Madame Lelica

Ogni anno, il film affrontare una crisi esistenziale e di rimbalzo indietro, ma 2020 non guardare come ogni anno. L’impatto drammatico della pandemia su quasi tutti gli aspetti della vita umana ha causato danni senza precedenti alle istituzioni culturali e al lavoro che presentano., In America, la maggior parte dei cinema rimane chiusa, i festival cinematografici sono diventati virtuali e le produzioni cinematografiche sono diventate un pasticcio rischioso di sfide assicurative e di sicurezza che solo i produttori più esperti possono risolvere. Eppure, nonostante queste terribili sfide e l’incertezza del futuro, il cinema è rimasto molto vivo durante tutto l’anno, con una vasta gamma di imprese ambiziose che si snodano in qualsiasi forma di uscita sembrava praticabile.,

Nonostante le probabilità impossibili, questo è stato uno degli anni più ricchi nella memoria recente per una vasta gamma di film a gocciolare attraverso un mercato di incertezza che sarebbe stato ostile a loro anche in tempi pre-pandemici. I blockbuster si ritirarono in secondo piano e, a quanto pare, la cultura cinematografica non ne aveva davvero bisogno. È stato incoraggiante vedere che alcune verità fondamentali non cambiano: come al solito, chiunque pensi che questo sia stato un brutto anno per i film semplicemente non ne ha visti abbastanza.,

Le regole di qualificazione sono state piegate molte volte quest’anno, ma questa lista annuale dei migliori film dell’anno non ha dovuto cambiare tono. Tutto ciò che ha fatto il taglio o ha ricevuto una corsa teatrale da qualche parte negli Stati Uniti, arriverà nei cinema prima della fine dell’anno, o ha ricevuto una versione VOD. Ciò significa che i lettori appassionati di riempire alcuni punti ciechi non dovrebbero avere problemi a recuperare.

La maggior parte dei migliori film del 2020 non sono stati realizzati quest’anno, ma sicuramente parlano., Dalle ansie elettorali agli inquietanti effetti psicologici del distacco sociale, 2020 è stato uno stato d’animo come nessun altro, e molti di questi film sono diventati incarnazioni retroattive di quei sentimenti insoliti. Non è esattamente un incidente felice: il mondo era già un luogo inquietante e misterioso che i narratori moderni stavano tentando di analizzare, quindi quando l’umore si è intensificato, i loro film sono arrivati nei tempi previsti. Allo stesso tempo, molti dei momenti salienti cinematografici dell’anno offrono una certa speranza per il futuro, o almeno celebrano le prospettive di abbracciare l’ignoto.,

Ogni anno, questa lista diventa un po ‘ più lunga, ma non si sente mai abbastanza a lungo. L’anno scorso 19 migliori film di 2019 mi ha lasciato a gran voce per un ultimo slot. Se avessi un po ‘ di più questa volta, probabilmente farebbero spazio a questi secondi classificati: “Un altro giro”, “Gunda”, “Ti porto con me”, “Sto pensando di finire le cose”, “Minari”, “Reliquia”, “Cacciatori di tartufi” e “Il pittore e il ladro.”

Vedili tutti! Ma vai con questi prima.,

“She Dies Tomorrow”

Neon

Il tanto atteso seguito di Amy Seimetz a “Sun Don’t Shine” è stata la sfera di cristallo che ha predetto l’umore nauseabondo dell’anno a venire. La misteriosa ed enigmatica commedia oscura dello scrittore-regista immagina un virus psicologico, che si diffonde gradualmente attraverso Los Angeles che fa credere agli afflitti che subiranno il destino titolare. In questi giorni, chi non può relazionarsi?, Con una performance stordita di Kate Lynn Sheil al suo centro,” She Dies Tomorrow ” si evolve in una notevole allegoria per l’ansia esistenziale e il suo potenziale infettivo. A turno soul, inquietante, e triste, il film usa i suoi molti volti inquietanti per mostrare come una singola emozione snervante può unire tutti noi.

“Dick Johnson è morto”

Netflix

Dick Johnson muore molte volte nel commovente e personale documentario di sua figlia Kirsten, a partire dai titoli di testa., Ma naturalmente è vivo per tutto il tempo, giocando attraverso una forma elaborata di terapia cinematografica con la sua prole regista mentre lotta con l’ansia di perderlo. Questo concetto potrebbe facilmente trasformarsi in un esercizio di osservazione dell’ombelico, ma Kirsten Johnson (il veterano direttore della fotografia di saggistica che ha diretto il meraviglioso film collage del 2016 “Cameraperson”) mette in scena una toccante e divertente meditazione sull’abbracciare la vita e temere la morte allo stesso tempo., Oscillando da intimi scambi padre-figlia a surreali tangenti meta-fittizie, il film vive all’interno del suo avvincente paradosso, riflettendo la nausea incertezza che circonda il destino del suo soggetto — e, per estensione, di tutti. Alternativamente esilarante, commovente e rivelatore, “Dick Johnson Is Dead” riesce a comunicare con una paura universale della morte trasformandola in una celebrazione della vita.,

“La grande Notte”

Amazon Studios

“Incontri ravvicinati” di Robert Altman spendendo poco, “La grande Notte” è uno dei più sorprese positive 2020 aveva da offrire: un audace debutto che si prende confidenza materiale e giri in un imprevedibile pacchetto. Il primo lungometraggio del regista Andrew Patterson si svolge come se i suoi personaggi fossero intrappolati entro i confini di una serie antologica del vintage “Twilight Zone”, ma scava molto più in profondità., Ambientato sullo sfondo vivido della piccola città del New Mexico degli anni ‘ 50, il film trova un giovane deejay radiofonico troppo sicuro di sé (Jake Horowitz) e un ansioso centralinista (Sierra McCormick) che sfreccia in città per determinare la fonte di un misterioso segnale che sembra provenire dalle stelle. Potrebbe essere qualcosa di veramente fuori di questo mondo?

Bene, la maggior parte degli spettatori conosce il trapano su questa domanda., Ma le cadenze della direzione di whiz-bang di Patterson, da un’audace presa lunga che zip dalla stazione radio attraverso un campo e attraverso una dannata partita di basket fino al mistero maestoso dei suoi momenti finali, quando un paio di personaggi consumati dal potenziale delle nuove tecnologie affrontano qualcosa oltre ogni immaginazione. Ti lascerà afferrare le risposte e pronto ad abbracciare qualsiasi cosa Patterson faccia dopo.,

“Mangrove”

Des Willie/Amazon Prime Video

La storia drammatica di Mangrovie Nove, quando un gruppo di Black British attivisti combattuto contro i razzisti raid della polizia in un teso serie di aula di tribunale showdown, praticamente si accamparono in sé come un film, quando si è svolta nel 1970. (Furono assolti dalla maggior parte delle accuse, ma le incursioni non si fermarono.,) Ci sono voluti solo 50 anni, ma “Mangrove” dello scrittore-regista Steve McQueen fa gli straordinari per colmare il vuoto, risultando in un delizioso crowdpleaser sia specifico per il suo momento che rilevante oggi.

Prodotto come parte dell’ambiziosa antologia di cinque film del regista “Small Axe” sui londinesi neri britannici in diversi decenni, “Mangrove” è un dramma giudiziario teso ed emozionante che trascende il genere mentre lavora all’interno delle sue barriere. Il film approfondisce il solito assemblaggio di monologhi appassionati sulla parità di diritti e dedizione alla causa., Ma è anche radicato in un ecosistema dettagliato così ricco di sentimenti del momento che alla fine rende una vecchia routine nuova, con un avvincente Shaun Parkes come il proprietario del ristorante moralmente in conflitto come il suo fulcro, McQueen dimostra ancora una volta di essere uno dei migliori registi di attori che lavorano oggi.

“Mayor”

YouTube/screenshot

Il documentario emozionante e perspicace di David Osit offre una straordinaria istantanea del conflitto israelo-palestinese dall’interno., Ramallah è solo 10 miglia a nord di Gerusalemme, ma per i palestinesi che vivono sotto occupazione, la distanza si sente molto più a lungo. Osit allena la sua macchina fotografica su Musa Hadid, il protagonista oberato di lavoro al centro di un dramma operistico di vérité che spesso si immerge nella commedia nera burocratica e nella suspense snervante, mentre i tentativi esasperati di Hadid di mantenere la pace si dissolvono in un costante turbinio di frustrazione. Il film non si sofferma esattamente sulle difficoltà del lavoro di Hadid tanto quanto entra nel suo spazio di testa per illuminare la vanità del mondo che lo circonda., È una visione avvincente, triste ed essenziale per chiunque cerchi di capire la natura di questa crisi in corso e perché continua a muoversi nella direzione sbagliata.

“Mank”

Netflix

Ci sono stati innumerevoli film sull’età d’oro di Hollywood che celebrano la sua grandezza o lamentano le dure tattiche commerciali dei leader di cigar-chomping. Ma David Fincher non deve preoccuparsi dei precedenti., Con i “Ma”, l’autore trasformare il suo defunto padre di Jack sceneggiatura in un ricco, inquietante meditazione sul inquieto carriera di “Citizen Kane” sceneggiatore Herman J. Mankiewicz (una frenetica Gary Oldman al suo meglio), lavorando per risolvere il mistero della proverbiale “miglior film di tutti i tempi” per creare un affascinante finestra sul mondo che ha ispirato, e che cioè gli uomini potenti, la cui influenza si estese ben oltre l’arena di intrattenimento e cambiato il tessuto di tutta la società., Zippando tra la corsa governatoriale del 1934 e i tentativi di Mank costretto a letto di mettere insieme il suo magnum opus, “Mank” usa il suo meticoloso scenario in bianco e nero e il complesso paesaggio sonoro per resuscitare la sua epoca mentre commenta come riverbera fino ad oggi. Innumerevoli film su Hollywood vanno dietro le quinte; “Mank” è uno dei pochi ci dice cosa significano veramente.,

“Anima”

Disney/Pixar

nel Corso dei decenni, Pixar record della pista con storie originali è stato così buono che può essere difficile da guadare attraverso l’hype per riconoscere un vero capolavoro., Eppure lo sguardo vincente di Pete Docter su un musicista jazz (Jamie Foxx) che tenta di sfuggire all’aldilà per un concerto dell’ultimo secondo è proprio questo: Il tocco Pixar e poi alcuni, “Soul” usa il suo contesto magico per offrire uno sguardo sorprendentemente intimo alla ricerca di uno scopo nella vita di un uomo, e come influisce sull’ambivalenza di una mente non ancora nata (Tina Fey) che pensa di poter sfuggire alle sue grinfie per sempre., Certo, l’immaginario include una miscela vertiginosa di visioni psichedeliche dell’aldilà e paesaggi nitidi di New York, ha alcune delle migliori esibizioni musicali animate di sempre, e l’inseguimento culminante si svolge in circostanze così innovative che sfidano qualsiasi sommatoria di una riga. Ma l’essenza di “Anima” risiede nella natura profonda del viaggio del suo personaggio, una ricerca universale verso la scoperta di sé che accende le prospettive di seconde possibilità. E ‘ un tearjerker con uno scopo cosmico.,

“Sound of Metal”

Amazon

Riz Ahmed è il tipo di attore frenetico che sembra sempre che possa sporgere fuori dall’inquadratura, e in “Sound of Metal”, è intrappolato. Come Ruben, il batterista heavy-metal che diventa sordo al centro dell’affascinante debutto dello scrittore-regista Darius Marder, Ahmed trasmette le complesse frustrazioni di perdere il contatto con il mondo che lo circonda, indipendentemente da quanto combatta per trattenerlo., Questo devastante enigma si basa sul miglior uso del sound design nella memoria recente, poiché Marder immerge gli spettatori entro i confini della relazione deteriorante di Ruben con il mondo che lo circonda, e ordina attraverso il relitto per costruirne uno nuovo. La brillante performance di Ahmed accende un paesaggio sonoro complesso che risuona anche in totale silenzio.,

“L’Assistente”

Bleecker

Harvey Weinstein non appare in “L’Assistente”, e nessuno lo menziona per nome, ma non fare errore: Il regista Kitty Green urgente in tempo reale thriller che segna il primo racconto rappresentazione della vita sotto il suo minaccioso grip., ” Ozark ” breakout Julia Garner è una rivelazione come la fragile giovane donna incaricata di destreggiarsi tra le minuzie della vita dell’esecutivo, organizzando un flusso infinito di viaggi in aereo, allontanando i chiamanti arrabbiati e raccogliendo la spazzatura lasciata nella sua scia. Al di là di alcuni scorci sfocati di una figura massiccia che vagano per il suo ufficio sullo sfondo, il Weinstein di “The Assistant” è una minaccia fantasma che si abbatte sulla vita della giovane donna, ma questa affascinante indagine psicologica non gli permette di dirottare una storia che le appartiene., In mezzo a storie galvanizzanti su ciò che ci è voluto per parlare, “The Assistant” è un promemoria essenziale del perché ci sia voluto così tanto tempo perché il mondo ne sentisse parlare.

“Naso insanguinato, tasche vuote”

A prima vista, “Naso insanguinato, tasche vuote” si svolge come un brillante lavoro di cinema verite., Bill e Turner Ross ‘boozy hangout film cattura l” ultima notte rauca al ruggenti anni Venti, un bar sporco alla periferia della strip di Las Vegas, dove vari reietti inebriati seppelliscono i loro dolori in una sfocatura di rabbia e lamenti poetici. È tardi 2016, e con le elezioni presidenziali che stanno per cambiare il mondo, il pub funge da affascinante microcosmo del ventre fratturato e browbeaten dell’America sull’orlo dell’autodistruzione. Ma il punto e ‘ questo. I ruggenti anni Venti sono a New Orleans, non a Las Vegas, e i personaggi che popolano il suo interno non si limitano a vagare., Anche se nulla nel film riconosce tanto, i fratelli Ross gettano le persone a popolare il bar, registrando le buffonate ubriachi dei loro artisti scelti per tutta una notte dissoluta reale. Il risultato è sia un grande inganno cinematografico che un audace esperimento cinematografico. “Bloody Nose” è stata una meravigliosa provocazione cinematografica all’inizio dell’anno, ma alla fine, questa narrazione sfocata di un’azienda che chiude i battenti dopo un’ultima festa ha un nuovo strato di connotazioni agrodolci.,

“Bacurau”

Kleber Mendonca Filho e Juliano Dornelles’ futuristico Brasiliano Occidentale, che trova una città a distanza di banding insieme contro il misterioso vigilantes, assume un profondo qualità simbolica come il film costruisce il suo sanguinoso finale. Il film si trasforma in una remota società desertica definita dal suo ethos autosufficiente e costretta a lottare per sostenere la sua esistenza contro la burocrazia assassina che si sta avvicinando., E così fanno: anche un Udo Kier dagli occhi selvaggi come il supercriminale squilibrato del film non può fermare Sonia Braga con il sangue negli occhi, o i fantasmi vendicativi di un mondo non ancora pronto a rinunciare al suo campo di battaglia. Filho e Dornelles incanalano il meglio di John Carpenter e Sergio Leone anche mentre spingono la materia in un piano surrealista più allettante e imprevedibile, dove lo spettro del colonialismo incombe grande ma così fa la resistenza.,

Mentre il film ha certamente precise ramificazioni nazionali per le attuali lotte del Brasile con la democrazia e la guerra di classe, questi problemi risuonano su scala globale più che mai. “Bacurau” li esplora con intrigo implacabile e rabbia senza limiti. Giocoleria evasione B-movie e alta arte, il film celebra in ultima analisi, l ” idea di autoconservazione come una lotta comune. Questa è una lezione che non possiamo imparare abbastanza, e in “Bacurau”, arriva con forza esplosiva.,

“Borat Subsequent Moviefilm”

©Amazon/Courtesy Everett Collection

Negli ultimi anni, la satira americana è stata in crisi. Come si fa forse lampoon una società che già si prende gioco di se stessa? Lascia che sia Sacha Baron Cohen a capirlo. Il comico ha fatto un ritorno a sorpresa al suo personaggio più famoso 14 anni dopo che il falso giornalista kazako si è fatto strada attraverso l’America per esporre i suoi estremi più brutti., Mentre il paese diventava più brutto, chiedeva a gran voce un’altra esposizione incisiva, che Baron Cohen e il suo team di scrittori hanno portato alla luce con un’altra miscela graffiante di attivismo e performance art assurdista. Lanciato in segreto durante la pandemia, è uno dei pochi rilasci del 2020 a catturare effettivamente la follia dell’anno con un vero guadagno.,

L’rabbrividire commedia quoziente è alta questa volta, come Borat e sua figlia Tutar (Maria Bakalova, i migliori dell’anno sullo schermo scoperta) fare un malinteso tentativo di consegnare la donna di Mike Pence — e, infine, Rudy Giuliani, in una notevole “gotcha” momento per l’età che ha assalito qualsiasi briciolo di credibilità che aveva lasciato. Le telecamere nascoste fanno miracoli, ma non sono niente senza il talento di fronte a loro. La capacità di Baron Cohen di esporre la follia dei tempi moderni è cresciuta solo con il tempo, anche quando è sciocco come tutto l’inferno., Questi tempi folli richiedono non meno.

“The Mole Agent”

Gravitas Ventures

C’è una certa emozione coinvolgente che viene dai documentari che si nascondono, e “The Mole Agent” incarna questo appello. Il delizioso studio sui personaggi del regista cileno Maite Alberdi si svolge come un intricato thriller di spionaggio, con un vedovo di 83 anni che si infiltra in una casa di cura per volere di un detective privato., Il piano va storto con tutti i tipi di risultati comici e toccanti, così ben assemblati in un quadro di tropi immaginari che chiede un remake americano. Ma per quanto un prodotto del genere possa piacere alle aziende affamate di contenuti, sarebbe ridondante fin dall’inizio, perché “The Mole Agent” è già uno dei film di spionaggio più toccanti di tutti i tempi — una rara combinazione di generi che funziona così bene solo perché si insinua su di te.,

“The Climb”

SPC

La premessa di “The Climb” è stata raccontata tante volte è un piccolo miracolo che questo funzioni affatto: due amici per tutta la vita mettono alla prova i confini della loro amicizia quando una donna si mette tra loro. Eppure l’avvincente debutto alla regia di Michael Covino affronta questa sfida con una straordinaria ambizione cinematografica, risultando in una brillante reinvenzione della commedia buddy., I film dude alimentati con testosterone hanno occupato ogni aspetto del panorama cinematografico negli ultimi anni, dai fratelli Duplass ai “Fratellastri”, ma “The Climb” trasforma quel tropo in una nuova visione di showdown ubriachi e lamenti imbarazzanti, risultando in una visione tragicomica vincente del proprio design.,

Il punto di partenza per “La Salita”, risale a un 2017 Sundance film breve, con un intelligente scenario così economico non è mai potrebbe avere accennato al grand design a seguire: amici di Lunga data Mike (Covino) e Kyle (co-sceneggiatore Kyle Marvin) bicicletta su una ripida collina, come Mike, il montatore dei due, procede alla massima velocità, mentre confessando che lui è stato a letto con Kyle fidanzato. In sette minuti stretti, il corto immaginava un paio di uomini-bambini stupidi e senza fiato il cui stretto legame viene testato nelle circostanze più stupide. Dove potrebbe mai andare da lì?, Come si è visto: Molti luoghi emozionanti, come questo tagliente a due curve vira da caustico a dolce con il cinema acrobatico di ricambio. Se le commedie americane tenessero questa molta innovazione in ogni scena, ogni formula si sentirebbe come una nuova scoperta. Fino a quel momento utopico, almeno abbiamo ” La salita.,”

“Tempo”

Amazon Studios

Si prende una manciata di secondi per “il Tempo” per diventare qualcosa di speciale: una agitazione spartito per pianoforte sondaggi anni di resilienza in una famiglia di colore, direttore Garrett Bradley radiante prima caratteristica unisce forma e funzione per effetto brillante. Il film si svolge come un’elegia operistica in bianco e nero che si estende attraverso i decenni, fondendo l’intimità del suo design con un senso di scopo., La situazione di Sibyl Fox Richardson, una determinata madre di sei figli che combatte la pena detentiva di 60 anni del marito, evita ogni ovvia opportunità di prendere la via convenzionale. Non ci sono teste parlanti o titoli esplicativi; invece, l’eleganza di ogni scambio poetico sottolinea il peso emotivo della lotta di Fox, e la chiarezza che ha trovato nel ricostruire la sua vita. Nel momento in cui canta un mantra familiare nei minuti finali- ” Il successo è la migliore vendetta!— – il film ha reinventato il concetto di base.,

Piuttosto che scavare nell’accumulo di ostacoli legali coinvolti nella navigazione del rilascio anticipato di suo marito, Bradley si fida di ogni immagine lirica per trasmettere la posta in gioco a portata di mano. “Time” comprende un’ampia tela, dal razzismo istituzionalizzato all’eccellenza nera come uno stato mentale profondo, e ogni volto approfondisce la natura del suo dramma. È un’avvincente esplorazione sociologica in termini puramente cinematografici, e uno dei pochi punti salienti del 2020 che sfidano il cinema documentario a pensare in grande, anche quando si tratta di piccole storie.,

“) Mai Raramente a Volte Sempre”

messa a Fuoco

In meno mani, “Mai Raramente a Volte Sempre” potrebbe essere la più sincera storia di una ragazza adolescente cercando un aborto, e non laceranti, high-stakes storia di sopravvivenza che Eliza Hittman ha fatto., Sfruttando le potenzialità di “It Felt Like Love” e “Beach Rats”, il terzo lungometraggio del regista fonde l’intensità social-realista di un film dei fratelli Dardenne con la fragilità del viaggio del giovane protagonista per creare una delle storie di coming-of-age più emozionanti della memoria recente.

Al suo centro, breakout star Sidney Flanigan pulsa con l’incertezza frenetica di una giovane donna che tenta di sfuggire alle inevitabili difficoltà che la attendono ad ogni turno., Furtivamente a New York dalla Pennsylvania nella speranza che i suoi genitori non lo sappiano, il personaggio lotta con il terrore incombente del suo finale, anche se rimane impegnata a vederlo attraverso. È una corsa estenuante seguirla in quel viaggio e nelle sue molte svolte kafkiane, ma il fulcro del film arriva da una singola ammissione in lacrime che trascende le specifiche della trama per diventare un appello devastante per l’empatia. E wow, fa punge.,

“Nomadland”

Per gentile concessione di SEARCHLIGHT PICTURES

“Nomadland” è il tipo di film che potrebbe andare molto male. Con Frances McDormand come la sua stella al fianco di un cast nomadi della vita reale, in mani minori potrebbe sembrare a buon mercato realizzazione dei desideri o showboating al suo più gratuito. Invece, il regista Chloé Zhao lavora con la magia con il volto di McDormand e il mondo reale che lo circonda, offrendo una profonda ruminazione sull’impulso di lasciare la società nella polvere., Zhao ha già diretto ” The Rider “e” Songs My Brother Taught Me”, drammi che si sono tuffati in esperienze emarginate con i non attori indigeni nel Dakota del Sud. “Nomadland” importa quella fissazione con uno scenario naturale ampio in un arazzo molto più grande e un lato diverso della vita americana.

Ispirato al libro di saggistica di Jessica Bruder “Nomadland: Surviving America in the 21st Century”, il film segue McDormand come Fern, una vedova pacata nei suoi primi anni’ 60 che colpisce la strada nel suo furgone, e continua a muoversi., Il film aleggia con lei, a volte così invischiato nei suoi viaggi che diventa praticamente un documentario. Invece, il film sviluppa una narrazione estasiante sull’alienazione americana e sull’appello di sfuggire alle oppressive grinfie della società. Zhao abbraccia il paradosso al centro di una storia che celebra sia la liberazione del suo personaggio e lamenta quel triste stato di cose che l’ha messa in pista. Mentre l’America contende con la sua identità divisa, “Nomadland” cattura lo zeitgeist e abbraccia la fantasia di lasciare tutto alle spalle per la vita sulla strada.,

“Collective”

HBO

“Collective” inizia come uno dei più grandi film di giornalismo di tutti i tempi, e poi fa un passo avanti, esponendo la democrazia in guerra con se stessa. Il documentario rinforzante e implacabile del regista rumeno Alexander Nanau ripercorre le conseguenze dell’incendio del 2015 che ha ucciso 64 persone, in bilico al centro di un sistema sull’orlo del collasso. E poi lo fa, proprio come le fiamme che hanno inghiottito la discoteca Colectiv di Bucarest e hanno mandato la nazione in tilt., “Collective” suona come un avvincente thriller in tempo reale, fondendo l’intensità reportistica di “Spotlight” con l’incertezza paranoica di “The Manchurian Candidate” mentre esplora le ricadute nazionali di una tragedia che non si arrende.,

la Sua iniziale eroe emerge da un luogo improbabile: Sport Gazzetta reporter Catalin Tolontan e collega Mirela Nega eseguire i telefoni con un aggressivo etica del lavoro che vorresti lasciare Woodward e Bernstein in soggezione, ma non è solo la loro storia; Nanau rende l’audace decisione in seguito di passare al nuovo ministro della salute Vlad Voiculescu, che ha il compito di condurre una trasparente revisione della Romania, disfunzionale sistema medico, anche quando si trova davanti pushback ad ogni turno., Giocoleria questo denso assemblaggio di sessioni di strategia sotto la nuvola incombente di un’elezione nazionale, il film fornisce una finestra che fa riflettere sulla natura degli ideali democratici all’interno della vorticosa macchina della corruzione sistemica. Ma è troppo veloce per sentirsi come una festa di pietà; è troppo complesso per questo. “Collettivo” dimostra il potenziale per il coraggio morale di sopportare, anche sotto gli sforzi più terribili per spegnerlo. Non importa chi dirige lo spettacolo, il lavoro va avanti. Non dimentichiamolo.,

“Lovers Rock”

Amazon Studios

In 68 minuti, Steve McQueen ha fatto il più complicato, gioiosa film della sua carriera, dance festa di saluto al Nero di gioia e di teen energia, che raddoppia come una meditazione sulla storia nascosta. Nell’uso più eccitante e audace della musica sullo schermo dell’anno, l’adolescente Martha (Amarah-Jae St. Aubyn) ei suoi coetanei hanno colpito la pista da ballo per una versione soul del singolo “Silly Games” di Janet Kay del 1979.,”Ma quando poi la melodia si ferma e la loro interpretazione a cappella prende il sopravvento-per cinque minuti ipnotizzanti! -il lamento acuto di una donna si risolve sulla stessa nota bluesy, i piedi che stampano si fondono in un ritmo possente e la performance collettiva si trasforma in una rappresentazione abbagliante e ipnotica della solidarietà culturale. La notte selvaggia di Martha nel quartiere di Notting Hill intorno al 1980 colpisce alcuni momenti difficili, ma si costruisce in un finale vertiginoso e romantico che le consente di farla franca con l’eccitazione di scoprire se stessa in modo frammentario.,

Inserito nel più ampio arazzo della miniserie di cinque film di McQueen “Small Axe” sulle esperienze dei londinesi delle Indie occidentali attraverso i decenni, “Lovers Rock” si sente certamente come un pezzo di puzzle conciso in un vasto arazzo progettato per compensare anni di territorio sottoesplorato. Allo stesso tempo, il film — e non ha senso chiedersi se meriti quella designazione — si pone da solo come un’istantanea poetica della vita vivida come qualsiasi cosa in “Roma” o “Boyhood.”McQueen ha raccontato molte storie ricche e inquietanti nel corso degli anni., Ma con “Lovers Rock”, incanala quegli stessi poteri lirici in una celebrazione del vivere nel momento, e siamo proprio lì con lui.

“First Cow”

Se il cinema americano avesse avuto un poeta laureato, Kelly Reichardt avrebbe tenuto la corona. Nei 15 anni trascorsi da “Old Joy”, Reichardt ha sfornato una serie di pazienti esplorazioni dell’identità nazionale che si approfondiscono solo con il tempo., I film di Reichardt fanno miracoli per ineffabile desiderio, fissandosi con profonda curiosità su solitari ostracizzati ai margini della società desiderosi di stabilirsi. “First Cow” consolida quell’abilità nel suo film più soddisfacente fino ad oggi, un dramma d’epoca minimalista sulla compagnia, la nascita del sogno americano e sì, il bovino titolare. Lo scherzo di “First Cow” è che, beh, chi vuole guardare un film chiamato “First Cow”? E l’ironia è che tutti dovrebbero.,

Rilasciato (a malapena, prima che gli arresti richiedessero la migrazione a VOD) in un anno definito dallo shock di una società costretta a separarsi, “First Cow” ingrandisce quella sensazione esatta. Ambientato nel territorio dell’Oregon intorno al 1820, l’adattamento di Reichardt del romanzo di John Raymond “The Half-Life” utilizza il legame peculiare di chef errante Cookie (un tenero John Magaro) e immigrato cinese King-Lu (un troppo sicuro di sé Orion Lee) per esplorare la solitudine di un mondo vuoto e l’eccitazione di trovare una certa misura di compagnia per tracciare un percorso, Questo è quello che fanno i due, rubando il latte dall’unica mucca della regione per fare torte per i coloni di passaggio.

È il film di rapina più sottile della storia del cinema, ma anche se gli uomini mettono le loro vite in pericolo per un piano abbastanza spericolato, “First Cow” rimane con la sincerità delle loro intenzioni di andare avanti, e il modo toccante che definisce il loro legame. Lo scambio conclusivo del film si basa su tre parole incoraggianti – “I’ve got you” – e arrivano come il culmine di una ballata che solo Reichardt poteva scrivere., Come per tutto il suo lavoro, la regista comunica con l’idea che anche le persone spericolate vogliono semplicemente trovare un significato nei loro piccoli angoli dell’esistenza. Il mondo intero dovrebbe ascoltarla.