biografie van Gustav Klimt
kindertijd
geboren uit Ernst Klimt, een goudgraveur die oorspronkelijk uit Bohemen kwam, en Anna Finster, een aspirant maar mislukte muzikale performer, Gustav Klimt was de tweede van zeven kinderen opgevoed in de kleine voorstad Baumgarten, ten zuidwesten van Wenen. De familie Klimt was arm, omdat werk schaars was in de beginjaren van het Habsburgse Rijk, vooral voor etnische minderheidsgroepen, voor een groot deel te wijten aan de beurscrash van 1873.,tussen 1862 en 1884 verhuisden de Klimts regelmatig en woonden ze op niet minder dan vijf verschillende adressen, altijd op zoek naar goedkopere woningen. Naast financiële ontberingen, ervoer de familie veel tragedie thuis. In 1874 overleed Klimts jongere zus Anna op vijfjarige leeftijd na een lange ziekte. Niet lang daarna, zijn zus Klara leed aan een mentale inzinking na bezwijken aan religieuze ijver.op jonge leeftijd toonden Klimt en zijn twee broers Ernst en Georg duidelijke artistieke gaven., Gustav werd echter door zijn instructeurs aangewezen als een uitzonderlijke tekenaar op de middelbare school. In oktober 1876, toen hij veertien was, moedigde een familielid hem aan om het toelatingsexamen te doen voor de Kunstgewerbeschule, de Weense School voor Kunsten en ambachten. Later zei hij dat hij van plan was om tekenmeester te worden en les te geven aan een Burgerschule, de 19e-eeuwse Weense equivalent van een basis openbare middelbare school, die hij had bijgewoond.,Klimt begon zijn formele opleiding in Wenen toen de stad belangrijke veranderingen onderging. In 1858 beval Keizer Frans Jozef I de vernietiging van de overblijfselen van de oude middeleeuwse verdedigingsmuren die het centrale deel van de stad omcirkelden, waardoor een grote cirkelvormige ruimte werd herontwikkeld als een reeks brede boulevards bekend als de Ringstrasse (“ringstraat”)., In de volgende dertig jaar werd de Ringstrasse bekleed met bomen en grote burgerlijke appartementenhuizen, evenals vele nieuwe gebouwen om verschillende burgerlijke en keizerlijke overheidsinstellingen te huisvesten, waaronder theaters, kunstmusea, de Universiteit van Wenen en het Oostenrijkse parlementsgebouw. Samen met de nieuw gebouwde gemeentelijke spoorlijn, de komst van elektrische straatlantaarns en stadsmensen die de Donau omleiden om overstromingen te voorkomen, ging Wenen een Gouden Eeuw van industrie, onderzoek en wetenschap in, gedreven door moderne ontwikkelingen op deze gebieden., Wat Wenen echter nog niet had, was een revolutionaire geest ten opzichte van de Kunsten.
opleiding en vroeg succes
het curriculum en de onderwijsmethoden van de Kunstgewerbeschule waren vrij traditioneel voor hun tijd, iets wat Klimt nooit in twijfel trok of uitdaagde. Door een intensieve training in tekenen werd hij belast met het getrouw kopiëren van decoraties, ontwerpen en gipsen afgietsels van klassieke sculpturen. Toen hij zich in dit opzicht bewezen had, mocht hij pas figuren uit het leven trekken., Klimt maakte vanaf het allereerste begin indruk op zijn instructeurs en sloot zich al snel aan bij een speciale klas met een focus op schilderen, waar hij veel talent toonde voor het schilderen van levende figuren en het werken met een verscheidenheid aan gereedschappen. De opleiding van de jonge kunstenaar omvatte ook nauwe studies van de werken van Titiaan en Peter Paul Rubens. Klimt had ook toegang tot de rijkdom aan schilderijen van de Spaanse meester Diego Velázquez, voor wiens werk hij zo ’n voorliefde ontwikkelde dat hij later in zijn leven opmerkte:” er zijn maar twee schilders: Velázquez en ik.,”
Klimt werd ook een groot bewonderaar van Hans Makart (de beroemdste Weense historische schilder van die tijd), en in het bijzonder zijn techniek, die dramatische effecten van licht en een duidelijke liefde voor theatraliteit en praal gebruikte. Op een gegeven moment, toen hij nog student was, kocht Klimt naar verluidt een van Makart ‘ s bedienden om om hem in het atelier van de schilder te laten, zodat Klimt de nieuwste werken kon bestuderen.,kort voor hij de Kunstgewerbeschule verliet, werd Klimt ‘ s schilderenklas vergezeld door zijn jongere broer Ernst en een jonge schilder genaamd Franz Matsch, een andere begaafde Weense kunstenaar die gespecialiseerd was in grootschalige decoratieve werken. Klimt en Matsch beëindigden hun studie in 1883 en huurden samen een groot atelier in Wenen. Ondanks deze verhuizing en zijn vroege succes, bleef Klimt wonen bij zijn ouders en overlevende zussen., Klimt en Matsch werden al snel kunstenaars in de grote vraag onder de culturele elite van de stad, waaronder prominente architecten, maatschappelijke figuren en ambtenaren. Al in 1880 werden Klimt en Matsch door hun schilderprofessor Ferdinand Laufberger aanbevolen om namens een Weens architectenbureau gespecialiseerd in theaterdesign een opdracht voor vier schilderijen op zich te nemen.ondanks de vraag was de betaling voor de diensten van Klimt en Matsch niet lucratief., Toen Klimt, zijn broer Ernst en Matsch de opdracht kregen om de grote trap van het nieuwe Burgtheater te versieren, vond het trio dat hun commissie de kosten van het huren van modellen niet zou dekken, dus namen ze vrienden en familie in dienst. Vandaag kan men Klimt ’s zusters Hermine en Johanna (samen met alle drie de kunstenaars) te zien onder de toeschouwers in Shakespeare’ s theater, terwijl hun broer Georg speelt de stervende Romeo. Dit is overigens het enige overlevende zelfportret van Klimt.,eind 1892 waren zowel de oudere Ernst Klimt – Gustav ‘ s vader – als zijn jongere broer Ernst overleden, de laatste vrij plotseling aan een aanval van pericarditis. Deze dood trof Gustav, die nu financieel verantwoordelijk werd gehouden voor zijn moeder, zussen, de weduwe van zijn broer en hun dochtertje. De weduwe van zijn broer Ernst, Helene Flöge – met wie hij slechts vijftien maanden getrouwd was-en haar familie uit de middenklasse hadden woningen in zowel de stad als op het platteland, waar Klimt een frequente gast werd., Klimt begon al snel een intieme vriendschap met Helene ‘ s zus, Emilie Flöge, die de rest van zijn leven zou duren en de basis zou vormen voor een van zijn beroemdste portretten.het werktempo van Klimt vertraagde na de dood van zijn broer en vader. De kunstenaar begon ook vraagtekens te zetten bij de conventies van de academische schilderkunst, wat resulteerde in een breuk tussen Klimt en zijn oude partner Matsch. In 1893, de artistieke Adviescommissie van het Ministerie van Onderwijs benaderd Matsch voor een commissie om het plafond van de nieuw gebouwde Grote Zaal van de Universiteit van Wenen te versieren., Klimt sloot zich uiteindelijk aan bij het project (op verzoek van Matsch of het Ministerie), maar deze samenwerking zou de laatste tussen de twee mannen zijn.Klimt werd gevraagd om drie grote plafondschilderingen te maken voor de Grote Zaal van de universiteit, waaronder filosofie (1897-98), geneeskunde (1900-01) en jurisprudentie (1899-1907). Tot verbazing van zijn opdrachtgevers koos Klimt voor deze schilderijen voor een zeer decoratieve symboliek die moeilijk leesbaar is, waardoor zijn houding ten opzichte van schilderkunst en kunst in het algemeen aanzienlijk veranderde., Belangrijke controverse ontstond over Klimts Universitaire schilderijen, vooral vanwege de naaktheid van enkele van de figuren in de geneeskunde, en deels vanwege beschuldigingen dat het onderwerp vaag was. De Universiteitsschilderijen werden nooit geïnstalleerd en in de nasleep van de controverse besloot Klimt nooit meer een openbare opdracht te aanvaarden.het werk van Klimt over de schilderijen van de Universiteit van Wenen viel samen met een breder schisma binnen de Weense kunstgemeenschap., In 1897 deed hij, samen met een aantal andere moderne kunstenaars en ontwerpers, afstand van zijn lidmaatschap van het Kunstlerhaus, de toonaangevende vereniging van kunstenaars in Wenen, waarvan Klimt sinds 1891 lid was. Het Kunstlerhaus controleerde de hoofdlocatie voor het tentoonstellen van hedendaagse kunst in de stad, en Klimt en zijn mede-modernisten klaagden dat hun dezelfde privileges van het tentoonstellen van werk in de stad werden ontzegd, omdat het Kunstlerhaus, dat een opdracht kreeg voor de daar tentoongestelde werken, de beter verkopende conservatieve werken beviel.,de modernistische cohort hergroepeerde zich onmiddellijk om in 1897 de Wiener Secession (ook bekend als de Unie van Oostenrijkse kunstenaars) op te richten. Samen met Klimt bestond de groep uit Josef Hoffmann, Koloman Moser en Joseph Maria Olbrich. Klimt werd voorzitter van de Secession., De basisprincipes waren als volgt: jonge en onconventionele kunstenaars een uitlaatklep bieden om hun werk te tonen; Wenen blootstellen aan de grote werken van buitenlandse kunstenaars (met name de Franse impressionisten, wat het Kunstlerhaus niet had gedaan); en een tijdschrift publiceren, uiteindelijk getiteld Ver Sacrum (“heilige bron”), dat zijn naam ontleende aan de Romeinse traditie van steden die jongere generaties van haar burgers op pad sturen om een nieuwe nederzetting te stichten.,de Secession vestigde al snel zijn aanwezigheid in de artistieke scene van de stad door middel van een reeks tentoonstellingen, die Klimt een grote rol speelde bij het organiseren. Veel van hen hadden werk van buitenlandse hedendaagse kunstenaars die tot correspondent van de groep werden gemaakt. De tentoonstellingen kregen veel bijval van het publiek en leidden tot verrassend weinig controverse, aangezien de Weense bevolking weinig tot geen blootstelling aan moderne kunst had., In 1902 hielden de Secessionisten hun 14e tentoonstelling, een viering van de componist Ludwig Van Beethoven, waarvoor Klimt zijn beroemde Beethovenfries schilderde, een massief en complex werk dat paradoxaal genoeg geen expliciete verwijzing naar Beethovens composities bevatte. In plaats daarvan werd het gezien als een complexe, lyrische en zeer sierlijke allegorie van de kunstenaar als God.,hoewel de Secession was gewijd aan het idee van het Gesamtkunstwerk, of de volledig en harmonieus vormgegeven omgeving, trachtte zij kunst boven het domein van de commerciële belangen te houden, wat problematisch bleek voor haar leden, met name decoratieve kunstenaars, wier werk bij het ontwerpen van nuttige objecten een commercieel verkooppunt vereiste om succesvol te zijn. In 1903 richtten twee prominente leden, Josef Hoffmann en Koloman Moser, een nieuwe organisatie op, de Wiener Werkstätte, die zich toelegt op de promotie en het ontwerp van decoratieve kunst en architectuur voor dergelijke doeleinden., Klimt, die dicht bij Hoffmann en Moser stond, zou daarna samenwerken aan verschillende projecten van de Werkstatte, met name de gigantische multi-panel tree-of-life beschilderde fries voor het Palais Stoclet in Brussel, de grootste Gesamtkuntswerk geproduceerd door de Werkstatte, tussen 1905-10.in 1905 namen Klimt en een aantal van zijn medewerkers ontslag uit de Wiener Secession vanwege een meningsverschil over de associatie van de groep met lokale galeries, die niet erg sterk waren in Wenen, om hun kunst op de markt te brengen., Ondanks het feit dat de Secessionisten een eigen tentoonstellingsruimte hadden, werden ze nog steeds gehinderd door een gebrek aan een systematische locatie om de verkoop van hun werk af te ronden. De Klimtgruppe (zoals Klimt en zijn aanhangers, waaronder Moser en Josef Maria Auchentaller bekend waren) stelde voor dat de Secession de galerie Miethke zou kopen, maar werd met één stem verworpen toen het voorstel aan de leden werd voorgelegd, omdat de oppositie de Secession volledig gescheiden wilde houden van commerciële belangen., Het aftreden van de Klimtgruppe heeft de afscheiding van haar meest internationaal prominente leden ongedaan gemaakt, maar in de jaren dat de Klimtgruppe zichzelf vele malen opnieuw heeft uitgevonden – vaak samenvalt met veranderingen in leiderschap – en vandaag de dag is de Klimtgruppe de enige Oostenrijkse kunstenaarsorganisatie die zich inzet voor de bevordering van de hedendaagse kunst.,in het decennium tussen 1898 en 1908, terwijl hij werkte als lid van de Secession en in de commissies voor de Universiteit, bereikte de persoonlijke stijl van Klimt, die elementen van zowel de premoderne als de moderne tijd rijpt, zijn volle ontplooiing. Hij produceerde een aantal van zijn beroemdste werken in deze jaren die samen nu zijn “gouden fase” vormen, zogenaamde grotendeels te wijten aan Klimt ‘ s uitgebreide gebruik van bladgoud., Deze schilderijen zijn onder andere het Klaprozenveld (1907), de Kus (1907-08) en de portretten Pallas Athene (1898), Judith I (1901) en Adele Bloch-Bauer I (1903-07). Ondanks het respect dat hen vandaag werd geschonken, was de ontvangst destijds niet altijd even vriendelijk: een criticus grapte toen hij Bloch-Bauer I voor het eerst zag, dat het “meer blech dan Bloch” was (“blech” is eigenlijk het Duitse woord voor tin)., Als Klimt een hekel had aan de reactie op zijn schilderijen, was hij waarschijnlijk blij dat critici zijn schetsboeken nooit hebben gezien, want Klimt was in sommige opzichten het vroege 20e-eeuwse mannelijke equivalent van de stereotiepe crazy cat lady. Hij beweerde dat kattenurine het beste fixeermiddel was, en daarom zijn zijn schetsboeken er vaak in bedekt.in de laatste tien jaar van zijn leven verdeelde Klimt een groot deel van zijn tijd tussen zijn atelier en tuin in Heitzing, in Wenen, en het landhuis van de familie Flöge, waar hij en Emilie veel tijd samen doorbrachten., Hoewel er ongetwijfeld een romantische band tussen hen was, wordt algemeen aangenomen dat de twee nooit hebben toegegeven aan fysiek verlangen. Hun nabijheid deed Klimts afkeer van het gebruik van geschreven taal echter niet afnemen: in één brief aan Emilie raakte hij zo gefrustreerd dat hij simpelweg schreef: “naar de hel met woorden!”Klimt was even kort en oncomplimentair bij het bespreken van plaatsen die hij had bezocht; tijdens een bezoek aan Italië kon hij alleen maar aan Emilie melden dat” er veel is dat zielig is in Ravenna – de mozaïeken zijn enorm prachtig.,tijdens deze zomers produceerde Klimt veel van zijn prachtige (maar vaak ondergewaardeerde) en plein air landschapsschilderijen, zoals het Park (1909-10), vaak vanuit een roeiboot of een open veld. Klimt had twee liefdes: schilderen en vrouwen, en zijn eetlust voor beide was schijnbaar onverzadigbaar. Het persoonlijke leven van Klimt, waarover hij zich discreet heeft ingespannen, is daardoor onder critici en historici zeer bekend geworden, zeker gezien de talrijke vrouwenportretten van Klimt., In veel gevallen is er geen consensus bereikt over de betrokkenheid van Klimt bij bepaalde individuele vrouwen; terwijl veel rapporten zweren bij de intieme relaties van Klimt, betwijfelen anderen – mede door het gebrek aan harde bewijzen – dat er sprake was van een romantische betrokkenheid tussen Klimt en diezelfde zitters.hoewel Klimt tijdens zijn laatste jaren zijn onderwerp niet wijzigde, onderging zijn schilderstijl wel belangrijke veranderingen. Grotendeels weg te doen met het gebruik van goud en zilver blad, en versiering in het algemeen, de kunstenaar begon met behulp van subtiele mengsels van kleur, zoals lila, koraal, zalm en geel., Klimt maakte ook een duizelingwekkend aantal tekeningen en studies in deze tijd, waarvan de meerderheid van vrouwelijke naakten waren, sommige zo erotisch dat ze tot op de dag van vandaag zelden worden tentoongesteld. Tegelijkertijd zijn veel van Klimts latere portretten geprezen om de grotere aandacht van de kunstenaar voor karakter en een vermeende nieuwe aandacht voor gelijkenis. Deze kenmerken zijn duidelijk te zien in Adele Bloch-Bauer II (1912) en Mada Primavesi (1913), evenals de vreemd erotische The Friends (CA., 1916-17), waarin een lesbisch stel wordt afgebeeld – het ene naakt en het andere gekleed – tegen een gestileerde achtergrond van vogels en bloemen.op 11 januari 1918 kreeg Klimt een beroerte, waardoor hij verlamd raakte aan zijn rechterzijde. Bedlegerig en niet meer in staat om te schilderen of zelfs maar te schetsen, zakte Klimt in wanhoop en kreeg griep. Op 6 februari overleed hij, een van de beroemdste slachtoffers van de grieppandemie van dat jaar. Hij was slechts een van de vier grote Weense kunstenaars die dat jaar stierven: Otto Wagner, Koloman Moser en Egon Schiele bezweken allemaal, de laatste ook een griepslachtoffer., Tegen de tijd van zijn dood hadden verschillende vormen van moderne kunst, waaronder Kubisme, futurisme, Dada en constructivisme, alle de aandacht getrokken van creatieve Europeanen. Klimts oeuvre werd toen beschouwd als onderdeel van een vervlogen tijdperk in de schilderkunst, die zich nog steeds richtte op menselijke en natuurlijke vormen in plaats van een deconstructie, of regelrechte verzaking van die dingen.,
de erfenis van Gustav Klimt
Klimt trouwde nooit; schilderde nooit een enkel zelfportret dat als zodanig bedoeld was; en beweerde nooit een revolutie in de kunst te zijn. Klimt reisde niet veel, maar hij verliet Oostenrijk wel voor een aantal bezoeken aan andere locaties in Europa (hoewel hij bij de ene gelegenheid Parijs bezocht, liet hij niet onder de indruk)., Met de baanbrekende afscheiding wilde Klimt de aandacht vestigen op hedendaagse Weense kunstenaars en op zijn beurt de aandacht vestigen op de veel bredere wereld van de moderne kunst buiten de Oostenrijkse grenzen. In die zin is Klimt verantwoordelijk voor het helpen om Wenen aan het begin van de eeuw om te vormen tot een toonaangevend centrum voor cultuur en kunst.
Klimt ‘ s directe invloed op andere kunstenaars en latere bewegingen was vrij beperkt., Zoals Klimt Hans Makart vereerde, maar uiteindelijk afweek van de stijl van zijn mentor, vereerden jongere Weense kunstenaars als Egon Schiele en Oskar Kokoschka Klimt al vroeg, om zich te ontwikkelen tot meer quasi-abstracte en expressionistische vormen van schilderkunst. Op 17-jarige leeftijd zocht Schiele Klimt op en ontwikkelde een vriendschap met de meester die zich vandaag de dag openbaart in verschillende vergelijkingen tussen hun werken; Schiele ‘ s kardinaal en non (strelen) van 1912 bijvoorbeeld, is ongetwijfeld gebaseerd op Klimts de Kus (liefhebbers) van 1907-08., Klimt introduceerde Schiele bij tal van galeriehouders, kunstenaars en modellen, waaronder Valerie (Wally) Neuzil, met wie Schiele een relatie begon in 1911 rond de tijd dat de twee samen verhuisden naar Krumau, in Bohemen (nu Cesky Krumlov, in Tsjechië) – maar in 1916 keerde Neuzil terug naar Wenen om weer model te worden voor Klimt. Zowel Schiele als Klimt maakten portretten van de rijke avant-garde mecenas Friederika Maria Beer-Monti, respectievelijk in 1914 en 1916; in feite weigerde Klimt aanvankelijk de opdracht voor het latere portret van Beer-Monti omdat Schiele het reeds had voltooid.,hoewel sommige critici en historici beweren dat Klimts werk niet moet worden opgenomen in de canon van de moderne kunst, blijft zijn oeuvre – vooral zijn schilderijen na 1900 – opvallend door zijn visuele combinaties van het oude en het moderne, het reële en het abstracte. Klimt produceerde zijn grootste werk in een tijd van economische expansie, sociale verandering en de introductie van radicale ideeën, en deze eigenschappen zijn duidelijk zichtbaar in zijn schilderijen., Klimt creëerde een zeer persoonlijke stijl, en de Betekenis van veel van zijn werken kan niet volledig worden ontcijferd zonder kennis van zijn eigen persoonlijke relaties met de afgebeelde en, door Klimts zorgvuldige discretie in zijn privé-leven, zal waarschijnlijk nooit volledig worden begrepen. Andere werken zijn vrijwel ondoorgrondelijk als gevolg van de verbijsterende arrangementen van hun inhoud. Toch draagt deze situatie aantoonbaar bij aan Klimts statuur, omdat zijn schilderijen voortdurend in een soort mysterie zullen worden gehuld en ontelbare interpretaties en intense kritische herkauwingen zullen oproepen.,Klimt heeft een soort onsterfelijkheid bereikt door de controverse die hij aan het begin van de eeuw voortbracht uit de inhoud van zijn werken en het mysterie rond zijn relaties met zijn zitters, maar hij kan dit zelfs hebben overtroffen lang na zijn dood met het lot van enkele van zijn beroemdste werken., Verschillende van Klimts schilderijen kwamen in de jaren dertig in de collecties van Joodse kenners terecht, en dit feit, waarschijnlijk gecombineerd met Klimts status als een prominente moderne kunstenaar, droeg bij aan hun confiscatie door de nazi ‘ s na 1938 en hun naoorlogse plaatsing, zo niet vernietigd, in staatsmusea. Ondertussen hebben de oorspronkelijke eigenaren en hun erfgenamen – met name de familie Altmann, die claims had op Klimts Adele Bloch-Bauer I – sindsdien rechtszaken aangespannen om de schilderijen te recupereren voor particulier eigendom, waarvan sommige succesvol zijn geweest., Dergelijke evenementen hebben Klimt ‘ s profiel als kunstenaar aanzienlijk verhoogd, met de verkoop van een aantal van deze gerecupereerde werken met recordprijzen.