Madame Lelica

Cada año, las películas se enfrentan a una crisis existencial y de rebote, pero el año 2020 no se ve como todos los años. El impacto dramático de la pandemia en casi todas las facetas de la vida humana ha causado daños sin precedentes a las instituciones culturales y al trabajo que presentan., En Estados Unidos, la mayoría de las salas de cine permanecen cerradas, los festivales de cine se han vuelto virtuales y las producciones cinematográficas se han convertido en un lío arriesgado de desafíos de seguros y seguridad que solo los productores más inteligentes pueden resolver. Sin embargo, a pesar de estos terribles desafíos y la incertidumbre del futuro, el cine permaneció muy vivo durante todo el año, con una amplia gama de ambiciosos proyectos que serpenteaban su camino hacia cualquier forma de estreno que parecía viable.,

a pesar de las probabilidades imposibles, este ha sido uno de los años más ricos en la memoria reciente para que una amplia gama de películas se filtre a través de un mercado de incertidumbre que les habría sido hostil incluso en tiempos pre-pandémicos. Los éxitos de taquilla retrocedieron a un segundo plano, y resulta que la cultura cinematográfica realmente no los necesitaba. Ha sido alentador ver que algunas verdades fundamentales no cambian: como de costumbre, cualquiera que piense que este fue un mal año para las películas simplemente no las vio lo suficiente.,

las reglas de clasificación se han doblado muchas veces este año, pero esta lista anual de las mejores películas del año no tuvo que cambiar su tono. Todo lo que hizo el corte recibió una carrera teatral en algún lugar de los Estados Unidos, llegará a los cines antes de fin de año, o recibió un lanzamiento de VOD. Eso significa que los lectores interesados en llenar algunos puntos ciegos no deberían tener problemas para ponerse al día.

La mayoría de las mejores películas de 2020 no se hicieron este año, pero seguro que hablan de ello., Desde las ansiedades electorales hasta los misteriosos efectos psicológicos del distanciamiento social, 2020 fue un estado de ánimo como ningún otro, y muchas de estas películas se han convertido en encarnaciones retroactivas de esos sentimientos inusuales. Eso no es exactamente un accidente feliz: el mundo ya era un lugar inquietante y misterioso que los narradores modernos estaban tratando de analizar, por lo que cuando el estado de ánimo se intensificó, sus películas llegaron justo a tiempo. Al mismo tiempo, muchos de los aspectos cinematográficos más destacados del año ofrecen cierta esperanza para el futuro, o al menos celebran las perspectivas de abrazar lo desconocido.,

Cada año, esta lista se hace un poco más de tiempo, pero nunca se siente lo suficientemente largo. El año pasado 19 mejores películas de 2019 me dejó clamando por una última ranura. Si tuviera algunos más esta vez, probablemente harían espacio para estos finalistas: «otra ronda», «Gunda», «te llevo conmigo», «Estoy Pensando en terminar las cosas», «Minari», «Reliquia», «cazadores de trufas» y » el pintor y el ladrón.»

¡Véalos todos! Pero ve con estos primero.,

«She Dies Tomorrow»

Neon

El tan esperado seguimiento de Amy Seimetz a «Sun Don’t Shine» fue la bola de cristal que predijo el estado de ánimo mareado del año por venir. La misteriosa y enigmática comedia oscura del guionista-director imagina un virus psicológico que se propaga gradualmente por Los Ángeles y que hace creer a los afligidos que sufrirán el destino titular. En estos días, ¿quién no puede relacionarse?, Con una actuación aturdida de Kate Lynn Sheil en su centro, «she Dies Tomorrow» se convierte en una alegoría notable para la ansiedad existencial y su potencial infeccioso. A su vez conmovedora, perturbadora y triste, la película utiliza sus muchas caras inquietas para mostrar cómo una sola emoción desconcertante puede unirnos a todos.

«Dick Johnson Is Dead»

Netflix

Dick Johnson muere muchas veces en el conmovedor y personal documental de su hija Kirsten, comenzando con los créditos iniciales., Pero, por supuesto, está vivo todo el tiempo, jugando a través de una elaborada forma de terapia cinematográfica con su descendencia cineasta mientras lucha con la ansiedad de perderlo. Ese concepto podría convertirse fácilmente en un ejercicio de observación del ombligo, pero Kirsten Johnson (la veterana cinematógrafa de no ficción que dirigió la maravillosa película de collage de 2016 «Camerapson») promulga una meditación conmovedora y divertida sobre abrazar la vida y temer a la muerte al mismo tiempo., Oscilando desde intercambios íntimos padre-hija hasta tangentes surrealistas meta-ficcionales, la película vive dentro de su fascinante paradoja, reflejando la incertidumbre que rodea el destino de su sujeto y, por extensión, el de todos. alternativamente hilarante, conmovedor y revelador, «Dick Johnson está muerto» logra comunicarse con un miedo universal a la muerte transformándolo en una celebración de la vida.,

«the Vast of Night»

Amazon Studios

«Close Encounters» a través de Robert Altman on a shoestring, «the Vast of Night» es una de las sorpresas más positivas 2020 tenía que ofrecer: un debut audaz que toma material familiar y lo convierte en un paquete impredecible. El primer largometraje del Director Andrew Patterson se desarrolla como si sus personajes estuvieran atrapados dentro de los confines de una serie de antología de la época de «Twilight Zone», pero es mucho más profundo que eso., Con el vívido telón de fondo de la pequeña ciudad de Nuevo México de la década de 1950, la película encuentra a un joven DJ de radio (Jake Horowitz) y un ansioso operador de centralita (Sierra McCormick) corriendo por la ciudad para determinar la fuente de una misteriosa señal que parece venir de las estrellas. Podría ser algo realmente fuera de este mundo?

bueno, la mayoría de los espectadores conocen el procedimiento sobre esa pregunta., Pero las cadencias de la dirección whiz-bang de Patterson, desde una toma larga audaz que sale de la estación de radio a través de un campo y a través de un maldito juego de baloncesto hasta el misterio impresionante de sus momentos finales, cuando un par de personajes consumidos por el potencial de las nuevas tecnologías se enfrentan a algo más allá de lo creíble. Te dejará aferrado a las respuestas y listo para aceptar lo que sea que Patterson haga a continuación.,

«Mangrove»

Des Willie/Amazon Prime Video

en 1970. (Fueron absueltos de la mayoría de los cargos, pero las redadas no cesaron.,) Solo tomó 50 años, pero el guionista y director Steve McQueen «Mangrove» trabaja horas extras para llenar el vacío, lo que resulta en un crowdpleaser delicioso tanto específico para su momento como relevante hoy en día.

producido como parte de la ambiciosa antología de cinco películas del cineasta «Small Axe «sobre los londinenses Negros británicos a lo largo de varias décadas,» Mangrove » es un drama judicial tenso y emocionante que trasciende el género mientras trabaja dentro de sus barreras. La película profundiza en el ensamblaje habitual de monólogos apasionados sobre la igualdad de derechos y la dedicación a la causa., Pero también se basa en un ecosistema detallado tan rico en los sentimientos del momento que finalmente hace que una vieja rutina se sienta nueva, con un fascinante Shaun Parkes como el propietario del restaurante moralmente conflictivo como su pieza central, McQueen vuelve a demostrar que es uno de los mejores directores de actores que trabajan hoy en día.

«Mayor»

YouTube/screenshot

El emocionante y perceptivo documental de David Osit proporciona una notable instantánea del conflicto israelí-palestino desde el interior., Ramallah está a solo 10 millas al norte de Jerusalén, pero para los palestinos que viven bajo la ocupación, la distancia se siente mucho más larga. Osit entrena su cámara en Musa Hadid, la protagonista sobrecargada de trabajo en el Centro de un drama operístico vérité que a menudo se sumerge en la comedia negra burocrática y el suspenso desconcertante, mientras los exasperados intentos de Hadid de mantener la paz se disuelven en un remolino constante de frustración. La película no se detiene exactamente en las dificultades del trabajo de Hadid, sino que se mete en su espacio mental para iluminar la vanidad del mundo que lo rodea., Es una visión apasionante, triste y esencial para cualquiera que quiera entender la naturaleza de esta crisis en curso y por qué sigue avanzando en la dirección equivocada.

«Mank»

Netflix

No han sido innumerables películas sobre la Edad de Oro de Hollywood que celebrar su grandeza o se lamentan de las duras tácticas de negocio de cigarros muerde los líderes. Pero David Fincher no tiene que preocuparse por los precedentes., Con «Mank», el cineasta transforma el guion de su difunto padre Jack en una rica e inquietante meditación sobre la inquieta carrera del guionista de» Citizen Kane «Herman J. Mankiewicz (un frenético Gary Oldman en su mejor momento), trabajando en torno a la mística de la proverbial» mejor película de todos los tiempos » para crear una ventana más atractiva al mundo que inspiró ese trabajo, es decir, hombres poderosos cuya influencia se extendió mucho más allá del campo del entretenimiento y cambió el tejido de la sociedad en su conjunto., Entre la carrera gubernatorial de 1934 y los intentos de Mank postrado en cama de armar su obra maestra, «Mank» utiliza su meticuloso paisaje en blanco y negro y su complejo paisaje sonoro para resucitar su era mientras comenta cómo reverbera hasta el día de hoy. Innumerables películas sobre Hollywood van detrás de las escenas; «Mank» es una de las pocas que nos dice lo que realmente significan.,

«Soul»

Disney/Pixar

durante décadas, el historial de Pixar con historias originales ha sido tan bueno que puede ser difícil vadear a través del bombo para reconocer una verdadera obra maestra., Sin embargo, la mirada ganadora de Pete Docter a un músico de jazz (Jamie Foxx) que intenta escapar de la otra vida por un concierto de último segundo es solo eso: el toque de Pixar y algo más, «Soul» usa su contexto mágico para ofrecer una mirada sorprendentemente íntima a la búsqueda de un propósito en la vida de un hombre, y cómo impacta en la ambivalencia de una mente no nacida (Tina Fey) que piensa que puede escapar de sus garras para siempre., Claro, las imágenes incluyen una mezcla vertiginosa de visiones psicodélicas de la vida después de la muerte y paisajes nítidos de Nueva York, tiene algunas de las mejores actuaciones musicales animadas de la historia, y la persecución climática se desarrolla bajo circunstancias tan innovadoras que desafían cualquier resumen de una línea. Pero la esencia de «alma» descansa en la naturaleza profunda del viaje de su personaje, una búsqueda universal hacia el autodescubrimiento que gira en las perspectivas de segundas oportunidades. Es un llorón con propósito cósmico.,

«Sound of Metal»

Amazon

Riz Ahmed es el tipo de actor de pantalla frenético que siempre parece que podría salir del marco, y en» Sound of Metal», está atrapado. Como Ruben, el baterista de heavy metal que se queda sordo en el centro del fascinante debut del escritor y director Darius Marder, Ahmed transmite las complejas frustraciones de perder el contacto con el mundo que lo rodea, no importa cuánto luche para aferrarse a él., Este enigma devastador se basa en el mejor uso del diseño de sonido en la memoria reciente, ya que Marder sumerge a los espectadores dentro de los confines de la relación deteriorada de Ruben con el mundo que lo rodea, y ordena a través de los restos para construir uno nuevo. La brillante actuación de Ahmed se convierte en un paisaje sonoro complejo que resuena incluso en silencio total.,

«the Assistant»

Bleecker

Harvey Weinstein no aparece en «The Assistant», y nadie lo menciona por su nombre, pero no se equivoque: el thriller urgente en tiempo real de la Directora Kitty Green marks la primera representación narrativa de la vida bajo su amenazante agarre., La fuga de» Ozark » Julia Garner es una revelación como la joven frágil encargada de hacer malabares con las minucias de la vida del Ejecutivo, organizar un flujo interminable de viajes en avión, evitar las llamadas enojadas y recoger la basura dejada a su paso. Más allá de unos pocos destellos desenfocados de una figura enorme vagando por su oficina en el fondo, el Weinstein de «El Asistente» es una amenaza fantasma que golpea la vida de la joven, pero esta fascinante investigación psicológica no le permite secuestrar una historia que le pertenece., En medio de historias estimulantes sobre lo que se necesitó para hablar, «el Asistente» es un recordatorio esencial de por qué el mundo tardó tanto en enterarse.

«Bloody Nose, Empty Pockets»

a primera vista,» Bloody Nose, Empty Pockets » se despliega como un brillante trabajo de cinema verite., La película boozy hangout de Bill y Turner Ross captura la última noche estridente en The Roaring Twenties, un bar mugriento en las afueras de Las Vegas strip donde varios marginados ebrios entierran sus penas en un borrón de ira y lamentos poéticos. Es finales de 2016, y con las elecciones presidenciales a punto de cambiar el mundo, el pub sirve como un microcosmos fascinante de la parte inferior fracturada y intimidada de Estados Unidos al borde de la autodestrucción. Pero aquí está la cosa. The Roaring Twenties está en Nueva Orleans, no en Las Vegas,y los personajes que pueblan su interior no solo vagan., Aunque nada en la película reconoce tanto, los hermanos Ross contrataron gente para poblar el bar, grabando las travesuras borrachas de sus artistas elegidos a lo largo de una noche libertinaje real. El resultado es tanto un gran engaño cinematográfico como un audaz experimento cinematográfico. «Bloody Nose» fue una maravillosa provocación cinematográfica a principios de año, pero al final, esta borrosa narrativa de un negocio cerrando sus puertas después de una última fiesta tiene una nueva capa de connotaciones agridulces.,

«Bacurau»

Kleber Mendonça Filho y Juliano Dornelles’ futurista Brasileño Occidental, que busca un remoto pueblo de bandas juntos en contra de la misteriosa vigilantes, toma una profunda simbólico de la calidad, como la película se basa a su sangriento final. La película gira en torno a una remota sociedad desértica definida por su espíritu autosostenible y forzada a luchar para mantener su existencia contra la burocracia asesina que se acerca., Y así lo hacen: incluso un Udo Kier de ojos salvajes como el supervillano trastornado de la película no puede detener a Sonia Braga con sangre en los ojos, o los fantasmas vengativos de un mundo que aún no está listo para abandonar su campo de batalla. Filho y Dornelles canalizan lo mejor de John Carpenter y Sergio Leone al mismo tiempo que empujan el material hacia un plano surrealista más atractivo e impredecible, donde el espectro del colonialismo se cierne sobre sí mismo, pero también lo hace la resistencia.,

si bien la película ciertamente tiene ramificaciones nacionales precisas para las luchas actuales de Brasil con la democracia y la guerra de clases, esos temas resuenan a escala global más que nunca. «Bacurau» los explora con intriga implacable y rabia ilimitada. Haciendo malabares con el escapismo del cine de Serie B y el alto arte, la película finalmente celebra la idea de la autopreservación como una lucha comunitaria. Esa es una lección que no podemos aprender lo suficiente, y en «Bacurau», llega con fuerza explosiva.,

«Borat Posterior Moviefilm»

©Amazon/Cortesía de Everett Collection

En los últimos años, América sátira ha estado en crisis. ¿Cómo es posible lampoon una sociedad que ya se burla de sí misma? Deja que Sacha Baron Cohen lo averigüe. El actor cómico hizo un regreso sorpresa a su personaje más famoso 14 años después de que el falso periodista kazajo se abriera camino a través de Estados Unidos para exponer sus extremos más feos., A medida que el país se puso más feo, clamaba por otra exposición mordaz, que Baron Cohen y su equipo de escritores han desenterrado con otra mordaz mezcla de activismo y arte de performance absurda. Arrancado en secreto durante la pandemia, es uno de los pocos lanzamientos de 2020 que realmente captura la locura del año con una recompensa genuina.,

El cociente de comedia cringe es alto esta vez, ya que Borat y su hija Tutar (Maria Bakalova, el mejor descubrimiento en pantalla del año) hacen un intento mal concebido de entregar a la mujer a Mike Pence, y finalmente a Rudy Giuliani, en un momento notable de «gotcha» para las edades que asaltaron cualquier fragmento de credibilidad que le quedaba. Las cámaras ocultas hacen maravillas, pero no son nada sin el talento que tienen delante. La capacidad del Barón Cohen para exponer la locura de los tiempos modernos solo ha crecido con más propósito con el tiempo, incluso cuando es tonto como el infierno., Estos tiempos locos no exigen menos.

«The Mole Agent»

Gravitas Ventures

Hay una cierta emoción inmersiva que proviene de documentales que se esconden, y «The Mole Agent» personifica ese atractivo. El encantador estudio de personajes de la directora chilena Maite Alberdi se desarrolla como un intrincado thriller de espionaje, con un viudo de 83 años infiltrándose en un hogar de ancianos a instancias de un detective privado., El plan sale mal con todo tipo de resultados cómicos y conmovedores, tan bien ensamblados dentro de un marco de tropos ficticios que pide un remake estadounidense. Pero por mucho que un producto de este tipo pueda atraer a las empresas hambrientas de contenido, sería redundante desde el principio, porque «the Mole Agent» ya es una de las películas de espionaje más reconfortantes de todos los tiempos, una rara combinación de géneros que solo funciona tan bien porque se te acerca sigilosamente.,

«The Climb»

SPC

la premisa de «The Climb» se ha dicho tantas veces que es un pequeño milagro que este funcione: dos amigos de toda la vida prueban los límites de su amistad cuando una mujer se interpone entre ellos. Sin embargo, el absorbente debut como director de Michael Covino enfrenta ese desafío con una impresionante ambición cinematográfica, lo que resulta en una brillante reinvención de la comedia buddy., Las películas de dude alimentadas con testosterona han ocupado cada faceta del panorama cinematográfico en los últimos años, desde los hermanos Duplass hasta «Step Brothers», pero «The Climb» transforma ese tropo en una visión fresca de enfrentamientos borrachos y lamentaciones incómodas, lo que resulta en una visión tragicómica ganadora de su propio diseño.,

el punto de partida de «The Climb» se remonta a un cortometraje de Sundance de 2017, con un escenario inteligente tan económico que nunca podría haber insinuado el gran diseño a seguir: los viejos amigos Mike (Covino) y Kyle (coguionista Kyle Marvin) suben en bicicleta por una colina empinada mientras Mike, El más en forma de los dos, avanza a gran velocidad, mientras confiesa que ha estado durmiendo con el prometido de Kyle. En siete minutos apretados, el corto imaginó un par de hombres-niños tontos y sin aliento cuyo estrecho vínculo se prueba bajo la más tonta de las circunstancias. ¿Dónde podría ir desde allí?, Como resultado: muchos lugares emocionantes, ya que este agudo dos-hander vira de cáustico a dulce con cine acrobático de sobra. Si las comedias estadounidenses tuvieran tanta innovación en cada escena, cada fórmula se sentiría como un nuevo descubrimiento. Hasta ese momento utópico, al menos tenemos «La Subida.,»

«Time»

Amazon Studios

El» tiempo » tarda unos segundos en convertirse en algo especial: una conmovedora partitura de piano examina años de resiliencia en una familia negra, la radiante primera película del director Garrett Bradley combina forma con función para lograr un efecto brillante. La película se desarrolla como una elegía operística en blanco y negro que se extendió a lo largo de las décadas, fusionando la intimidad de su diseño con un conmovedor sentido de propósito., La difícil situación de Sibyl Fox Richardson, una decidida madre de seis hijos que lucha contra la sentencia de 60 años de prisión de su marido, evita cualquier oportunidad obvia de tomar la ruta convencional. No hay cabezas parlantes o tarjetas de títulos explicativos; en cambio, la elegancia de cada intercambio poético subraya el peso emocional de la lucha de Fox, y la claridad que ha encontrado en la reconstrucción de su vida. En el momento en que canta un mantra familiar en los minutos finales – » el éxito es la mejor venganza!— – la película reinventó el concepto desde cero.,

en lugar de profundizar en la acumulación de obstáculos legales involucrados en la navegación por la liberación anticipada de su esposo, Bradley confía en cada imagen lírica para transmitir lo que está en juego. «El tiempo» abarca un amplio lienzo, desde el racismo institucionalizado hasta la excelencia negra como un estado mental profundo, y cada rostro profundiza la naturaleza de su drama. Es una fascinante exploración sociológica en términos puramente cinematográficos, y uno de los pocos puntos destacados de 2020 que desafían al cine documental a pensar en grande, incluso cuando se trata de historias pequeñas.,

«Nunca Rara vez a Veces Siempre»

Características de Enfoque

En pocas manos, «Nunca Rara vez a Veces Siempre» podría ser el depósito historia de una adolescente que busca un aborto, y no los desgarradores, de alto riesgo de historia de supervivencia que Eliza Hittman ha hecho., Cumpliendo el potencial de «it Felt Like Love» y «Beach Rats», el tercer largometraje del director combina la intensidad social-realista de una película de los hermanos Dardenne con la fragilidad del viaje de su joven protagonista para crear una de las historias de mayoría de edad más emocionantes de la historia reciente.

en su centro, la estrella emergente Sidney Flanigan palpita con la incertidumbre frenética de una joven que intenta escapar de las inevitables dificultades que la esperan a cada paso., Escabulléndose a Nueva York desde Pennsylvania con la esperanza de que sus padres no lo sepan, el personaje lucha con el terror que se avecina de su final, incluso mientras sigue comprometida a llevarlo a cabo. Es un viaje agotador seguirla en ese viaje y sus muchos giros kafkianos, pero la pieza central de la película se reduce a una sola admisión llorosa que trasciende los detalles de la trama para convertirse en una súplica devastadora de empatía. Y vaya, pica.,

«Nomadland»

Cortesía de SEARCHLIGHT PICTURES

«Nomadland» es el tipo de película que podría ir muy mal. Con Frances McDormand como su estrella junto a un elenco de nómadas de la vida real, en manos menores podría parecer cumplimiento de deseos baratos o showboating en su forma más gratuita. En su lugar, la directora Chloé Zhao trabaja magia con la cara de McDormand y el mundo real a su alrededor, entregando una profunda reflexión sobre el impulso de dejar a la sociedad en el polvo., Zhao dirigió previamente «The Rider» y «Songs My Brother Taught Me», dramas que se sumergieron en experiencias marginadas con no actores indígenas en Dakota del Sur. «Nomadland» importa esa fijación con paisajes naturales amplios a un tapiz mucho más grande y un lado diferente de la vida estadounidense.

inspirada en el libro de no ficción de Jessica Bruder «Nomadland: Surviving America in the 21st Century», la película sigue a McDormand como Fern, una viuda de habla suave a principios de sus 60 años que sale a la carretera en su camioneta, y simplemente se mantiene en movimiento., La película flota con ella, a veces tan enredada en sus viajes que prácticamente se convierte en un documental. En cambio, la película desarrolla una narrativa fascinante sobre la alienación estadounidense y el atractivo de escapar de las garras opresivas de la sociedad. Zhao abraza la paradoja en el Centro de una historia que celebra la liberación de su personaje y lamenta ese triste estado de cosas que la puso en ese camino. Mientras Estados Unidos lucha con su identidad dividida, «Nomadland» captura el espíritu de la época y abraza la fantasía de dejarlo todo atrás para vivir en la carretera.,

«Collective»

HBO

«Collective» comienza como una de las mejores películas de periodismo de todos los tiempos, y luego va un paso más allá, exponiendo la democracia en guerra consigo misma. El implacable documental del director rumano Alexander Nanau sigue las secuelas del incendio de 2015 que mató a 64 personas, flotando en el Centro de un sistema al borde del colapso. Y luego lo hace, al igual que las llamas que envolvieron el club nocturno colectivo de Bucarest y pusieron a la nación en picada., «Collective» juega como un emocionante thriller en tiempo real, fusionando la intensidad periodística de «Spotlight» con la incertidumbre paranoica de «The Manchurian Candidate» mientras explora las consecuencias nacionales de una tragedia que no cesa.,

Su héroe inicial emerge de un lugar poco probable: el reportero de Sports Gazette Catalin Tolontan y su colega Mirela Nega manejan los teléfonos con una ética de trabajo agresiva que dejaría a Woodward y Bernstein asombrados, pero no es solo su historia; Nanau toma la audaz decisión más adelante de cambiar el enfoque al nuevo ministro de salud Vlad Voiculescu, quien tiene la tarea de liderar una revisión transparente del sistema médico disfuncional de Rumania, incluso cuando enfrenta un retroceso en cada esquina., Haciendo malabares con este denso conjunto de sesiones de estrategia bajo la nube que se avecina de una elección nacional, la película proporciona una ventana aleccionadora a la naturaleza de los ideales democráticos dentro de la máquina arremolinada de la corrupción sistémica. Pero es demasiado rápido para sentirse como una fiesta de lástima; es demasiado complejo para eso. «Colectivo» demuestra el potencial de coraje moral para soportar, incluso bajo los esfuerzos más terribles para apagarlo. No importa quién dirija el espectáculo, el trabajo continúa. No olvidemos eso.,

«Lovers Rock»

Amazon Studios

En 68 minutos, Steve McQueen ha hecho el más intrincado, alegre película de su carrera, baile-fiesta de homenaje a los Negros de la alegría y del adolescente de la energía que se dobla como una meditación sobre la historia oculta. En el uso más emocionante y audaz de la música en pantalla del año, la adolescente Martha (Amarah-Jae St. Aubyn) y sus compañeros salieron a la pista de baile para una interpretación conmovedora del sencillo de Janet Kay «Silly Games» de 1979.,»Pero cuando la melodía se detiene y su interpretación a capella toma por cinco fascinante minutos! -el grito agudo de una mujer se resuelve en la misma nota Blues, los pies se funden en un ritmo poderoso, y la actuación colectiva se transforma en una representación deslumbrante e hipnótica de la solidaridad cultural. La noche salvaje de Martha en el barrio de Notting Hill alrededor de 1980 llega a algunos momentos difíciles, pero se convierte en un final vertiginoso y romántico que le permite salirse con la suya con la emoción de descubrirse a sí misma por partes.,

cosido en el tapiz más amplio de la miniserie de cinco películas de McQueen «Small Axe» sobre las experiencias de los londinenses de las Indias Occidentales a lo largo de las décadas, «Lovers Rock» ciertamente se siente como una pieza de rompecabezas concisa en un vasto tapiz diseñado para compensar años de territorio poco explorado. Al mismo tiempo, la película — y no tiene sentido cuestionar si merece esa designación — se presenta por sí misma como una instantánea poética de la vida tan vívida como cualquier cosa en «Roma» o «niñez».»McQueen ha contado muchas historias ricas e inquietantes a lo largo de los años., Pero con «Lovers Rock», canaliza esos mismos poderes líricos en una celebración de vivir el momento, y estamos ahí con él.

«First Cow»

Si el cine estadounidense tuviera un poeta laureado, Kelly Reichardt ostentaría la corona. En los 15 años desde «Old Joy», Reichardt ha producido una serie de exploraciones pacientes de la identidad nacional que solo se profundizan con el tiempo., Las películas de Reichardt hacen maravillas por un deseo inefable, fijándose con profunda curiosidad en los solitarios marginados de la sociedad ansiosos por instalarse. «First Cow» consolida esa habilidad en su película más satisfactoria hasta la fecha, un drama de época minimalista sobre el compañerismo, el nacimiento del sueño americano, y sí, el bovino titular. La broma de » primera vaca «es que, bueno, ¿quién quiere ver una película llamada»primera vaca»? Y la ironía es que todos deberían.,

liberado (apenas, antes de que los cierres obligaran a migrar a VOD) en un año definido por el choque de una sociedad obligada a separarse, «primera vaca» magnifica esa sensación exacta. Ambientada en el territorio de Oregón alrededor de 1820, la adaptación de Reichardt de la novela de John Raymond «The Half-Life» utiliza el vínculo peculiar del chef errante Cookie (un tierno John Magaro) y el inmigrante chino King-Lu (un exceso de confianza Orion Lee) para explorar la soledad de un mundo vacío y la emoción de encontrar alguna medida de compañía para trazar un camino a seguir., Eso es lo que hacen los dos, robando leche de la única vaca de la región para hacer pasteles para los colonos que pasan.

es la película de atraco más sutil en la historia del cine, pero incluso cuando los hombres ponen sus vidas en peligro por un plan bastante imprudente, «First Cow» se queda con la sinceridad de sus intenciones de seguir adelante, y la conmovedora forma en que define su vínculo. El intercambio concluyente de la película aterriza en tres palabras alentadoras – «te tengo» – y llegan como el clímax de una balada que solo Reichardt podía escribir., Al igual que con todo su trabajo, la directora comparte la idea de que incluso las personas imprudentes simplemente quieren encontrar significado en sus pequeños rincones de la existencia. El mundo entero debería escucharla.