Madame Lelica

Avis Berman

Roy Lichtenstein è stato uno degli artisti più influenti e innovativi della seconda metà del XX secolo., Egli è preminentemente identificato con la Pop Art, un movimento ha contribuito origine, e i suoi primi dipinti pienamente realizzati sono stati basati su immagini da fumetti e pubblicità e resi in uno stile che imita i processi di stampa grezzi di riproduzione giornale. Questi dipinti rinvigorirono la scena artistica americana e alterarono la storia dell’arte moderna., Il successo di Lichtenstein è stato accompagnato dalla sua attenzione ed energia, e dopo il suo trionfo iniziale nei primi anni 1960, ha continuato a creare un’opera di oltre 5.000 dipinti, stampe, disegni, sculture, murales e altri oggetti celebrati per il loro ingegno e invenzione.

Roy Fox Lichtenstein nacque il 27 ottobre 1923 a New York, primo di due figli nati da Milton e Beatrice Werner Lichtenstein., Milton Lichtenstein (1893-1946) è stato un broker immobiliare di successo, e Beatrice Lichtenstein (1896-1991), una casalinga, si era formata come pianista, e ha esposto Roy e sua sorella Rénee a musei, concerti e altri aspetti della cultura di New York. Roy ha mostrato abilità artistica e musicale nella fase iniziale: ha disegnato, dipinto e scolpito come un adolescente, e ha trascorso molte ore al Museo Americano di Storia Naturale e il Museo di Arte Moderna. Suonava pianoforte e clarinetto, e sviluppò un amore duraturo per il jazz, frequentando i locali notturni di Midtown per ascoltarlo.,

Lichtenstein frequentò la Franklin School for Boys, una scuola media privata e una scuola superiore, e si diplomò nel 1940. Quell’estate studiò pittura e disegno dal modello alla Art Students League di New York con Reginald Marsh. Nel mese di settembre è entrato Ohio State University (OSU) a Columbus nel College of Education. I suoi primi idoli artistici furono Rembrandt, Daumier e Picasso, e spesso disse che Guernica (1937; Museo Reina Sofía, Madrid), allora in prestito a lungo termine al Museo d’Arte Moderna, era il suo dipinto preferito., Anche come studente universitario, Lichtenstein ha obiettato all’idea che un insieme di linee (i disegni di una persona) “era considerato brillante, e quello di qualcun altro, che potrebbe esserti sembrato migliore, era considerato nulla da quasi tutti.”le domande di i Lichtenstein sui canoni accettati del gusto sono state incoraggiate da Hoyt L. Sherman, un insegnante che ha sostenuto essere la persona che gli ha mostrato come vedere e il cui approccio all’arte basato sulla percezione ha plasmato il suo.

Nel febbraio 1943, Lichtenstein fu arruolato e fu inviato in Europa nel 1945., Come parte della fanteria, vide l’azione in Francia, Belgio e Germania. Fece schizzi durante il suo tempo in Europa e, dopo che la pace fu dichiarata lì, intendeva studiare alla Sorbona. Lichtenstein arrivò a Parigi nell’ottobre del 1945 e si iscrisse alle lezioni di lingua e civiltà francese, ma presto apprese che suo padre era gravemente malato. Tornò a New York nel gennaio 1946, poche settimane prima della morte di Milton Lichtenstein. Nella primavera dello stesso anno, Lichtenstein è tornato a OSU per completare il suo BFA e in autunno è stato invitato a unirsi alla facoltà come istruttore., Nel giugno 1949, sposò Isabel Wilson Sarisky (1921-80), che lavorava in una galleria d’arte cooperativa a Cleveland dove Lichtenstein aveva esposto le sue opere. Mentre insegnava, Lichtenstein ha lavorato al suo master, che ha ricevuto nel 1949. Durante il suo secondo stint a OSU, Lichtenstein divenne più vicino a Sherman, e ha iniziato a insegnare il suo metodo su come organizzare e unificare una composizione. Lichtenstein rimase riconoscente dell’impatto di Sherman su di lui. Ha dato il suo primo figlio il secondo nome di “Hoyt”, e nel 1994 ha donato fondi per dotare il Hoyt L. Sherman Studio Art Center a OSU.,

Tra la fine degli anni 1940 e l’inizio degli anni 1950, Lichtenstein iniziò a lavorare in serie e la sua iconografia fu tratta da immagini stampate. Il suo primo tema sostenuto, dipinti intimi e stampe nella vena di Paul Klee che ha colpito il divertimento lirico a cavalieri medievali, castelli e fanciulle, potrebbe essere stato ispirato da un libro sull’arazzo di Bayeux. Lichtenstein ha poi dato uno sguardo ironico ai dipinti di genere americano del diciannovesimo secolo che ha visto nei libri di storia, creando interpretazioni cubiste di cowboy e indiani a spillo con una fantasia finto-primitiva.,

Come con i suoi dipinti Pop più celebri degli anni ‘ 60, Lichtenstein gravitava verso quello che avrebbe caratterizzato come l’oggetto visivo “più stupido” o “peggiore” che potesse trovare e poi ha continuato a modificarlo o migliorarlo. Nel 1960, l’arte commerciale è stata considerata sotto disprezzo dal mondo dell’arte; nei primi anni 1950, con l’ascesa dell’espressionismo astratto, narrativa americana del XIX secolo e dipinti di genere erano al nadir della loro reputazione tra i critici e collezionisti. La parafrasi, in particolare la parafrasi di immagini disprezzate, divenne una caratteristica fondamentale dell’arte di Lichtenstein., Ben prima di trovare il suo modo di espressione nel 1961, Lichtenstein ha richiamato l’attenzione sull’artificio delle convenzioni e del gusto che permeavano l’arte e la società. Ciò che altri hanno respinto come banale lo affascinava come classico e idealizzato-nelle sue parole, ” un soggetto mitologico puramente americano.”ii

Il contratto di insegnamento di Lichtenstein all’OSU non fu rinnovato per l’anno accademico 1951-52, e nell’autunno del 1951 lui e Isabel si trasferirono a Cleveland. Isabel Lichtenstein divenne una decoratrice d’interni specializzata in design moderno, con una clientela proveniente da ricche famiglie di Cleveland., Mentre la sua carriera è sbocciata, Lichtenstein non ha continuato a insegnare a livello universitario. Ha avuto una serie di lavori part-time, tra cui disegnatore industriale, designer di mobili, vetrinista e quadranti meccanici di rendering per una società di strumenti elettrici. In risposta a queste esperienze, introdusse nei suoi dipinti e stampe motori, valvole e altri elementi meccanici resi in modo bizzarro. Nel 1954, il primo figlio dei Lichtenstein, David, nacque; due anni dopo, il loro secondo figlio, Mitchell, seguì., Nonostante la relativa mancanza di interesse per il suo lavoro a Cleveland, Lichtenstein ha fatto posto il suo lavoro con i concessionari di New York, che ha sempre contato immensamente per lui. Ha avuto la sua prima mostra personale alla Carlebach Gallery di New York nel 1951, seguita da una rappresentazione con la John Heller Gallery dal 1952 al 1957.

Per recuperare la sua carriera accademica e avvicinarsi a New York, Lichtenstein ha accettato una posizione come assistente professore presso la State University di New York a Oswego, nella parte settentrionale dello stato. Fu assunto per insegnare disegno industriale, a partire dal settembre 1957., Oswego si rivelò più geograficamente ed esteticamente isolato di Cleveland, ma la mossa fu propizia, sia per la sua arte che per la sua carriera. Lichtenstein si staccò dalla rappresentazione a uno stile completamente astratto, applicando ampie fasce di pigmento alla tela trascinando la vernice sulla sua superficie con uno straccio avvolto attorno al braccio. Allo stesso tempo, Lichtenstein stava incorporando personaggi dei fumetti come Topolino e Paperino in sfondi espressionistici e bruschi., Nessuno dei dipinti proto-cartoon di questo periodo sopravvive, ma diversi studi a matita e pastello di quel tempo, che ha conservato, documentano le sue intenzioni. Infine, quando era a Oswego, Lichtenstein ha incontrato Reginald Neal, il nuovo capo del dipartimento d’arte al Douglass College, il collegio femminile della Rutgers University, a New Brunswick, New Jersey. La scuola stava rafforzando e ampliando il suo programma di studio artistico, e quando Neal aveva bisogno di aggiungere un membro della facoltà al suo dipartimento, Lichtenstein è stato invitato a fare domanda per il lavoro., Lichtenstein è stato offerto il posto di assistente professore, e ha iniziato a insegnare a Douglass nel settembre 1960.

A Douglass, Lichtenstein fu gettato in un vortice di fermento artistico. Con i musei e le gallerie di New York a un’ora di distanza, e i colleghi Geoffrey Hendricks e Robert Watts a Douglass e Allan Kaprow e George Segal a Rutgers, l’ambiente non poteva fare a meno di galvanizzarlo. Nel giugno 1961, Lichtenstein tornò all’idea che aveva ingannato in Oswego, che era quella di combinare personaggi dei cartoni animati dai fumetti con sfondi astratti., Ma, come ha detto Lichtenstein, ” non mi venne in mente di farlo imitando lo stile cartone animato senza la texture della vernice, linea calligrafica, modulazione—tutte le cose coinvolte in espressionismo.”iii Più famoso, Lichtenstein si appropriò dei Benday dots, il minuscolo motivo meccanico usato nell’incisione commerciale, per trasmettere texture e gradazioni di colore—un linguaggio stilistico sinonimo del suo soggetto. I punti sono diventati un dispositivo marchio di fabbrica per sempre identificato con Lichtenstein e Pop Art., Lichtenstein potrebbe non aver calibrato immediatamente la profondità della sua svolta, ma si è reso conto che l’influenza piatta e la presentazione impassibile del pannello a fumetti fatto saltare in aria e riorganizzato nel modo Sherman-flesso “era molto più avvincente”iv rispetto all’astrazione gestuale che aveva praticato.

Tra i primi dipinti esistenti in questa nuova modalità—basata su strisce a fumetti e illustrazioni da pubblicità—erano Braccio di Ferro e Look Mickey, che sono stati rapidamente seguiti da L’anello di fidanzamento, Ragazza con palla e Step-on Può con gamba., Kaprow riconobbe l’energia e la radicalità di queste tele e fece in modo che Lichtenstein le mostrasse a Ivan Karp, direttore della Galleria Leo Castelli. Castelli era il principale rivenditore di arte contemporanea di New York, e aveva messo in scena mostre di riferimento di Jasper Johns e Robert Rauschenberg nel 1958 e Frank Stella nel 1960., Karp fu subito attratto dai dipinti di Lichtenstein, ma Castelli fu più lento a prendere una decisione, in parte a causa delle radici plebee dei dipinti nell’arte commerciale, ma anche perché, sconosciuto a Lichtenstein, altri due artisti erano recentemente venuti alla sua attenzione—Andy Warhol e James Rosenquist—e Castelli era pronto solo per uno di loro. Dopo alcune deliberazioni, Castelli scelse di rappresentare Lichtenstein, e la prima mostra dei dipinti a fumetti si tenne alla galleria dal 10 febbraio al 3 marzo 1962. Lo spettacolo ha fatto il tutto esaurito e ha reso famoso Lichtenstein., Al momento della seconda mostra personale di Lichtenstein a Castelli nel settembre 1963, il suo lavoro era stato esposto in musei e gallerie in tutto il paese. Egli è stato di solito raggruppati con Johns, Rauschenberg, Warhol, Rosenquist, Segal, Jim Dine, Claes Oldenburg, Robert Indiana e Tom Wesselmann. Presi insieme, il loro lavoro è stato visto come uno schiaffo in faccia all’espressionismo astratto e, in effetti, gli artisti Pop hanno spostato l’attenzione da molti membri della Scuola di New York.,

Con l’avvento del successo critico e commerciale, Lichtenstein ha apportato cambiamenti significativi nella sua vita e ha continuato a indagare nuove possibilità nella sua arte. Dopo la separazione dalla moglie, si trasferì dal New Jersey a Manhattan nel 1963; nel 1964, si dimise dalla sua posizione di insegnante a Douglass per concentrarsi esclusivamente sul suo lavoro. L’artista si è anche avventurato oltre i soggetti dei fumetti, dipingendo dipinti a base di oli di Cézanne, Mondrian e Picasso, così come nature morte e paesaggi.,

Lichtenstein divenne un prolifico stampatore e si espanse nella scultura, che non aveva tentato dalla metà degli anni 1950, e in entrambi i pezzi bidimensionali e tridimensionali, impiegò una serie di materiali industriali o “non artistici” e progettò oggetti editati prodotti in serie che erano meno costosi dei dipinti e delle sculture tradizionali. Partecipando a uno di questi progetti—l’American Supermarket show del 1964 alla Galleria Paul Bianchini, per la quale disegnò una shopping bag—Lichtenstein incontrò Dorothy Herzka (nata nel 1939), dipendente della galleria, che sposò nel 1968. , La fine degli anni sessanta vide anche le prime indagini museali di Lichtenstein: nel 1967 il Pasadena Art Museum iniziò una retrospettiva itinerante, nel 1968 lo Stedelijk Musem di Amsterdam presentò la sua prima retrospettiva europea, e nel 1969 ebbe la sua prima retrospettiva newyorkese, al Solomon R. Guggenheim Museum.

Volendo crescere, Lichtenstein si allontanò dai soggetti dei fumetti che lo avevano portato alla ribalta. Alla fine degli anni ‘ 60 il suo lavoro divenne meno narrativo e più astratto, mentre continuava a meditare sulla natura dell’impresa artistica stessa., Ha iniziato a esplorare e decostruire la nozione di pennellate – gli elementi costitutivi della pittura occidentale. Le pennellate sono convenzionalmente concepite come veicoli di espressione, ma Lichtenstein le ha trasformate in un soggetto. Gli artisti moderni hanno tipicamente sostenuto che il soggetto di un dipinto è la pittura stessa. Lichtenstein ha preso questa idea un ulteriore passo fantasioso: un elemento compositivo potrebbe servire come oggetto di un’opera e rendere vero quell’anello di bromuro.,

La ricerca di nuove forme e fonti fu ancora più enfatica dopo il 1970, quando Roy e Dorothy Lichtenstein acquistarono proprietà a Southampton, New York, e ne fecero la loro residenza principale. Durante il fertile decennio degli anni ‘ 70, Lichtenstein ha sondato un aspetto della percezione che lo aveva costantemente preoccupato: quanto facilmente l’irreale sia convalidato come reale perché gli spettatori hanno accettato così tante concezioni visive che non analizzano ciò che vedono., Nella serie degli specchi, si occupava di luce e ombra sul vetro, e nella serie delle Trabeazioni, considerava gli stessi fenomeni astraendo elementi architettonici di Beaux-Art come cornici, dentelli, capitelli e colonne. Allo stesso modo, Lichtenstein ha creato pionieristico dipinto scultura in bronzo che sovvertito la tridimensionalità convenzionale del mezzo e la permanenza. Le forme bronzee erano il più piatte e sottili possibile, più legate alla linea che al volume, e rappresentavano le sensazioni più fuggevoli: riccioli di vapore, raggi di luce e riflessi sul vetro., Il vapore, i riflessi e l’ombra erano segni per se stessi che sarebbero immediatamente riconosciuti come tali da qualsiasi spettatore.

Un’altra intera panoplia di opere prodotte durante gli anni ‘ 70 sono stati complessi incontri con il cubismo, il Futurismo, il purismo, il surrealismo e l’espressionismo. Lichtenstein espanse la sua tavolozza oltre il rosso, il blu, il giallo, il nero, il bianco e il verde, e inventò e combinò forme. Non stava semplicemente isolando le immagini trovate, ma giustapponendole, sovrapponendole, frammentandole e ricomponendole., Nelle parole dello storico dell’arte Jack Cowart, le composizioni virtuosistiche di Lichtenstein erano “un ricco dialogo di forme-tutte modificate intuitivamente e rilasciate dalle loro fonti nominali.”v Nei primi anni 1980, che ha coinciso con il ripristino di uno studio a New York City, Lichtenstein era anche all’apice di una carriera murale occupato. Nel 1960 e 1970, aveva completato quattro murales; tra il 1983 e il 1990, ha creato cinque. Ha anche completato importanti commissioni per sculture pubbliche a Miami Beach, Columbus, Minneapolis, Parigi, Barcellona e Singapore.,

Lichtenstein ha creato tre serie principali nel 1990, ogni emblematico del suo interesse continuo per risolvere problemi pittorici. Gli interni, tele di dimensioni mural ispirate a una minuscola pubblicità in un elenco telefonico italiano, approfondiscono nuovamente le ambiguità percettive dei riflessi di finestre e specchi. I nudi riprendono il tema delle donne in una modalità romance-comic, che Lichtenstein aveva introdotto nel 1960 e amplificato in lussureggianti scene di spiaggia di ispirazione surrealista nel 1970., Come per gli interni, vi è ampia citazione di elementi di tele precedenti, i mobili del mondo dipinto di Lichtenstein. Ha anche usato la serie per indagare la miscelazione chiaroscuro (che ha ideato con punti e ombreggiatura) con aree piatte di colore. Questo effetto è stato portato a un passo finale nei suoi paesaggi cinesi, l’incontro finale di Lichtenstein con una tradizione artistica monumentale—e uno dei suoi più sottili. Le configurazioni di terra, acqua, montagne e aria presenti nei dipinti e nelle pergamene della dinastia Song sono simulate da campi dolcemente alla deriva di punti graduati., Nessuna delle consuete linee nere di Lichtenstein definisce le forme monocromatiche, che esaltano la qualità contemplativa e astratta della serie.

Nell’agosto 1997, Lichtenstein si ammalò di polmonite. Morì inaspettatamente di complicazioni dalla malattia il 29 settembre 1997, all’età di 73 anni, a New York City.