films de 2020 n’ont pas été réalisés cette année, mais vous en parlez., Des angoisses électorales aux effets psychologiques inquiétants de la distanciation sociale, 2020 était une ambiance pas comme les autres, et beaucoup de ces films sont devenus des incarnations rétroactives de ces sentiments inhabituels. Ce n’est pas exactement un accident heureux: le monde était déjà un endroit obsédant et mystérieux que les conteurs modernes tentaient d’analyser, alors quand l’ambiance s’est intensifiée, leurs films sont arrivés à temps. Dans le même temps, bon nombre des temps forts cinématographiques de l’année offrent une certaine mesure d’espoir pour l’avenir, ou du moins célèbrent les perspectives d’embrasser l’inconnu.,

Chaque année, cette liste est un peu plus long, mais il ne se sent jamais assez longtemps. Les 19 meilleurs films de 2019 de l’année dernière m’ont laissé réclamer une dernière fente. Si j’en avais un peu plus cette fois-ci, ils feraient probablement de la place pour ces finalistes: « un autre tour”, « Gunda”, « je vous transporte avec moi”, « je pense à mettre fin aux choses”, « Minari”, « Relic”, « Truffle Hunters” et « le peintre et le voleur.”

tous les Voir! Mais aller avec ces premiers.,

« Elle Meurt Demain”

Neon

Amy Seimetz, tant attendue suite à « le Soleil Ne Brille pas” a la boule de cristal qui prédit le mal au cœur de l’humeur de l’année à venir. L’étrange et énigmatique comédie noire du scénariste-réalisateur imagine un virus psychologique, se propageant progressivement à travers Los Angeles qui fait croire aux affligés qu’ils subiront le sort titulaire. Ces jours – ci, qui ne peut pas comprendre?, Avec une performance éblouie de Kate Lynn Sheil en son centre, « She Dies Tomorrow » évolue en une allégorie remarquable de l’anxiété existentielle et de son potentiel infectieux. Tour à tour émouvant, dérangeant et triste, le film utilise ses nombreux visages troublés pour montrer comment une seule émotion troublante peut nous unir tous.

« Dick Johnson Est Mort”

Netflix

Dick Johnson meurt plusieurs fois dans sa fille de Kirsten poignant et des documents personnels, à commencer par le générique d’ouverture., Mais bien sûr, il est vivant tout le temps, jouant à travers une forme élaborée de thérapie cinématographique avec sa progéniture cinéaste alors qu’elle lutte avec l’anxiété de le perdre. Ce concept pourrait facilement se transformer en un exercice nombriliste, mais Kirsten Johnson (la cinéaste Non-fiction vétéran qui a réalisé le merveilleux film de collage de 2016 « Cameraperson”) adopte une méditation touchante et drôle sur embrasser la vie et craindre la mort en même temps., Oscillant entre des échanges intimes père-fille et des tangentes surréalistes de méta-fiction, le film vit dans son paradoxe fascinant, reflétant l’incertitude nauséabonde entourant le sort de son sujet — et, par extension, celui de chacun. tour à tour hilarant, émouvant et révélateur, « Dick Johnson Is Dead” parvient à communier avec une peur universelle de la mort en la transformant en célébration de la vie.,

« La Grande Nuit”

Amazon Studios

« Rencontres” par le moyen de Robert Altman avec des bouts de chandelle, « La Grande Nuit” est l’un des plus surprises positives 2020: les audacieux débuts qui prend matériau familier et la tourne dans un imprévisible paquet. Le premier long métrage du réalisateur Andrew Patterson se déroule comme si ses personnages étaient piégés dans les limites d’une série d’anthologie du millésime « Twilight Zone”, mais il creuse beaucoup plus profondément que cela., Dans le contexte vivant de la petite ville du Nouveau-Mexique des années 1950, le film trouve un jeune deejay de radio trop confiant (Jake Horowitz) et un opérateur de standard (Sierra McCormick) désireux de faire le tour de la ville pour déterminer la source d’un signal mystérieux qui semble provenir des étoiles. Pourrait-il être quelque chose de vraiment hors de ce monde?

Eh bien, la plupart des téléspectateurs connaissent l’exercice sur cette question., Mais les cadences de la direction whiz-bang de Patterson, d’une longue prise audacieuse qui passe de la station de radio à travers un champ et à travers un jeu de basket-ball jusqu’au mystère impressionnant de ses derniers moments, quand une paire de personnages consumés par le potentiel des nouvelles technologies affrontent quelque chose au-delà de la croyance. Il vous laissera saisir des réponses-et prêt à embrasser tout ce que Patterson fait ensuite.,

« Mangrove”

Des Willie/Amazon Prime Video

L’histoire dramatique des Mangrove Nine, lorsqu’un groupe de militants Britanniques noirs a riposté contre les raids racistes de la police dans une série tendue de confrontations en 1970. (Ils ont été acquittés de la plupart des accusations, mais les raids ne se sont pas arrêtés.,) Il n’a fallu que 50 ans, mais le scénariste et réalisateur Steve McQueen « Mangrove” travaille des heures supplémentaires pour combler le vide, résultant en un délectable crowdpleaser à la fois spécifique à son moment et pertinent aujourd’hui.

produit dans le cadre de L’ambitieuse anthologie de cinq films « Small Axe” du cinéaste sur les Londoniens noirs Britanniques à travers plusieurs décennies, « Mangrove” est un drame judiciaire tendu et passionnant qui transcende le genre tout en travaillant dans ses barrières. Le film plonge dans l’assemblage habituel de monologues passionnés sur l’égalité des droits et le dévouement à la cause., Mais il est également ancré dans un écosystème détaillé si riche des sentiments du moment qu « il fait finalement sentir une vieille routine nouvelle, avec un Shaun Parkes saisissant comme propriétaire de restaurant moralement conflictuel comme pièce maîtresse, McQueen prouve à nouveau qu « il est l » un des meilleurs réalisateurs d « acteurs travaillant aujourd » hui.

« Maire”

YouTube/capture d’écran

David Osit est passionnant et perspicace documentaire offre un remarquable aperçu de la conflit Israélo-Palestinien de l’intérieur., Ramallah est à seulement 10 miles au nord de Jérusalem, mais pour les Palestiniens vivant sous occupation, la distance semble beaucoup plus longue. Osit entraîne sa caméra sur Musa Hadid, le protagoniste surmené au centre d’un drame de vérité lyrique qui plonge souvent dans la comédie noire bureaucratique et le suspense troublant, alors que les tentatives exaspérées de Hadid pour maintenir la paix se dissolvent dans un tourbillon constant de frustration. Le film ne s’attarde pas exactement sur les difficultés du travail de Hadid tant qu’il pénètre dans son espace de tête pour éclairer la vanité du monde qui l’entoure., C’est un visionnement saisissant, triste et essentiel pour tous ceux qui cherchent à comprendre la nature de cette crise en cours et pourquoi elle continue d’aller dans la mauvaise direction.

« Mank”

Netflix

il y a eu d’innombrables films sur L’âge d’or D’Hollywood qui célèbrent Sa grandeur ou déplorent les tactiques commerciales dures des dirigeants qui chompent les cigares. Mais David Fincher n’a pas à se soucier des précédents., Avec « Mank », le cinéaste transforme le scénario de son défunt père Jack en une méditation riche et obsédante sur la carrière agitée du scénariste de” Citizen Kane « Herman J. Mankiewicz (un Gary Oldman frénétique à son meilleur), travaillant autour de la mystique du proverbial” plus grand film de tous les temps » pour créer une fenêtre plus séduisante sur le monde qui a inspiré cette œuvre — à savoir, des hommes puissants dont l’influence s’est étendue bien au-delà de l’arène du divertissement et a changé le tissu de la société dans son ensemble., Entre la course au poste de gouverneur de 1934 et les tentatives de bedridden Mank de reconstituer son magnum opus, « Mank” utilise ses paysages méticuleux en noir et blanc et son paysage sonore complexe pour ressusciter son époque tout en commentant la façon dont elle se répercute à ce jour. D’innombrables films sur Hollywood vont dans les coulisses; « Mank” est l’un des rares à nous dire ce qu’ils signifient vraiment.,

« Âme”

Disney/Pixar

au Fil des décennies, Pixar record avec des histoires originales a été si bon qu’il peut être difficile de wade par le battage médiatique pour reconnaître un véritable chef-d’œuvre., Pourtant, le regard gagnant de Pete Docter sur un musicien de jazz (Jamie Foxx) qui tente d’échapper à l’au-delà pour un concert de dernière seconde est exactement cela: la touche Pixar et puis certains, « Soul” utilise son contexte magique pour livrer un regard étonnamment intime sur la quête d’un but dans la vie, et comment cela affecte l’ambivalence d’un esprit à naître (Tina Fey) qui pense pouvoir échapper à ses griffes pour toujours., Bien sûr, l’imagerie comprend un mélange vertigineux de visions psychédéliques de la vie après la mort et de paysages New-Yorkais nets, elle offre certaines des meilleures performances musicales animées de tous les temps, et la poursuite culminante se déroule dans des circonstances si innovantes qu’elles défient toute sommation d’une ligne. Mais l’essence de « Soul » réside dans la nature profonde du voyage de son personnage, une quête universelle vers la découverte de soi qui tourne sur les perspectives de secondes chances. C’est un tearjerker avec un but cosmique.,

« Sons of Metal”

Amazon

Riz Ahmed est le genre de frénésie acteur de cinéma qui a toujours l’air comme il pourrait sortir du cadre, et dans le « Bruit de Métal,” il est pris au piège. En tant que Ruben, le batteur de heavy metal devenu sourd au centre des débuts envoûtants du scénariste et réalisateur Darius Marder, Ahmed transmet les frustrations complexes de perdre contact avec le monde qui l’entoure, peu importe combien il se bat pour s’y accrocher., Cette énigme dévastatrice repose sur la meilleure utilisation de la conception sonore dans la mémoire récente, alors que Marder plonge les spectateurs dans les limites de la détérioration de la relation de Ruben avec le monde qui l’entoure, et il trie les débris pour en construire un nouveau. La brillante performance d’Ahmed transforme un paysage sonore complexe qui résonne même dans un silence total.,

« L’Assistant”

Bleecker

Harvey Weinstein n’apparaît pas dans « L’Assistant”, et personne ne mentionne par son nom, mais ne vous méprenez pas: Directeur Kitty Vert d’urgence en temps réel thriller marque le premier récit de la représentation de la vie sous sa menaçant de poignée., « Ozark » Breakout Julia Garner est une révélation en tant que jeune femme fragile chargée de jongler avec les détails de la vie de l’exécutif, d’organiser un flux sans fin de voyages en avion, de repousser les appels en colère et de ramasser les ordures laissées dans son sillage. Au-delà de quelques aperçus flous d’une figure imposante errant dans son bureau en arrière-plan, le Weinstein de « The Assistant” est une menace fantôme qui s’abat sur la vie de la jeune femme, mais cette enquête psychologique fascinante ne lui permet pas de détourner une histoire qui lui appartient., Au milieu d’histoires galvanisantes sur ce qu’il a fallu pour parler, « L’Assistant” est un rappel essentiel des raisons pour lesquelles il a fallu si longtemps au monde pour en entendre parler.

« Nez en sang, les Poches Vides”

Au premier coup d’œil, « Nez en sang, les Poches Vides” se déroule comme un brillant travail de cinéma vérité., Le film boozy hangout de Bill et Turner Ross capture la dernière nuit rauque des années folles, un bar crasseux à la périphérie du strip de Vegas où divers parias en état d’ébriété enterrent leurs peines dans un flou de colère et de lamentations poétiques. C’est fin 2016, et avec l’élection présidentielle sur le point de changer le monde, le pub sert de microcosme fascinant du ventre fracturé et brunâtre de l’Amérique au bord de l’autodestruction. Mais voici la chose. Les années folles sont à la Nouvelle-Orléans, pas à Vegas, et les personnages qui peuplent son intérieur ne se sont pas contentés de se promener., Bien que rien dans le film ne le reconnaisse autant, les frères Ross ont jeté des gens pour peupler le bar, enregistrant les pitreries ivres de leurs artistes choisis tout au long d’une nuit débauchée. Le résultat est à la fois une grande tromperie cinématographique et une expérience cinématographique audacieuse. « Bloody Nose » était une merveilleuse provocation cinématographique au début de l’année, mais à la fin, ce récit flou d’une entreprise fermant ses portes après un dernier shindig a une toute nouvelle couche de connotations douces-amères.,

« Bacurau”

Le Western brésilien futuriste de Kleber Mendonca Filho et Juliano Dornelles, qui trouve une ville isolée se liguant contre de mystérieux justiciers, prend une profonde qualité symbolique alors que le film finale. Le film tourne sur une société désertique isolée définie par son éthique autonome et forcée de se battre pour maintenir son existence contre la bureaucratie meurtrière qui se rapproche., Et ils le font: même un Udo Kier aux yeux sauvages en tant que super-vilain dérangé du film ne peut pas arrêter Sonia Braga avec du sang dans les yeux, ou les fantômes Vengeurs d’un monde pas encore prêt à abandonner son champ de bataille. Filho et Dornelles canalisent le meilleur de John Carpenter et Sergio Leone tout en poussant la matière dans un plan surréaliste plus séduisant et imprévisible, où le spectre du colonialisme plane mais la résistance aussi.,

alors que le film a certainement des ramifications nationales précises pour les luttes actuelles du Brésil avec la démocratie et la guerre de classe, ces questions résonnent à l’échelle mondiale plus que jamais. « Bacurau » les explore avec une intrigue implacable et une rage sans limite. Jonglant avec l’évasion du Film B et le grand art, le film célèbre finalement l’idée de l’auto-préservation en tant que lutte communautaire. C’est une leçon que nous ne pouvons pas apprendre assez, et dans « Bacurau”, il arrive avec une force explosive.,

« Borat Ultérieure Moviefilm”

©Amazon/avec l’aimable autorisation Everett Collection

Au cours des dernières années, satire de l’Amérique est en crise. Comment peut-on peut-être lampoon une société qui se moque déjà de lui-même? Laisse à Sacha Baron Cohen le soin de comprendre celle-là. L’interprète comique a fait un retour surprise à son personnage le plus célèbre 14 ans après que le faux journaliste Kazakh a traversé L’Amérique pour exposer ses extrêmes les plus laids., Alors que le pays devenait plus laid, il réclamait une autre exposition tranchante, que Baron Cohen et son équipe d’écrivains ont exhumée avec un autre mélange cinglant d’activisme et d’art de la performance absurde. Sorti en secret pendant la pandémie, c’est l’une des rares versions de 2020 à capturer réellement la folie de l’année avec un véritable gain.,

Le quotient Comique grinçant est élevé cette fois-ci, alors que Borat et sa fille Tutar (Maria Bakalova, la meilleure découverte à l’écran de l’année) font une tentative mal conçue de livrer la femme à Mike Pence — et finalement Rudy Giuliani, dans un moment « gotcha” remarquable pour les âges qui ont attaqué tout ce Les caméras cachées font des merveilles, mais elles ne sont rien sans le talent devant elles. La capacité de Baron Cohen à exposer la folie des temps modernes n’a fait que croître avec le temps, même quand c’est stupide comme tout l’enfer., Ces temps fous ne demandent pas moins.

« The Mole Agent”

Gravitas Ventures

Il y a un certain frisson immersif qui vient des documentaires qui se cachent, et « The Mole Agent” incarne cet appel. La charmante étude de personnage de la réalisatrice chilienne Maite Alberdi se déroule comme un thriller d’Espionnage complexe, avec un veuf de 83 ans infiltré dans une maison de retraite à la demande d’un détective privé., Le plan tourne mal avec toutes sortes de résultats comiques et touchants, si bien assemblés dans un cadre de tropes fictifs qu’il demande un remake américain. Mais même si un tel produit pourrait plaire aux entreprises avides de contenu, il serait redondant dès le départ, car « The Mole Agent” est déjà l’un des films d’Espionnage les plus réconfortants de tous les temps — une combinaison rare de genres qui ne fonctionne que si bien parce qu’il se faufile sur vous.,

« The Climb”

SPC

la prémisse de « The Climb” a été dit tant de fois que c’est un petit miracle que celui-ci fonctionne du tout: deux copains de vie testent les limites de leur amitié quand une femme Pourtant, les débuts de réalisateur captivants de Michael Covino relèvent ce défi avec une ambition cinématographique époustouflante, résultant en une brillante réinvention de la comédie buddy., Les films dude à la testostérone ont occupé toutes les facettes du paysage cinématographique ces dernières années, des Frères Duplass aux « beaux-frères”, mais « The Climb” transforme ce trope en une nouvelle vision de confrontations alcoolisées et de lamentations maladroites, résultant en une vision tragicomique gagnante de sa propre conception.,

le point de départ de « The Climb” remonte à un court métrage de Sundance 2017, avec un scénario intelligent si économique qu’il n’aurait jamais pu faire allusion au grand design à suivre: les copains de longue date Mike (Covino) et Kyle (co-scénariste Kyle Marvin) gravissent une colline escarpée alors que Mike, le plus en forme des deux, En sept minutes serrées, le court a imaginé une paire d’enfants-hommes dopés et à bout de souffle dont le lien étroit est testé dans les circonstances les plus stupides. Où pourrait-il aller plus loin?, Comme il s’avère: beaucoup d’endroits passionnants, comme ce pointu à deux mains vire de caustique à doux avec un cinéma acrobatique à épargner. Si les comédies américaines tenaient autant d’innovation dans chaque scène, chaque formule ressemblerait à une nouvelle découverte. Jusqu’à ce moment utopique, au moins nous avons « la montée., »

”Time »

Amazon Studios

Il faut quelques secondes pour que” Time  » devienne quelque chose de spécial: une partition de piano émouvante enquête sur des années de résilience dans une famille noire, le premier long métrage radieux du réalisateur Garrett Bradley fusionne Le film se déroule comme une élégie lyrique en noir et blanc étirée à travers les décennies, fusionnant l’intimité de son design avec un sens émouvant du but., Le sort de Sibyl Fox Richardson, une mère de six enfants déterminée qui lutte contre la peine de 60 ans de prison de son mari, évite toute occasion évidente de prendre la voie conventionnelle. Il n’y a pas de têtes parlantes ou de cartes de titres explicatives; au contraire, l’élégance de chaque échange poétique souligne le poids émotionnel de la lutte de Fox et la clarté qu’elle a trouvée dans la reconstruction de sa vie. Au moment où elle chante un mantra familier dans les dernières minutes —  » le succès est la meilleure vengeance!— – le film a réinventé le concept du sol.,

plutôt que de creuser dans l’accumulation des obstacles juridiques impliqués dans la libération anticipée de son mari, Bradley fait confiance à chaque image lyrique pour transmettre les enjeux à portée de main. « Time » englobe un large canevas, du racisme institutionnalisé à L’excellence Noire en tant qu’état d’esprit profond, et chaque visage approfondit la nature de son drame. C’est une exploration sociologique captivante en termes purement cinématographiques, et l’un des quelques faits saillants de 2020 qui incitent le cinéma documentaire à penser grand, même quand il s’agit de petites histoires.,

« jamais rarement parfois toujours”

caractéristiques de mise au point

dans des mains moindres, « jamais rarement parfois toujours” pourrait être l’histoire sérieuse d’une adolescente à la recherche d’un avortement, et non-histoire de survie des enjeux qu’Eliza Hittman a faite., Réalisant le potentiel de « It Felt Like Love” et « Beach Rats », le troisième long métrage du réalisateur mêle l’intensité socio-réaliste d’un film des frères Dardenne à la fragilité du parcours de son jeune protagoniste pour créer l’une des histoires de passage à l’âge adulte les plus palpitantes de mémoire récente.

en son centre, Sidney Flanigan, star de breakout, palpite avec L’incertitude frénétique d’une jeune femme qui tente d’échapper aux inévitables difficultés qui l’attendent à chaque tournant., Se faufilant à New York de la Pennsylvanie dans l  » espoir que ses parents ne sauront pas, le personnage lutte avec la terreur imminente de sa fin de partie, même si elle reste engagée à le voir à travers. C’est un tour épuisant de la suivre dans ce voyage et ses nombreux virages Kafkaïens, mais la pièce maîtresse du film se résume à un seul aveu larmoyant qui transcende les spécificités de l’intrigue pour devenir un plaidoyer dévastateur pour l’empathie. Et wow, ne piquent pas.,

« Nomadland”

la Courtoisie de SEARCHLIGHT PICTURES

« Nomadland” est le genre de film qui pourrait aller mal. Avec Frances McDormand comme star aux côtés d « un casting de nomades de la vie réelle, dans des mains moindres, cela pourrait ressembler à l » accomplissement de souhaits bon marché ou au showboating le plus gratuit. Au lieu de cela, la réalisatrice Chloé Zhao travaille la magie avec le visage de McDormand et le monde réel qui l’entoure, livrant une rumination profonde sur l’impulsion de laisser la société dans la poussière., Zhao a déjà réalisé « The Rider” et » Songs My Brother Taught Me », des drames qui plongent dans des expériences marginalisées avec des non-acteurs autochtones du Dakota du Sud. « Nomadland » importe cette fixation avec des paysages naturels de balayage à une tapisserie beaucoup plus grande et un côté différent de la vie américaine.

inspiré par le livre de non-fiction de Jessica Bruder « Nomadland: Surviving America in the 21st Century”, le film suit McDormand dans le rôle de Fern, une veuve à la voix douce au début des années 60 qui prend la route dans sa camionnette et continue de bouger., Le film plane avec elle, parfois si empêtré dans ses voyages qu’il devient pratiquement un documentaire. Au lieu de cela, le film développe un récit envoûtant sur l’aliénation américaine et l’attrait d’échapper aux griffes oppressives de la société. Zhao embrasse le paradoxe au centre d’une histoire qui célèbre à la fois la libération de son personnage et déplore ce triste état de choses qui l’a mise sur cette voie. Alors que L’Amérique fait face à son identité divisée, « Nomadland” capture à la fois le zeitgeist et embrasse le fantasme de tout laisser derrière lui pour la vie sur la route.,

« Collective”

HBO

« Collective” commence comme l’un des plus grands films de journalisme de tous les temps, puis il va encore plus loin, exposant la démocratie en guerre contre elle-même. Le documentaire attachant et implacable du réalisateur roumain Alexander Nanau suit les conséquences de l’incendie de 2015 qui a tué 64 personnes, planant au centre d’un système sur le point de s’effondrer. Et puis c’est le cas, un peu comme les flammes qui ont englouti la boîte de nuit Colectiv de Bucarest et envoyé la nation en queue de peloton., « Collective « joue comme un thriller en temps réel saisissant, fusionnant l’intensité journalistique de” Spotlight « avec l’incertitude paranoïaque de” The Mandchurian Candidate » alors qu’il explore les retombées nationales d’une tragédie qui ne lâchera pas.,

son héros initial émerge d’un endroit improbable: le journaliste de Sports Gazette Catalin Tolontan et sa collègue Mirela Nega dirigent les téléphones avec une éthique de travail agressive qui laisserait Woodward et Bernstein en admiration, mais ce n’est pas seulement leur histoire; Nanau prend la décision audacieuse plus tard de se concentrer sur le nouveau ministre de la santé Vlad Voiculescu, qui est chargé de mener une refonte transparente du système médical dysfonctionnel de la Roumanie, même s’il fait face à des refoulements à chaque tour., Jonglant avec cet assemblage dense de sessions de stratégie sous le nuage imminent d’une élection nationale, le film offre une fenêtre qui donne à réfléchir sur la nature des idéaux démocratiques au sein de la machine tourbillonnante de la corruption systémique. Mais c’est trop rapide pour se sentir comme une fête de pitié; c’est trop complexe pour ça. « Collectif » démontre le potentiel de courage moral à supporter, même sous les efforts les plus désastreux pour l’étouffer. Peu importe qui dirige le spectacle, le travail continue. N’oublions pas que.,

« Lovers Rock”

Amazon Studios

en 68 minutes, Steve McQueen a réalisé le film le plus complexe et le plus joyeux de sa carrière, un salut dansant à la joie noire et à l’énergie sur l’histoire cachée. Dans l’utilisation la plus excitante et audacieuse de la musique à l’écran de L’année, l’adolescente Martha (Amarah-Jae St.Aubyn) et ses pairs ont frappé la piste de danse pour une interprétation émouvante du single « Silly Games » de Janet Kay en 1979., »Mais quand la mélodie s’arrête et que leur interprétation a cappella prend le relais — pendant cinq minutes envoûtantes! — le cri aigu d’une femme se résout sur la même note bluesy, l’estampage des pieds se fusionne en un rythme puissant, et la performance collective se transforme en une représentation éblouissante et hypnotique de la solidarité culturelle. La nuit sauvage de Martha dans le quartier de Notting Hill vers 1980 frappe quelques moments difficiles, mais elle se construit vers une fin vertigineuse et romantique qui lui permet de s’en sortir avec l’excitation de se découvrir au coup par coup.,

cousu dans la tapisserie plus large de la mini-série de cinq films de McQueen « Small Axe” sur les expériences des Londoniens Antillais à travers les décennies, « Lovers Rock” ressemble certainement à une pièce de puzzle concise dans une vaste tapisserie conçue pour compenser des années de territoire sous-exploré. En même temps, le film — et il ne sert à rien de se demander s’il mérite cette désignation — se présente à lui seul comme un instantané poétique de la vie aussi vif que n’importe quoi dans « Roma” ou « Boyhood. »McQueen a raconté de nombreuses histoires riches et troublantes au fil des ans., Mais avec « Lovers Rock », il entonne ces mêmes pouvoirs lyriques dans une célébration de la vie dans le moment, et nous sommes là avec lui.

« Première Vache”

Si le cinéma Américain avait un poète lauréat, Kelly Reichardt, tiendrait la couronne. Au cours des 15 années écoulées depuis « Old Joy”, Reichardt a élaboré une série d’explorations patientes de l’identité nationale qui ne font que s’approfondir avec le temps., Les films de Reichardt font des merveilles à partir d’un désir ineffable, se fixant avec une profonde curiosité sur des solitaires ostracisés en marge de la société désireux de s’installer. « First Cow » consolide cette compétence dans son film le plus satisfaisant à ce jour, un drame d’époque minimaliste sur la compagnie, la naissance du rêve américain, et oui, le bovin titulaire. La blague de  » First Cow « est que, eh bien, qui veut regarder un film appelé”First Cow »? Et l’ironie est que tout le monde devrait.,

sorti (à peine, avant que les shutdowns obligent à migrer vers la VOD) dans une année définie par le choc d’une société forcée de se séparer, « First Cow” magnifie ce sentiment exact. Situé dans le territoire de L’Oregon vers 1820, L’adaptation de Reichardt du roman de John Raymond « The Half-Life » utilise le lien particulier du chef errant Cookie (un tendre John Magaro) et de L’immigrant Chinois King-Lu (un Orion Lee trop confiant) pour explorer la solitude d’un monde vide et l’excitation de trouver une certaine mesure de, C’est ce que le couple fait, en volant du lait à la seule vache de la région pour faire des gâteaux pour les colons de passage.

c’est le film de braquage Le plus subtil de l’histoire du cinéma, mais même si les hommes mettent leur vie en danger pour un plan assez téméraire, « First Cow” reste avec la sincérité de leurs intentions de continuer, et la manière touchante qu’il définit leur lien. L’échange concluant du film atterrit sur trois mots encourageants – « i’ve got you » – et ils arrivent comme le point culminant d’une ballade que seul Reichardt pouvait écrire., Comme pour tout son travail, la réalisatrice communie avec l’idée que même les personnes téméraires veulent simplement trouver un sens dans leurs petits coins d’existence. Le monde entier doit entendre sa sortie.