Madame Lelica

Avis Berman

Roy Lichtenstein był jednym z najbardziej wpływowych i innowacyjnych artystów drugiej połowy XX wieku., Jego pierwsze w pełni zrealizowane obrazy opierały się na obrazach z komiksów i reklam i zostały wykonane w stylu naśladującym surowe procesy drukarskie reprodukcji gazet. Obrazy te ożywiły amerykańską scenę artystyczną i zmieniły historię sztuki nowoczesnej., Sukces Lichtensteina był powiązany z jego skupieniem i energią, a po pierwszym triumfie we wczesnych latach 60., stworzył dzieło ponad 5000 obrazów, grafik, rysunków, rzeźb, murali i innych przedmiotów, cenionych za dowcip i inwencję.

Roy Fox Lichtenstein urodził się 27 października 1923 roku w Nowym Jorku jako pierwsze z dwójki dzieci Miltona i Beatrice Werner Lichtenstein., Milton Lichtenstein (1893-1946) był odnoszącym sukcesy pośrednikiem w obrocie nieruchomościami, a Beatrice Lichtenstein (1896-1991), Gospodyni domowa, szkoliła się jako pianistka i wystawiała Roya i jego siostrę Rénee do muzeów, koncertów i innych aspektów kultury Nowego Jorku. Roy wcześnie wykazywał się zdolnościami artystycznymi i muzycznymi: rysował, malował i rzeźbił jako nastolatek, spędził wiele godzin w American Museum of Natural History i Museum of Modern Art. Grał na fortepianie i klarnecie, i rozwinął trwałą miłość do jazzu, odwiedzając nocne punkty w Śródmieściu, aby go usłyszeć.,

Lichtenstein uczęszczał do Franklin School for Boys, prywatnego gimnazjum i liceum, które ukończył w 1940 roku. Latem tego samego roku studiował malarstwo i rysunek w Art Students League W Nowym Jorku u Reginalda Marsha. We wrześniu wstąpił na Ohio State University (OSU) w Columbus w College of Education. Jego wczesnymi idolami artystycznymi byli Rembrandt, Daumier i Picasso, i często mówił, że Guernica (1937; Museo Reina Sofía, Madryt), następnie na długoterminowym wypożyczeniu do Muzeum Sztuki Nowoczesnej, był jego ulubionym obrazem., Nawet jako licencjat, Lichtenstein sprzeciwił się poglądowi, że jeden zbiór wierszy (rysunki jednej osoby) ” został uznany za genialny, a czyjeś inne, które mogły wyglądać lepiej dla ciebie, było uważane za nic przez prawie wszystkich.”do kwestionowania przyjętych kanonów smaku zachęcał mnie Hoyt L. Sherman, nauczyciel, którego utrzymywał, był osobą, która pokazywała mu, jak widzieć i której percepcyjne podejście do sztuki kształtowało jego własne.

w lutym 1943 roku Lichtenstein został powołany do wojska, a w 1945 roku został wysłany do Europy., W składzie piechoty brał udział w działaniach we Francji, Belgii i Niemczech. Przez cały czas pobytu w Europie tworzył szkice, a po ogłoszeniu pokoju zamierzał studiować na Sorbonie. Lichtenstein przybył do Paryża w październiku 1945 i zapisał się na zajęcia z języka francuskiego i cywilizacji, ale wkrótce dowiedział się, że jego ojciec jest ciężko chory. Powrócił do Nowego Jorku w styczniu 1946, na kilka tygodni przed śmiercią Miltona Lichtensteina. Wiosną tego samego roku Lichtenstein wrócił do OSU, aby ukończyć BFA, a jesienią został zaproszony do wydziału jako instruktor., W czerwcu 1949 ożenił się z Isabel Wilson Sarisky (1921-80), która pracowała w Galerii Sztuki spółdzielczej w Cleveland, gdzie Lichtenstein wystawiał swoje prace. W czasie nauki Lichtenstein pracował nad magisterium, które otrzymał w 1949 roku. Podczas drugiego pobytu w OSU, Lichtenstein zbliżył się do Shermana i zaczął uczyć swojej metody organizowania i jednoczenia kompozycji. Lichtenstein docenia wpływ Shermana na niego. Nadał swemu pierwszemu synowi drugie imię „Hoyt”, a w 1994 przekazał fundusze na rzecz Hoyt L. Sherman Studio Art Center w OSU.,

pod koniec lat 40. i na początku lat 50. Lichtenstein zaczął pracować w seriach, a jego ikonografia została zaczerpnięta z drukowanych obrazów. Jego pierwszy utrzymany temat, intymne obrazy i Grafiki w stylu Paula Klee, które szturchały liryczną zabawę średniowiecznych rycerzy, zamków i panien, mogły być inspirowane książką o gobelinie z Bayeux. Lichtenstein przyjrzał się wówczas ironicznemu spojrzeniu na dziewiętnastowieczne Amerykańskie obrazy rodzajowe, które widział w podręcznikach do historii, tworząc Kubistyczne interpretacje kowbojów i Indian wzbogacone sztucznie prymitywnym kaprysem.,

podobnie jak w przypadku jego najsłynniejszych obrazów popowych z lat 60., Lichtenstein dążył do tego, co scharakteryzowałby jako „najgłupszy” lub „najgorszy” przedmiot wizualny, jaki mógł znaleźć, a następnie zaczął go zmieniać lub ulepszać. Na początku lat 50., wraz z rozwojem ekspresjonizmu abstrakcyjnego, dziewiętnastowieczne Amerykańskie obrazy narracyjne i rodzajowe były w nadir ich reputacji wśród krytyków i kolekcjonerów. Parafrazowanie, w szczególności parafrazowanie pogardzanych obrazów, stało się najważniejszą cechą sztuki Lichtensteina., Zanim w 1961 roku znalazł swój charakterystyczny sposób ekspresji, Lichtenstein zwrócił uwagę na sztuczność konwencji i smaku, które przenikały sztukę i społeczeństwo. To, co inni uznali za trywialne, zafascynowało go jako klasyczne i wyidealizowane—w jego słowach ” czysto Amerykański mitologiczny temat.”ii

Isabel Lichtenstein została dekoratorką wnętrz specjalizującą się w nowoczesnym designie, z klientami pochodzącymi z zamożnych rodzin Cleveland., Podczas gdy jej kariera rozkwitła, Lichtenstein nie kontynuował nauczania na poziomie uniwersyteckim. Pracował na niepełnym etacie, m.in. jako rysownik przemysłowy, projektant mebli, kredensów okiennych i projektant tarcz mechanicznych dla firmy zajmującej się instrumentami elektrycznymi. W odpowiedzi na te doświadczenia wprowadził do swoich obrazów i grafik Dziwacznie oddane silniki, Zawory i inne elementy mechaniczne. W 1954 roku urodził się pierwszy syn Lichtensteinów, David, a dwa lata później ich drugie dziecko, Mitchell., Pomimo względnego braku zainteresowania jego pracą w Cleveland, Lichtenstein umieścił swoją pracę u nowojorskich dealerów, co zawsze miało dla niego ogromne znaczenie. Pierwszą wystawę indywidualną miał w Carlebach Gallery w Nowym Jorku w 1951 roku, a następnie w latach 1952-1957 występował w John Heller Gallery.

aby odzyskać karierę akademicką i zbliżyć się do Nowego Jorku, Lichtenstein przyjął stanowisko adiunkta na State University of New York w Oswego, w północnych krańcach stanu. We wrześniu 1957 został zatrudniony do nauczania Wzornictwa Przemysłowego., Oswego okazał się bardziej geograficznie i estetycznie odizolowany niż Cleveland, ale ruch był sprzyjający, zarówno dla jego sztuki, jak i Kariery. Lichtenstein zerwał z przedstawieniami na rzecz w pełni abstrakcyjnego stylu, nakładając szerokie połacie pigmentu na płótno, przeciągając farbę po jego powierzchni za pomocą szmatką owiniętą wokół ramienia. W tym samym czasie Lichtenstein osadzał postacie z komiksów, takie jak Myszka Miki i Kaczor Donald, w pędzelkowych, ekspresjonistycznych tłach., Nie zachowały się żadne obrazy z tego okresu, ale kilka zachowanych przez niego ołówkowych i pastelowych studiów z tego okresu dokumentuje jego intencje. W końcu, gdy przebywał w Oswego, Lichtenstein poznał Reginalda Neala, nowego szefa Wydziału Sztuki w Douglass College, żeńskiej uczelni Rutgers University w New Brunswick w stanie New Jersey. Szkoła wzmacniała i rozszerzała swój program artystyczny, a gdy Neal potrzebował dodać członka wydziału do swojego wydziału, Lichtenstein został zaproszony do ubiegania się o pracę., Lichtenstein otrzymał posadę adiunkta, a we wrześniu 1960 roku rozpoczął nauczanie na Uniwersytecie Douglassa.

w Douglassie Lichtenstein wpadł w wir artystycznego ferment. Z nowojorskimi muzeami i galeriami godzinę drogi, a koledzy Geoffrey Hendricks i Robert Watts z Douglass i Allan Kaprow i George Segal z Rutgers, środowisko nie mogło pomóc, ale galwanizować go. W czerwcu 1961 roku Lichtenstein powrócił do pomysłu, z którym zetknął się w Oswego, polegającego na łączeniu postaci z komiksów z abstrakcyjnym tłem., Ale, jak powiedział Lichtenstein, „nie przyszło mi do głowy, aby zrobić to naśladując styl kreskówki bez faktury farby, kaligraficznej linii—modulacji-wszystko to, co wiąże się z ekspresjonizmem.”III najbardziej znany, Lichtenstein przywłaszczył sobie benday dots, najdrobniejszy mechaniczny wzór używany w komercyjnym grawerowaniu, aby przekazać fakturę i gradacje kolorów—język stylistyczny synonimiczny dla jego przedmiotu. Kropki stały się znakiem towarowym na zawsze identyfikowanym z Lichtensteinem i Pop artem., Lichtenstein może nie skalibrował od razu głębi swojego przełomu, ale zdawał sobie sprawę ,że płaski afekt i deadpan prezentacja panelu komiksowego wysadzonego i zreorganizowanego w sposób Sherman-fleksyjny „była o wiele bardziej przekonująca” niż abstrakcja gestu, którą praktykował.

wśród pierwszych zachowanych obrazów w tym nowym trybie—opartych na komiksach i ilustracjach z reklam—znalazły się Popeye i Look Mickey, po których szybko pojawiły się pierścionek zaręczynowy, dziewczyna z piłką i Stepowana puszka z nogą., Kaprow dostrzegł energię i radykalizm tych płócien i zlecił Lichtensteinowi pokazanie ich Ivanowi Karpowi, dyrektorowi galerii Leo Castelli. Castelli był wiodącym nowojorskim dystrybutorem Sztuki Współczesnej, wystawiał przełomowe wystawy Jaspera Johnsa i Roberta Rauschenberga w 1958 i Franka Stellę w 1960., Karp od razu zainteresował się obrazami Lichtensteina, ale Castelli wolniej podejmował decyzję, częściowo ze względu na plebejskie korzenie obrazów w sztuce komercyjnej, ale także dlatego, że nieznani Lichtensteinowi dwaj inni artyści niedawno zwrócili na niego uwagę-Andy Warhol i James Rosenquist—I Castelli był gotowy tylko na jeden z nich. Po kilku rozmowach Castelli zdecydował się reprezentować Lichtensteina, a pierwsza wystawa komiksowych obrazów odbyła się w galerii od 10 lutego do 3 marca 1962 roku. Serial sprzedał się i stał się sławny., Do czasu drugiej indywidualnej wystawy Lichtensteina w Castelli we wrześniu 1963 roku jego prace były prezentowane w muzeach i galeriach w całym kraju. Zwykle grupował się z Johnsem, Rauschenbergiem, Warholem, Rosenquistem, Segalem, Jimem Dine, Claesem Oldenburgiem, Robertem Indianą i Tomem Wesselmannem. Ich twórczość traktowana była jako policzek dla abstrakcyjnego ekspresjonizmu i w rzeczywistości artyści Popowi odwrócili uwagę od wielu członków nowojorskiej Szkoły.,

wraz z nadejściem sukcesu krytycznego i komercyjnego Lichtenstein dokonał znaczących zmian w swoim życiu i kontynuował badania nad nowymi możliwościami w swojej sztuce. Po rozstaniu z żoną, przeniósł się z New Jersey na Manhattan w 1963; w 1964 zrezygnował ze stanowiska nauczyciela w Douglass, aby skoncentrować się wyłącznie na swojej pracy. Artysta odważył się również wyjść poza tematy Komiksowe, tworząc obrazy oparte na olejach Cézanne ' a, Mondriana i Picassa, Martwe Natury i pejzaże.,

Lichtenstein stał się płodnym grafikiem i rozwinął się w rzeźbę, której nie próbował od połowy lat 50., a zarówno w dwu -, jak i trójwymiarowych pracach, używał wielu przemysłowych lub” nie-artystycznych ” materiałów i projektował masowo produkowane, edytowane przedmioty, które były tańsze niż tradycyjne obrazy i rzeźba. Uczestnicząc w jednym z takich projektów-American Supermarket show w 1964 roku w Galerii Paula Bianchini, dla której zaprojektował torbę na zakupy—Lichtenstein poznał Dorothy Herzkę (ur. 1939), pracownicę galerii, którą poślubił w 1968 roku., W 1967 roku Muzeum Sztuki w Pasadenie zainicjowało objazdową retrospektywę, w 1968 roku Stedelijk Musem w Amsterdamie zaprezentowało swoją pierwszą europejską retrospektywę, a w 1969 roku pierwszą nowojorską retrospektywę W Solomon R. Guggenheim Museum.

chcąc się rozwijać, Lichtenstein odwrócił się od tematów komiksowych, które przyniosły mu sławę. Pod koniec lat 60. jego prace stały się mniej narracyjne i bardziej abstrakcyjne, ponieważ kontynuował medytację nad naturą samego przedsięwzięcia artystycznego., Zaczął zgłębiać i dekonstruować pojęcie pociągnięć pędzla—budulca Zachodniego malarstwa. Pociągnięcia pędzla są umownie rozumiane jako wehikuły ekspresji, ale Lichtenstein uczynił z nich podmiot. Współcześni artyści zazwyczaj utrzymują, że tematem obrazu jest samo malarstwo. Lichtenstein posunął tę ideę o jeden pomysłowy krok dalej: element kompozycyjny mógłby posłużyć za przedmiot dzieła i urzeczywistnić ten pierścień bromkowy.,

poszukiwania nowych form i źródeł były jeszcze bardziej dobitne po 1970 roku, kiedy Roy i Dorothy Lichtenstein kupili nieruchomość w Southampton w stanie Nowy Jork i uczynili ją swoją główną rezydencją. Podczas płodnej dekady lat 70. Lichtenstein badał pewien aspekt percepcji, który stale go zaabsorbował: jak łatwo to, co nierzeczywiste, można zweryfikować jako prawdziwe, ponieważ widzowie zaakceptowali tak wiele wizualnych koncepcji, że nie analizują tego, co widzą., W serii zwierciadła zajmował się światłem i cieniem na szkle, a w serii Entablature rozważał te same zjawiska, abstrakując takie piękne elementy architektoniczne, jak gzymsy, gzymsy, kapitele i kolumny. Podobnie Lichtenstein stworzył pionierską malowaną rzeźbę z brązu, która obaliła konwencjonalną trójwymiarowość i trwałość medium. Formy z brązu były jak najbardziej płaskie i cienkie, bardziej związane z linią niż objętością i przedstawiały najbardziej ulotne doznania-loki pary, promienie światła i odbicia na szkle., Para, odbicia i cień były dla siebie znakami, które natychmiast zostaną uznane za takie przez każdego widza.

kolejną panoplą prac powstałych w latach 70.były złożone spotkania z kubizmem, futuryzmem, Puryzmem, surrealizmem i ekspresjonizmem. Lichtenstein rozszerzył swoją paletę poza czerwony, niebieski, żółty, czarny, biały i zielony, wymyślając i kombinując formy. Nie tylko izolował znalezione obrazy, ale zestawiał je, nakładał, fragmentował i rekomponował., Według historyka sztuki Jacka Cowarta, wirtuozowskie kompozycje Lichtensteina były ” bogatym dialogiem form-wszystkie intuicyjnie zmodyfikowane i uwolnione z ich nominalnych źródeł.”v we wczesnych latach 80., które zbiegły się z ponownym założeniem studia w Nowym Jorku, Lichtenstein był również u szczytu kariery muralu. W latach 60. i 70. zrealizował cztery murale, a w latach 1983-1990 stworzył pięć. Zrealizował również duże zamówienia na rzeźby publiczne w Miami Beach, Columbus, Minneapolis, Paryżu, Barcelonie i Singapurze.,

Lichtenstein stworzył w latach 90. trzy główne serie, z których każda symbolizuje jego ciągłe zainteresowanie rozwiązywaniem problemów obrazkowych. Wnętrza, malowane na muralach płótna inspirowane drobną reklamą we włoskiej książce telefonicznej, ponownie zagłębiają się w percepcyjne niejasności odbić z okien i luster. Akty powtarzają temat kobiet w romantyczno-komicznym trybie, który Lichtenstein wprowadził w latach 60. i wzmocnił w bujnych scenach plażowych inspirowanych surrealizmem w latach 70., Podobnie jak w przypadku wnętrz, jest tu wiele cytatów z elementów z wcześniejszych płócien, mebli malowanego Świata Lichtensteina. Wykorzystał również serię do zbadania mieszania światłocienia (które opracował za pomocą kropek i cieniowania) z płaskimi obszarami koloru. Efekt ten został osiągnięty w jego Chińskich pejzażach, ostatnim spotkaniu Lichtensteina z monumentalną tradycją sztuki—i jednym z jego najbardziej subtelnych. Konfiguracje ziemi, wody, gór i powietrza Znalezione w malowidłach i zwojach dynastii Song są symulowane przez łagodnie dryfujące pola stopniowanych kropek., Żaden ze zwyczajowych czarnych konturów Lichtensteina nie definiuje monochromatycznych form, co podnosi kontemplacyjną i abstrakcyjną jakość serii.

w sierpniu 1997 roku Lichtenstein zachorował na zapalenie płuc. Zmarł niespodziewanie z powodu powikłań po chorobie 29 września 1997 roku w wieku 73 lat w Nowym Jorku.