Madame Lelica

Jedes Jahr stehen die Filme existenzielle Krise und Sprung zurück, aber 2020 sieht nicht wie jedes Jahr aus. Die dramatischen Auswirkungen der Pandemie auf fast alle Facetten des menschlichen Lebens haben Kulturinstitutionen und deren Arbeit beispiellosen Schaden zugefügt., In Amerika bleiben die meisten Kinos geschlossen, Filmfestivals sind virtuell geworden, und Filmproduktionen sind zu einem Durcheinander von Versicherungs-und Sicherheitsherausforderungen geworden, das nur die sparsamsten Produzenten lösen können. Trotz dieser schlimmen Herausforderungen und der Ungewissheit der Zukunft blieb das Kino das ganze Jahr über sehr lebendig, mit einer Vielzahl ehrgeiziger Unternehmen, die sich in jede Form der Veröffentlichung einschlichen, die lebensfähig schien.,

Trotz der unmöglichen Chancen war dies eines der reichsten Jahre in jüngster Zeit, in denen eine breite Palette von Filmen einen Unsicherheitsmarkt durchströmte, der ihnen auch in Zeiten vor der Pandemie feindlich gesinnt gewesen wäre. Die Blockbuster traten in den Hintergrund, und wie sich herausstellte, brauchte die Filmkultur sie nicht wirklich. Es war ermutigend zu sehen, dass sich einige grundlegende Wahrheiten nicht ändern: Wie üblich hat jeder, der denkt, dass dies ein schlechtes Jahr für Filme war, einfach nicht genug davon gesehen.,

Die Qualifikationsregeln wurden in diesem Jahr viele Male geändert, aber diese jährliche Liste der besten Filme des Jahres musste ihre Melodie nicht ändern. Alles, was den Schnitt gemacht hat, hat entweder irgendwo in den USA einen Theaterlauf erhalten, wird vor Ende des Jahres in die Kinos kommen oder eine VOD-Veröffentlichung erhalten. Das bedeutet, dass Leser, die einige Blindspots ausfüllen möchten, keine Probleme haben sollten, nachzuholen.

Die meisten der besten Filme des Jahres 2020 wurden dieses Jahr nicht gedreht, aber sicher sprechen Sie damit., Von Wahlängsten bis zu den unheimlichen psychologischen Auswirkungen sozialer Distanzierung war 2020 eine Stimmung wie keine andere, und viele dieser Filme sind rückwirkende Verkörperungen dieser ungewöhnlichen Gefühle geworden. Das ist nicht gerade ein glücklicher Zufall: Die Welt war bereits ein eindringlicher und mysteriöser Ort, den moderne Geschichtenerzähler zu analysieren versuchten, und als sich die Stimmung verstärkte, kamen ihre Filme pünktlich an. Gleichzeitig bieten viele der filmischen Höhepunkte des Jahres ein gewisses Maß an Hoffnung für die Zukunft oder feiern zumindest die Aussichten, das Unbekannte zu umarmen.,

Diese Liste wird jedes Jahr etwas länger, fühlt sich aber nie lang genug an. Die 19 besten Filme des letzten Jahres von 2019 ließen mich nach einem letzten Slot schreien. Wenn ich dieses Mal noch ein paar mehr hätte, würden sie wahrscheinlich Platz für diese Zweitplatzierten schaffen: „Eine weitere Runde“, „Gunda“, „Ich trage dich bei mir“, „Ich denke daran, Dinge zu beenden“, „Minari“, „Relikt“, „Trüffeljäger“ und „Der Maler und der Dieb.“

Sieh sie alle! Aber gehen Sie zuerst mit diesen.,

„She Dies Tomorrow“

Neon

Amy Seimetz ‚lang erwartetes Follow-up zu“ Sun Don ‚t Shine“ war die Kristallkugel, die die fetzige Stimmung des kommenden Jahres vorhersagte. Die unheimliche und rätselhafte dunkle Komödie des Autors und Regisseurs stellt sich ein psychologisches Virus vor, das sich allmählich durch Los Angeles ausbreitet und die Betroffenen glauben lässt, dass sie das titulare Schicksal erleiden werden. In diesen Tagen, wer kann nicht beziehen?, Mit einer Benommenheit Kate Lynn Sheil Leistung in seinem Zentrum,“ She Dies Tomorrow “ entwickelt sich zu einer bemerkenswerten Allegorie für existenzielle Angst und ihr infektiöses Potenzial. Abwechselnd gefühlvoll, verstörend und traurig zeigt der Film mit seinen vielen unruhigen Gesichtern, wie eine einzige nervöse Emotion uns alle vereinen kann.

„Dick Johnson Is Dead“

Netflix

Dick Johnson stirbt viele Male in seine Tochter Kirsten ist ergreifend und persönliche Dokumentation, beginnend mit der Eröffnung credits., Aber natürlich lebt er die ganze Zeit und interagiert mit seinem Filmemacher-Nachwuchs durch eine aufwendige Form der Filmtherapie, während sie mit der Angst ringt, ihn zu verlieren. Dieses Konzept könnte sich leicht in eine Nabelschau-Übung verwandeln, aber Kirsten Johnson (der erfahrene Sachbuch-Kameramann, der 2016 den wundersamen Collagenfilm „Cameraperson“ inszenierte) handelt eine berührende und lustige Meditation darüber, Leben anzunehmen und gleichzeitig den Tod zu fürchten., Oszillierend vom intimen Vater-Tochter-Austausch zu surrealen meta-fiktionalen Tangenten, lebt der Film in seinem fesselnden Paradoxon und reflektiert die eklige Unsicherheit um das Schicksal seines Subjekts — und damit um das Schicksal aller. Abwechselnd urkomisch, bewegend und offenbarend, „Dick Johnson Is Dead“ schafft es, mit einer universellen Angst vor dem Tod zu kommunizieren, indem es in eine Feier des Lebens verwandelt wird.,

„The Vast of Night“

Amazon Studios

„Close Encounters“ von Robert Altman auf einem Schuhplattler ist „The Vast of Night“ eine der positiveren Überraschungen, die 2020 zu bieten hatte: ein kühnes Debüt, das vertrautes Material aufnimmt und sich dreht es in ein unvorhersehbares Paket. Der erste Spielfilm von Regisseur Andrew Patterson entfaltet sich so, als wären seine Charaktere in den Grenzen einer Anthologieserie des Jahrgangs „Twilight Zone“ gefangen, aber er gräbt viel tiefer., Vor dem lebhaften Hintergrund der Kleinstadt New Mexico aus den 1950er Jahren findet der Film einen übermütigen jungen Radiodeejay (Jake Horowitz) und einen eifrigen Schalttafelbetreiber (Sierra McCormick), die in der Stadt herumtollen, um die Quelle eines mysteriösen Signals zu bestimmen, das von den Sternen zu kommen scheint. Könnte es etwas wirklich außerhalb dieser Welt sein?

Nun, die meisten Zuschauer kennen den Bohrer zu dieser Frage., Aber die Kadenzen von Pattersons Whiz-Bang-Richtung, von einem kühnen langen Take, der vom Radiosender über ein Feld und durch ein verdammtes Basketballspiel bis hin zum beeindruckenden Geheimnis seiner letzten Momente reißt, wenn ein Paar Charaktere, die vom Potenzial neuer Technologien verbraucht werden, etwas jenseits des Glaubens konfrontieren. Es wird dich nach Antworten greifen lassen — und bereit sein, alles anzunehmen, was Patterson als nächstes tut.,

„Mangrove“

Des Willie/Amazon Prime Video

Die dramatische Geschichte der Mangrove Nine, als sich eine Gruppe schwarzer britischer Aktivisten in einer angespannten Serie von Showdowns im Gerichtssaal gegen rassistische Polizeirazzien wehrte und sich praktisch als Film aufstellte, als sie sich entfaltete 1970. (Sie wurden von den meisten Anklagen freigesprochen, aber die Razzien hörten nicht auf.,) Es dauerte nur 50 Jahre, sondern writer-director Steve McQueen ‚ s „Mangrove“ arbeitet überstunden, um die Lücke zu füllen, was in einer köstlichen crowdpleaser sowohl spezifisch für seine Zeit und heute noch relevant ist.

Produziert als Teil der ehrgeizigen Fünf-Film-Anthologie „Small Axe“ des Filmemachers über schwarze britische Londoner über mehrere Jahrzehnte hinweg, ist „Mangrove“ ein straffes und aufregendes Justizdrama, das das Genre überschreitet und gleichzeitig innerhalb seiner Barrieren arbeitet. Der Film vertieft sich in die übliche Ansammlung leidenschaftlicher Monologe über Gleichberechtigung und Hingabe an die Sache., Aber es ist auch in einem detaillierten Ökosystem so reich mit den Gefühlen des Augenblicks geerdet, dass es schließlich eine alte Routine fühlt sich neu, mit einem packenden Shaun Parkes als moralisch in Konflikt Restaurantbesitzer als Herzstück, McQueen beweist wieder, dass er einer der besten Schauspieler Regisseure arbeitet heute.

„Mayor“

YouTube/screenshot

David Osits spannender und einfühlsamer Dokumentarfilm liefert eine bemerkenswerte Momentaufnahme des israelisch-palästinensischen Konflikts von innen., Ramallah ist nur 10 Meilen nördlich von Jerusalem, aber für Palästinenser, die unter Besatzung leben, fühlt sich die Entfernung viel länger an. Osit trainiert seine Kamera auf Musa Hadid, dem überarbeiteten Protagonisten im Zentrum eines Opern-Vérité-Dramas, das oft in bürokratische schwarze Komödie und nervöse Spannung eintaucht, während Hadids verärgerte Versuche, den Frieden aufrechtzuerhalten, sich in einen ständigen Wirbel der Frustration auflösen. Der Film befasst sich nicht gerade mit den Strapazen von Hadids Job, sondern geht in seinen Kopfraum, um die Eitelkeit der Welt um ihn herum zu beleuchten., Es ist packend, traurig und wichtig für alle, die die Natur dieser anhaltenden Krise verstehen und warum sie sich in die falsche Richtung bewegt.

„Mank“

Netflix

Es gab unzählige Filme über das Goldene Zeitalter Hollywoods, die ihre Größe feiern oder die harten Geschäftstaktiken von Zigarren-Chomping-Führern beklagen. Aber David Fincher muss sich keine Sorgen um Präzedenzfälle machen., Mit „Mank“ verwandelt der Filmemacher das Drehbuch seines verstorbenen Vaters Jacks in eine reiche, eindringliche Meditation über die unruhige Karriere des“ Citizen Kane „— Drehbuchautors Herman J. Mankiewicz (ein hektischer Gary Oldman von seiner besten Seite), der sich um die Mystik des sprichwörtlichen“ größten Films aller Zeiten “ bemüht, um ein verführerischeres Fenster in die Welt zu schaffen, das diese Arbeit inspirierte-nämlich mächtige Männer, deren Einfluss weit über die Arena der Unterhaltung hinausging und das Gefüge der Gesellschaft als Ganzes veränderte., „Mank“ bewegt sich zwischen der 1934-Gouverneursrasse und den Versuchen des bettlägerigen Mank, sein Magnum-Opus zusammenzusetzen, und nutzt seine akribische Schwarz-Weiß-Landschaft und komplexe Klanglandschaft, um seine Ära wiederzubeleben und zu kommentieren, wie sie bis heute nachhallt. Unzählige Filme über Hollywood gehen hinter die Kulissen; „Mank“ ist einer der wenigen, der uns sagt, was sie wirklich bedeuten.,

„Soul“

Disney/Pixar

Im Laufe der Jahrzehnte war Pixars Erfolgsbilanz mit Originalgeschichten so gut, dass es schwierig sein kann, durch den Hype zu waten, um ein wahres Meisterwerk zu erkennen., Doch Pete Docters gewinnender Blick auf einen Jazzmusiker (Jamie Foxx), der versucht, dem Leben nach dem Tod wegen eines Auftritts in letzter Sekunde zu entkommen, ist genau das: Der Pixar Touch und dann einige, „Soul“ verwendet seinen magischen Kontext, um einen überraschend intimen Blick auf die Suche eines Mannes nach Sinn im Leben zu werfen und wie es die Ambivalenz eines ungeborenen Geistes (Tina Fey) beeinflusst, der denkt, dass sie seinen Klauen für immer entkommen kann., Sicher, die Bilder enthalten eine schwindelerregende Mischung aus psychedelischen Jenseits Visionen und knackigen New Yorker Landschaft, es hat einige der besten animierten musikalischen Darbietungen aller Zeiten, und die climactic Chase entfaltet sich unter solchen innovativen Umständen, dass sie jede einzeilige Summierung trotzen. Aber die Essenz von“ Soul “ beruht auf der tiefen Natur der Reise seines Charakters, einer universellen Suche nach Selbstfindung, die die Aussichten auf zweite Chancen eröffnet. Es ist ein Tearjerker mit kosmischem Zweck.,

„Sound of Metal“

Amazon

Riz Ahmed ist der hektische Schauspieler, der immer so aussieht, als würde er aus dem Rahmen springen, und in“ Sound of Metal “ ist er gefangen. Als Ruben, der Heavy-Metal-Schlagzeuger, der taub wird im Zentrum des faszinierenden Debüts von Autor und Regisseur Darius Marder, vermittelt Ahmed die komplexen Frustrationen, den Kontakt zur Welt um ihn herum zu verlieren, egal wie sehr er darum kämpft, daran festzuhalten., Dieses verheerende Rätsel beruht auf der besten Verwendung von Sounddesign in der jüngsten Erinnerung, da Marder die Zuschauer in die Grenzen von Rubens sich verschlechternder Beziehung zur Welt um ihn herum eintaucht und er die Trümmer sortiert, um ein neues zu bauen. Ahmeds brillante Leistung macht eine komplexe Klanglandschaft aus, die auch in völliger Stille mitschwingt.,

„The Assistant“

Bleecker

Harvey Weinstein erscheint nicht in“ The Assistant “ und niemand erwähnt ihn namentlich, aber machen Sie keinen Fehler: Der dringende Echtzeit-Thriller von Regisseur Kitty Green markiert die erste narrative Darstellung des Lebens unter seinem bedrohlichen Griff., „Ozark“ Breakout Julia Garner ist eine Offenbarung als zerbrechliche junge Frau, die damit beauftragt ist, die Minutien des Lebens der Exekutive zu jonglieren, einen endlosen Strom von Flugzeugreisen zu arrangieren, wütende Anrufer abzuwehren und den Müll aufzuheben, der in seinem Gefolge zurückgelassen wurde. Jenseits einiger unkonzentrierter Einblicke in eine Hulking-Figur, die sein Büro im Hintergrund durchstreift, ist der Weinstein von „The Assistant“ eine Phantom-Bedrohung, die das Leben der jungen Frau beeinträchtigt, aber diese faszinierende psychologische Untersuchung erlaubt es ihm nicht, eine Geschichte zu entführen, die ihr gehört., Inmitten verzinkender Geschichten darüber, was es brauchte, um sich zu äußern, ist „The Assistant“ eine wesentliche Erinnerung daran, warum es so lange gedauert hat, bis die Welt davon gehört hat.

„Blutige Nase, leere Taschen“

Auf den ersten Blick entfaltet sich“ Blutige Nase, leere Taschen “ als brillantes Werk von cinema verite., Bill und Turner Ross ‚ boozy Hangout Film fängt die letzte raue Nacht in den Roaring Twenties, eine schmutzige Bar am Rande des Vegas Strip, wo verschiedene berauschte Ausgestoßene begraben ihre Sorgen in einer Unschärfe von Wut und poetischen Klagen. Es ist spät 2016, und mit den Präsidentschaftswahlen im Begriff, die Welt zu verändern, dient die Kneipe als faszinierender Mikrokosmos von Amerikas gebrochenem, ungeschlagenem Unterbauch am Rande der Selbstzerstörung. Aber hier ist die Sache. Die Roaring Twenties sind in New Orleans, nicht in Vegas, und die Charaktere, die ihr Inneres bevölkerten, wanderten nicht nur hinein., Obwohl nichts im Film so viel anerkennt, werfen die Ross Brothers Leute, um die Bar zu bevölkern, Aufnahme der betrunkenen Possen ihrer auserwählten Darsteller während einer tatsächlichen debaucherous Nacht. Das Ergebnis ist sowohl eine große filmische Täuschung als auch ein mutiges Filmexperiment. „Bloody Nose“ war zu Beginn des Jahres eine wunderbare filmische Provokation, aber am Ende hat diese verschwommene Erzählung eines Unternehmens, das nach einem letzten Shindig seine Pforten schließt, eine ganz neue Schicht bittersüßer Konnotationen.,

„Bacurau“

Kleber Mendonca Filho und Juliano Dornelles‘ futuristischer brasilianischer Western, der eine abgelegene Stadt findet, die sich gegen mysteriöse Bürgerwehren streitet, nimmt eine tiefe symbolische Qualität an, während der Film zu seinem blutigen Finale aufbaut. Der Film dreht sich um eine abgelegene Wüstengesellschaft, die durch ihr sich selbst erhaltendes Ethos definiert und gezwungen ist, gegen die mörderische Bürokratie, die sich schließt, um ihre Existenz zu kämpfen., Und so tun sie es: Selbst ein wildäugiger Udo Kier als verwirrter Superschurke des Films kann Sonia Braga nicht mit Blut in den Augen aufhalten, oder die rachsüchtigen Geister einer Welt, die noch nicht bereit ist, ihr Schlachtfeld aufzugeben. Filho und Dornelles kanalisieren das Beste von John Carpenter und Sergio Leone, auch wenn sie das Material in eine verlockendere und unvorhersehbare surrealistische Ebene drängen, in der das Gespenst des Kolonialismus groß ist, aber auch der Widerstand.,

Während der Film sicherlich genaue nationale Auswirkungen auf Brasiliens gegenwärtige Kämpfe mit Demokratie und Klassenkampf hat, schwingen diese Probleme auf globaler Ebene mehr denn je mit. „Bacurau“ erkundet sie mit unerbittlicher Intrige und grenzenloser Wut. Der Film jongliert mit B-Movie-Eskapismus und hoher Kunst und feiert letztendlich die Idee der Selbsterhaltung als kommunalen Kampf. Das ist eine Lektion, die wir nicht genug lernen können, und in“ Bacurau “ kommt es mit Sprengkraft an.,

„Borat Nachfolgende Moviefilm“

©Amazon/Courtesy Everett Collection

In den letzten Jahren, amerikanische satire wurde in der Krise. Wie kann man eine Gesellschaft, die sich schon über sich selbst lustig macht, vielleicht lampoon? Überlassen Sie es Sacha Baron Cohen, das herauszufinden. Der Comic-Darsteller kehrte überraschend zu seiner berühmtesten Figur zurück 14 Jahre nachdem der gefälschte kasachische Journalist seinen Weg durch Amerika gemacht hatte, um seine hässlichsten Extreme aufzudecken., Als das Land hässlicher wurde, war es lautstark nach einem weiteren Trenchant-Exposé, das Baron Cohen und sein Autorenteam mit einer weiteren vernichtenden Mischung aus Aktivismus und absurdistischer Performance-Kunst ausgegraben haben. Während der Pandemie heimlich herausgeschraubt, ist es eine der wenigen 2020-Veröffentlichungen, die den Wahnsinn des Jahres tatsächlich mit echter Auszahlung festhalten.,

Der Cringe-Comedy — Quotient ist dieses Mal hoch, da Borat und seine Tochter Tutar (Maria Bakalova, die beste Entdeckung des Jahres auf dem Bildschirm) einen schlecht durchdachten Versuch unternehmen, die Frau an Mike Pence zu liefern-und schließlich Rudy Giuliani in einem bemerkenswerten „Gotcha“ – Moment für die Ewigkeit, der jeden Hauch von Glaubwürdigkeit angriff, den er hinterlassen hatte. Versteckte Kameras wirken Wunder, aber sie sind nichts ohne das Talent vor ihnen. Baron Cohens Fähigkeit, den Wahnsinn der Neuzeit aufzudecken, ist mit der Zeit nur zielgerichteter geworden, selbst wenn es albern wie die Hölle ist., Diese verrückten Zeiten verlangen nicht weniger.

„The Mole Agent“

Gravitas Ventures

Es gibt eine gewisse immersive Nervenkitzel kommt von Dokumentarfilmen, die sich verstecken, und „The Mole Agent“ verkörpert ansprechen. Die entzückende Charakterstudie der chilenischen Regisseurin Maite Alberdi entfaltet sich als komplizierter Spionagethriller, in dem ein süßmütiger 83-jähriger Witwer auf Geheiß eines Privatdetektivs in ein Pflegeheim eindringt., Der Plan geht schief mit allen möglichen komischen und berührenden Ergebnissen, die im Rahmen fiktiver Tropen so gut zusammengestellt sind, dass er um ein amerikanisches Remake bittet. Aber so sehr ein solches Produkt auch Unternehmen ansprechen mag, die nach Inhalten hungern, es wäre von Anfang an überflüssig, denn „The Mole Agent“ ist bereits einer der herzerwärmendsten Spionagefilme aller Zeiten — eine seltene Kombination von Genres, die nur so gut funktioniert, weil es sich an Sie schleicht.,

„Der Aufstieg“

SPC

Die Prämisse von“ Der Aufstieg “ wurde so oft gesagt, dass es ein kleines Wunder ist, dass dieser überhaupt funktioniert: Zwei lebenslange Freunde testen die Grenzen ihrer Freundschaft, wenn eine Frau zwischen ihnen kommt. Doch Michael Covinos fesselndes Regiedebüt konfrontiert diese Herausforderung mit atemberaubendem filmischen Ehrgeiz, was zu einer brillanten Neuerfindung der Buddy-Komödie führt., Testosterongetriebene Dude-Filme haben in den letzten Jahren jede Facette der Filmlandschaft besetzt, von den Duplass-Brüdern bis zu „Step Brothers“, aber „The Climb“ verwandelt diesen Trope in eine frische Vision von Boozy Showdowns und peinlichen Klagen, was zu einer gewinnenden tragikomischen Vision seines eigenen Designs führt.,

Der Ausgangspunkt für „The Climb“ geht auf einen Sundance-Kurzfilm aus dem Jahr 2017 zurück, mit einem cleveren Szenario, das nie auf das großartige Design hätte hinweisen können: Die langjährigen Kumpels Mike (Covino) und Kyle (Co-Autor Kyle Marvin) radeln einen steilen Hügel hinauf, während Mike, der Monteur der beiden, voranschreitet, während er gesteht, dass er mit Kyles Verlobtem geschlafen hat. In sieben engen Minuten stellte sich der Short ein Paar dopey vor, atemlose Mannkinder, deren enge Bindung unter den albernsten Umständen getestet wird. Wo könnte es möglicherweise von dort gehen?, Wie sich herausstellt: Viele spannende Orte, wie dieser scharfe Zweihänder veers von ätzend bis süß mit akrobatischen Filmemachen zu ersparen. Wenn amerikanische Komödien in jeder Szene so viel Innovation hätten, würde sich jede Formel wie eine neue Entdeckung anfühlen. Bis zu diesem utopischen Moment haben wir zumindest “ Den Aufstieg.,“

„Time“

Amazon Studios

Es dauert Sekunden, bis“ Time “ zu etwas Besonderem wird: Eine mitreißende Klavierpartitur, die Jahre der Widerstandsfähigkeit in einer schwarzen Familie hinterfragt, Das strahlende erste Feature von Regisseur Garrett Bradley verschmilzt Form mit Funktion zu brillanter Wirkung. Der Film entfaltet sich als Opern-Schwarz-Weiß-Elegie, die sich über die Jahrzehnte erstreckt und die Intimität ihres Designs mit einem mitreißenden Sinn für Zweck verbindet., Die Notlage von Sibyl Fox Richardson, einer entschlossenen Mutter von sechs Kindern, die gegen die 60-jährige Haftstrafe ihres Mannes kämpft, vermeidet jede offensichtliche Gelegenheit, den konventionellen Weg zu gehen. Es gibt keine sprechenden Köpfe oder erklärenden Titelkarten; Stattdessen unterstreicht die Eleganz jedes poetischen Austauschs das emotionale Gewicht von Fox ‚ Kampf und die Klarheit, die sie beim Wiederaufbau ihres Lebens gefunden hat. Zu der Zeit singt sie in den Schlussminuten ein vertrautes Mantra — “ Erfolg ist die beste Rache!— – der Film erfand das Konzept von Grund auf neu.,

Anstatt sich in die Anhäufung rechtlicher Hürden zu begeben, die mit der frühen Freilassung ihres Mannes verbunden sind, vertraut Bradley jedem lyrischen Bild, um die Einsätze zu vermitteln. „Time“ umfasst eine breite Leinwand, von institutionalisiertem Rassismus bis hin zu schwarzer Exzellenz als tiefgreifendem Geisteszustand, und jedes Gesicht vertieft die Natur seines Dramas. Es ist eine fesselnde soziologische Erkundung in rein filmischer Hinsicht und einer der wenigen Höhepunkte des Jahres 2020, die das Dokumentarfilmen herausfordern, groß zu denken, auch wenn es um kleine Geschichten geht.,

„Niemals Selten Manchmal Immer“

Focus Features

In lesser hands, „Niemals Selten Manchmal Immer“ sein könnte, die ernsthaft die Geschichte eines Mädchens auf der Suche für eine Abtreibung, und nicht den schmerzhaften high-stakes survival-Geschichte, die Eliza Hittman hat., Das dritte Feature des Regisseurs erfüllt das Potenzial von „It Felt Like Love“ und „Beach Rats“ und verbindet die sozialrealistische Intensität eines Dardenne Brothers-Films mit der Zerbrechlichkeit der Reise seines jungen Protagonisten, um eine der aufregendsten Coming-of-Age-Geschichten der letzten Zeit zu schaffen Erinnerung.

In seiner Mitte pulsiert Breakout-Star Sidney Flanigan mit der hektischen Unsicherheit einer jungen Frau, die versucht, den unvermeidlichen Nöten zu entkommen, die sie auf Schritt und Tritt erwarten., Aus Pennsylvania nach New York schleichend in der Hoffnung, dass ihre Eltern es nicht wissen werden, ringt die Figur mit dem drohenden Terror ihres Endspiels, auch wenn sie sich weiterhin dafür einsetzt, es zu durchschauen. Es ist eine anstrengende Fahrt, ihr auf dieser Reise und ihren vielen kafkaesken Wendungen zu folgen, aber das Herzstück des Films ist ein einziges tränenreiches Eingeständnis, das die Besonderheiten der Handlung überschreitet, um ein verheerendes Plädoyer für Empathie zu werden. Und wow, sticht es.,

„Nomadland“

mit freundlicher Genehmigung von SEARCHLIGHT PICTURES

„Nomadland“ ist die Art Film, die gehen konnten, sehr falsch. Mit Frances McDormand als Star neben einer Besetzung Real-Life Nomaden, in weniger Händen könnte es wie billige Wunscherfüllung oder Showboating an seinem unentgeltlichsten aussehen. Stattdessen arbeitet Regisseur Chloé Zhao magisch mit Mcdormands Gesicht und der realen Welt um ihn herum und liefert ein tiefes Grollen über den Impuls, die Gesellschaft im Staub zu lassen., Zhao leitete zuvor „The Rider“ und „Songs My Brother Teach Me“, Dramen, die sich mit marginalisierten Erfahrungen mit indigenen Nicht-Schauspielern in South Dakota befassten. „Nomadland“ importiert diese Fixierung mit einer weitläufigen Naturlandschaft zu einem viel größeren Wandteppich und einer anderen Seite des amerikanischen Lebens.

Inspiriert von Jessica Bruders Sachbuch „Nomadland: Surviving America in the 21st Century“, folgt der Film McDormand als Fern, eine leise sprechende Witwe in ihren frühen 60ern, die in ihrem Van auf die Straße geht und sich einfach weiter bewegt., Der Film schwebt mit ihr, manchmal so verstrickt in ihre Reisen, dass er praktisch zum Dokumentarfilm wird. Stattdessen entwickelt der Film eine fesselnde Erzählung über die amerikanische Entfremdung und den Reiz, den bedrückenden Klauen der Gesellschaft zu entkommen. Zhao umarmt das Paradoxon im Zentrum einer Geschichte, die sowohl die Befreiung ihres Charakters feiert als auch den traurigen Zustand beklagt, der sie auf diese Spur gebracht hat. Während Amerika mit seiner geteilten Identität kämpft, fängt“ Nomadland “ den Zeitgeist ein und umarmt die Fantasie, alles für das Leben auf der Straße zurückzulassen.,

„Collective“

HBO

„Collective“ beginnt als einer der größten Journalismus Filme aller Zeiten, und dann geht es noch einen Schritt weiter, aussetzen Demokratie im Krieg mit sich selbst. Der aufstrebende, unerbittliche Dokumentarfilm des rumänischen Regisseurs Alexander Nanau verfolgt die Folgen des Brandes von 2015, bei dem 64 Menschen ums Leben kamen, und schwebt in der Mitte eines Systems, das kurz vor dem Zusammenbruch steht. Und dann tut es, ähnlich wie die Flammen, die Bukarest Colectiv Nachtclub verschlungen und schickte die Nation in einen tailspin., „Collective“ spielt wie ein packender Echtzeit-Thriller und verbindet die reporterische Intensität von “ Spotlight „mit der paranoiden Unsicherheit von“ The Manchurian Candidate“, während es die nationalen Folgen einer Tragödie untersucht, die nicht nachlässt.,

Sein anfänglicher Held taucht an einem unwahrscheinlichen Ort auf: Die Reporterin des Sports Gazette Catalin Tolontan und seine Kollegin Mirela Nega führen die Telefone mit einer aggressiven Arbeitsmoral, die Woodward und Bernstein in Ehrfurcht versetzen würde, aber es ist nicht nur ihre Geschichte; Nanau trifft später die mutige Entscheidung, den Fokus auf den neuen Gesundheitsminister Vlad Voiculescu zu richten, der beauftragt ist, eine transparente Überholung des dysfunktionalen rumänischen medizinischen Systems zu leiten, selbst wenn er auf Schritt und Tritt einem Rückschlag gegenübersteht., Der Film jongliert diese dichte Ansammlung von Strategiesitzungen unter der drohenden Wolke einer nationalen Wahl und bietet ein ernüchterndes Fenster in die Natur demokratischer Ideale innerhalb der wirbelnden Maschine systemischer Korruption. Aber es ist zu schnell, um sich wie eine Mitleidsparty zu fühlen; dafür ist es zu komplex. „Collective“ zeigt das Potenzial für moralischen Mut zu ertragen, selbst unter den schlimmsten Bemühungen, es zu schnupfen. Egal wer die Show leitet, die Arbeit geht weiter. Vergessen wir das nicht.,

„Lovers Rock“

Amazon Studios

In 68 Minuten hat Steve McQueen den kompliziertesten, freudigsten Film seiner Karriere gemacht, Tanz-Party-Gruß an schwarze Freude und Teenie-Energie, die als Meditation über versteckte Geschichte verdoppelt. Im aufregendsten, kühnsten Einsatz von Musik auf dem Bildschirm des Jahres trafen sich die Teenagerin Martha (Amarah-Jae St. Aubyn) und ihre Kollegen auf der Tanzfläche, um Janet Kays Single „Silly Games.,“Aber wenn dann die Melodie aufhört und ihre A — Cappella-Wiedergabe übernimmt-für fünf faszinierende Minuten! — das hohe Wackeln einer Frau löst sich auf derselben bluesigen Note auf, das Stampfen der Füße verschmilzt zu einem mächtigen Beat und die kollektive Aufführung verwandelt sich in eine schillernde, hypnotische Darstellung kultureller Solidarität. Martha ‚ s Wild Night Out in der Notting Hill Nachbarschaft um 1980 trifft ein paar harte Zeiten, aber es baut sich zu einem schwindelerregenden, romantischen Finish auf, das sie mit der Aufregung davonkommen lässt, sich Stück für Stück zu entdecken.,

In den breiteren Wandteppich von McQueens Fünf-Film-Miniserie „Small Axe“ über die Erfahrungen westindischer Londoner im Laufe der Jahrzehnte eingenäht, fühlt sich „Lovers Rock“ sicherlich wie ein prägnantes Puzzleteil in einem riesigen Wandteppich an, der jahrelang unerforschtes Territorium ausgleichen soll. Gleichzeitig steht der Film — und es hat keinen Sinn zu hinterfragen, ob er diese Bezeichnung verdient — für sich allein als poetische Momentaufnahme des Lebens, die so lebendig ist wie alles in „Roma“ oder „Boyhood.“McQueen hat im Laufe der Jahre viele reiche, beunruhigende Geschichten erzählt., Aber mit „Lovers Rock“ entführt er dieselben lyrischen Kräfte in eine Feier des Lebens im Moment, und wir sind genau dort bei ihm.

„First Cow“

Wenn das amerikanische Kino einen Poet laureate hätte, würde Kelly Reichardt die Krone halten. In den 15 Jahren seit „Old Joy“ hat Reichardt eine Reihe geduldiger Erkundungen nationaler Identität hervorgebracht, die mit der Zeit immer tiefer werden., Reichardts Filme wirken Wunder aus unaussprechlichem Verlangen, Fixierung mit tiefer Neugier auf geächtete Einzelgänger am Rande der Gesellschaft, die sich niederlassen wollen. „First Cow“ konsolidiert diese Fähigkeit in ihrem bisher befriedigendsten Film, einem minimalistischen Zeitdrama über Kameradschaft, die Geburt des amerikanischen Traums und ja, das Titelrind. Der Witz von „First Cow“ ist, dass nun, wer will einen Film namens „First Cow“sehen? Und die Ironie ist, dass jeder sollte.,

In einem Jahr, das durch den Schock einer Gesellschaft definiert wurde, die gezwungen war, sich auseinander zu ziehen, wurde