Madame Lelica

Noti per i loro stili diversi ma distintivi e le loro percezioni soggettive del mondo che li circonda, i post-impressionisti hanno aperto la strada a un nuovo approccio alla pittura all’inizio del secolo. A differenza degli impressionisti che li precedettero e dei fauvisti che seguirono, gli artisti post-impressionisti non erano unificati da un unico approccio estetico. Piuttosto, ciò che li ha riuniti è stato un interesse comune ad esplorare apertamente la mente dell’artista.,

Dato l’assortimento di stili, tecniche e persino soggetti evidenti nei dipinti post-impressionisti, definire il movimento può essere difficile. Tuttavia, tracciando la sua storia, identificando i suoi artisti e individuandone le caratteristiche distintive, si può iniziare a comprendere il significato storico e simbolico del movimento.

Che cos’è il post-impressionismo?

Il post-impressionismo è un movimento artistico che si è sviluppato negli anni ‘ 90. È caratterizzato da un approccio soggettivo alla pittura, in quanto gli artisti hanno scelto di evocare emozioni piuttosto che realismo nel loro lavoro., Mentre i loro stili, quindi, selvaggiamente vario, dipinti completati nel modo post-impressionista condividono alcune qualità simili. Questi includono motivi simbolici, colori innaturali e pennellate pittoriche.

Storia

Negli anni 1870 e 1880, l’impressionismo dominava l’arte d’avanguardia in Francia. Molti artisti emergenti, tuttavia, hanno trovato un difetto nell’attenzione degli impressionisti sullo stile piuttosto che sull’argomento., Con l’obiettivo di scuotere il mondo dell’arte contemporanea, questo gruppo di artisti stilisticamente dissimili—tra cui Paul Cézanne, Paul Gauguin, Vincent van Gogh, Georges Seurat, Henri Toulouse-Lautrec e Henri Rousseau—formò i Post-impressionisti.

Come gli impressionisti, i post-impressionisti hanno condiviso il loro lavoro con il pubblico attraverso mostre indipendenti in tutta Parigi. Nel 1910, il noto critico d’arte, storico e curatore Roger Fry coniò il termine “Post-impressionismo” con la sua mostra, Manet and the Post-Impressionists., Proprio come gli stessi post-impressionisti, Fry credeva che la bellezza dell’arte fosse intrinsecamente radicata nella percezione. ” L’arte è un’espressione e uno stimolo alla vita immaginativa piuttosto che una copia della vita reale”, spiega Fry in Un saggio in Estetica. “L’arte apprezza l’emozione in sé e per sé. L’artista, è il più costantemente attento a ciò che lo circonda e il meno colpito dal loro intrinseco valore estetico. Mentre contempla un particolare campo visivo, la congiunzione esteticamente caotica e accidentale di forme e colori inizia a cristallizzarsi in un’armonia.,”Oggi, queste idee ci aiutano a capire il filo conduttore tra questi artisti.

Definizione delle caratteristiche

Simbolismo emotivo

Come spiegato da Fry, i post-impressionisti credevano che un’opera d’arte non dovesse ruotare attorno allo stile, al processo o all’approccio estetico. Invece, dovrebbe porre l’accento sul simbolismo, comunicando messaggi dal subconscio dell’artista. Piuttosto che impiegare materia come uno strumento visivo o mezzi per un fine, Post-impressionisti percepito come un modo per trasmettere sentimenti., Secondo Paul Cézanne, ” un’opera d’arte che non è iniziata nell’emozione non è un’opera d’arte.”

Evocativa del Colore

“Colore! Che linguaggio profondo e misterioso, il linguaggio dei sogni.,”- Paul Gauguin

A differenza degli impressionisti che si sforzavano di catturare l’influenza della luce naturale sulla tonalità, i post-impressionisti impiegavano volutamente una tavolozza di colori artificiali come un modo per ritrarre le loro percezioni emotive del mondo che li circonda. Tonalità sature, ombre multicolori e ricche gamme di colori sono evidenti nella maggior parte dei dipinti post-impressionisti, dimostrando l’approccio innovativo e fantasioso degli artisti alla rappresentazione.,

Distintivo Pennellate

Come funziona completato in stile Impressionista, la maggior parte dei Post-Impressionisti pezzi caratteristica rilevabile, ampie pennellate., Oltre ad aggiungere texture e un senso di profondità a un’opera d’arte, questi segni indicano anche le qualità pittoriche dell’opera, chiarendo che non è destinato ad essere una rappresentazione realistica del suo soggetto.