c’est une série de peintures où les nuances de bleu dominent chaque pièce et l’ambiance qui imprègne ces œuvres est celle d’une profonde mélancolie.
bien qu’elles puissent paraître parfois sombres et sentimentales, dans toute l’actualité, les peintures créées pendant la période bleue de Picasso sont des expressions profondément poétiques de la pauvreté, de la fragilité, de la dépression sévère et de la vulnérabilité.
beaucoup de sujets sont les pauvres et les exclus brisés de la société. Les peintures de cette série sont sombres, mais contiennent des couches infinies de beauté et d’humanité à l’intérieur.,
compte tenu de toutes les différentes phases de L’évolution de Picasso en tant qu’artiste, on pourrait soutenir qu’aucune autre période de la longue et fascinante carrière de Pablo Picasso ne contient autant de poids émotionnel et de complexité humaine de la même manière que la période bleue de Picasso (1901-1904).
Ce serait une chose très inhabituelle de rencontrer une personne qui n’avait jamais entendu parler de L’artiste espagnol Pablo Picasso. Les œuvres de Picasso sont si répandues dans le monde, et son influence si immense, que la plupart des gens ont certaines images qui viennent à l’esprit quand ils entendent le nom de Pablo Picasso.,
souvent, les images évoquées dans l’imagination peuvent être des portraits surréalistes et cubistes d’objets divers et de visages intéressants. Pour beaucoup, ils pourraient penser au célèbre tableau, Guernica, de 1937. D’autres peuvent encore penser à quelque chose d’avant cette période cubiste.
quelque chose de plus léger, et plus doux, comme l’une des nombreuses œuvres de la période Rose de Picasso (1904-1906) quand il a peint des œuvres notables comme garçon à la pipe en 1905 (Garçon à la pipe) et son Portrait de Gertrude Stein en 1906.
l’heure et le lieu précis où la période bleue a commencé sont incertains., Cependant, ce que l’on sait, c’est que ses débuts se produisent à peu près en même temps que Picasso a connu un traumatisme personnel qui a provoqué une dépression profonde et durable. La période bleue a commencé soit en Espagne au printemps 1901, soit peut-être à Paris plus tard cette même année. En février 1901, Pablo Picasso était au milieu d’un voyage à travers L’Espagne, et son ami proche, L’étudiant en art espagnol et poète Carlos Casagemas était au café L’Hippodrome à Paris.,
Les deux jeunes gens avaient voyagé ensemble, mais Casagemas est revenu seul à Paris, le cœur brisé à cause de son amour non partagé pour une femme mariée nommée Germaine Gargallo Florentin. Un soir à Paris, alors qu’il dîne avec Germaine et quelques amis à l’Hippodrome, Casagemas se perd dans l’alcool. Ce soir-là, vers neuf heures, il sort un revolver et tire sur Germaine avant de retourner L’arme contre lui et de se tirer une balle dans la tête. Heureusement, la balle n’a touché que la tempe de Germaine et elle a survécu. Carlos Casagemas, seulement 20 ans, ne l’a pas fait.,
même si Picasso lui-même n’était pas présent à L’horrible événement qui a eu lieu au café L’Hippodrome cette nuit-là, l’incident l’a ébranlé, et la perte tragique de son ami a eu un impact significatif sur son art dans les jours et les mois qui ont suivi. Picasso est retourné à Paris et a sombré dans une profonde dépression. Il a dormi dans la chambre où Casagemas est resté, a passé du temps avec le même groupe d’amis, et est même devenu romantiquement impliqué avec Germaine.
il n’y avait aucun moyen d’échapper aux rappels constants de son ami perdu. Un changement radical est apparu dans son travail., Il a ensuite déclaré: « Quand J’ai réalisé que Casagemas était mort, j’ai commencé à peindre en bleu. »Picasso a créé plusieurs peintures monochromes dans diverses nuances de bleu, réchauffées sporadiquement par d’autres couleurs. Alors que ces pièces aux tons bleus étaient un reflet fort et clair de l’angoisse intérieure, elles offraient également un aperçu d’autre chose.
de nombreuses œuvres de la période bleue de Picasso sont des représentations frappantes des membres oubliés ou rejetés de la société, dont beaucoup ont été rassemblés dans les prisons, les rues et les caniveaux de Paris; mendiants, oursins et prostituées., Une expérience qui a eu une forte influence sur ses œuvres de la période bleue a été la visite d’une prison pour femmes. Beaucoup de sujets sont des figures solitaires: mères solitaires, vieillards, fragiles, aveugles et émaciés. Pourtant, beaucoup d’autres sont des représentations posthumes de son cher ami disparu, Carlos Casagemas.
la mort de Casagemas (la mort de Casagemas) a été peinte en 1901, appartenant donc à la période bleue de Picasso, mais dépourvue des variations dominantes et austères du bleu. Cependant, alors que le spectateur regarde le visage de pauvres Casagemas au repos dans son cercueil, la résonance émotionnelle est presque palpable., Le deuil et l’horreur que l’artiste tente de traiter et d’exorciser avec son art sont indéniables. Alors que de nombreuses peintures aux tons bleus plus forts véhiculent une sorte de deuil tranquille, la mort de Casagemas est un cri de chagrin fort et angoissé.
dans une autre peinture à l’huile de la même année, Evocation, L’Enterrement de Casagemas, la couleur bleue a pris le dessus sur la toile. Deux scènes se déroulent dans ce tableau. Dans la moitié inférieure, se trouve le rite terrestre et mondain d’un enterrement. Casagemas, étant enterré dans le sol, est entouré de personnes en deuil., Leurs corps sont affalés, pliés, certains tiennent leur visage dans leurs mains tandis que d’autres s’embrassent dans les expressions physiques familières du chagrin. Au-dessus, les cieux s’ouvrent pour accueillir les Casagemas. Un cavalier crucifié à cheval, symbole de l’ascension de l’âme, s’élève à travers la scène, attirant l’œil du spectateur vers le cheval blanc brillant. C’est une expression émouvante des dernières volontés de l’artiste pour son ami qui nous a transmis.
plusieurs œuvres de la période bleue commémorent les Casagemas, mais la plus difficile et la plus envoûtante d’entre elles est peut-être La Vie, ou la vie, peinte en 1903., Entièrement composée dans différentes teintes de bleu, une femme berce un nourrisson tout en faisant face à une jeune femme nue embrassant un homme, qui est une représentation de Casagemas. Deux tableaux sont visibles en arrière-plan, l’un représentant un couple en détresse, et l’autre en dessous d’un homme solitaire et froissé, évidemment l’artiste lui-même. Casagemas s’avance, une main faisant un geste vers l’enfant. Alors que Picasso n’a jamais fait un effort pour faire comprendre la peinture, déclarant que » une peinture, pour moi, parle par elle-même, à quoi sert-elle, après tout, de donner des explications?, »pourtant, certains aspects de la pièce peuvent être clairement identifiés. Casagemas est actif, gesticulant et communiquant. Il a un amant dans la femme nue le tenant près. Il y a des images de proximité et d’amour familial, comme si l’artiste imaginait un résultat différent pour son ami, un avec les amants et la famille, et la vie.
Une autre des œuvres les plus célèbres de Picasso de la période bleue est le tableau, Le Vieux guitariste (1903). Triste et monochrome, Le Vieux guitariste représente un homme mince et hagard penché sur sa grande guitare., La couleur brune de l’instrument est le seul contraste avec le bleu qui domine le reste de la toile. Peut-être que cela pourrait suggérer que la guitare, se démarquant du reste de la scène, est un point lumineux, un moyen de réconfort dans la vie de l’homme solitaire. Les yeux du vieil homme sont fermés, suggérant la cécité. Pourtant, il symbolise aussi une aversion à regarder le monde de la manière habituelle, comme si ce mendiant, avec sa musique, possédait une vision qui s’étend au-delà du monde banal., La cécité, ou des individus apparemment aveugles qui ont été marginalisés ou endurant d’une manière ou d’une autre la privation sont un thème commun à travers les œuvres de la période bleue de Picasso. Des tableaux tels que The Blind Man’s Meal (1903) et The Frugal Repast (1904) explorent des ambiances et des images similaires à celles du Vieux guitariste.
Une caractéristique intéressante à noter sur le Vieux guitariste est le visage fantomatique d’une femme juste au-dessus de l’oreille du guitariste. À travers les nuances bleu-gris des cheveux du vieil homme, elle apparaît, vaguement. Il s’agit en fait d’un vestige d’une œuvre de Picasso abandonnée qu’il a peinte., L « image fantôme a incité un examen plus approfondi, et il a ensuite été radiographié, découvrant qu » un portrait d « une jeune femme assise allaitant un nourrisson se cachait sous la peinture à l » huile qui a donné naissance au Vieux guitariste.
alors que Casagemas dans son cercueil a marqué le début de la période bleue de Picasso, on pourrait soutenir que le Vieux guitariste est le plus emblématique de cette phase de la carrière de L’artiste., Il représente parfaitement le bleu monochrome qui était la marque de cette période, mais aussi l’humeur et le sujet; les formes aplaties, la représentation sympathique des opprimés, trouver l’humanité et la beauté dans des sujets que de nombreux membres de la société auraient jugés laids ou oubliables porte une grande résonance émotionnelle. Et pour Picasso lui-même, cette pièce a peut-être également eu une signification particulière, car elle a marqué un tournant dans sa carrière quelques années plus tard., En 1926, Le Vieux guitariste a été acquis par un musée américain à Chicago, ce qui en fait la première acquisition d’un tableau de Picasso par un musée dans le monde pour une collection permanente. Heureusement, il n’était que le premier de beaucoup.
comme beaucoup de ses prédécesseurs et contemporains, Pablo Picasso a réalisé divers autoportraits tout au long de sa carrière. Toutes ces ressemblances sont remarquables à étudier, car chacune révèle une progression non seulement dans le style artistique et la maturité, mais une évolution similaire au sein de l’artiste lui-même en tant qu’être humain., Autoportrait 1901 donne un aperçu de Picasso au début de la période bleue. Si cette période a commencé avec la mort de Casagemas, on pourrait aussi dire que la période a été construite sur les bases de cet autoportrait.
dans ce tableau, nous regardons un jeune homme à l’âge de 20 ans. Cependant, l’apparence semble être celle d’un homme beaucoup plus âgé. Le col haut de son manteau d’hiver est boutonné jusqu’à son visage. Son visage est pâle et gaunt, l’expression sous sa barbe scraggly intensément sombre., Le portrait traduit la morosité de sa vie à cette époque; la pauvreté, le deuil et l’hiver rude, froid et Parisien. Picasso expose et met à nu ses difficultés et sa détresse émotionnelle, tout en conservant un air distinctif de dignité, malgré la solitude et la tristesse qu’il porte.
ce que Pablo Picasso a réalisé pendant sa période bleue était quelque chose qui, à l’époque, était complètement sans précédent. Toutes ses peintures de 1901-1903 semblaient presque comme s’il avait commencé à voir le monde à travers des lunettes teintées d’Azur., C’était le résultat d’un exercice de création de scènes dans des conditions de faible luminosité, mais cette coloration et cet ombrage créent également une mystique macabre dans les peintures, conférant un sentiment de mort et de mélancolie. Au cours de sa vie, Picasso a créé des peintures et d’autres œuvres d’art dans des styles variés. Beaucoup peuvent être regroupés en fonction de l’humeur, de la palette de couleurs, du sujet, de l’utilisation de l’espace et de la composition, mais aucun autre groupe ne se distingue plus que ceux appartenant à la période bleue., Alors qu’il était souvent capable d’imiter le travail de ces artistes qu’il admirait, comme El Greco, ou Van Gogh, Picasso a toujours réussi à produire des œuvres d’art entièrement originales. Cette capacité à imiter les styles et les méthodes d’autres peintres tout en créant son propre travail révolutionnaire était un trait unique à Picasso.
en 1904, L’évolution de Picasso en tant qu’artiste était entrée dans une nouvelle phase, et sa période Rose a commencé, qui a duré jusqu’en 1906. C’est à cette époque que ses peintures ont commencé à prendre un ton plus lumineux et plus joyeux., Contrairement aux humeurs, aux couleurs et aux sujets de ses peintures de la période bleue, la période Rose de Picasso représente des clowns, des acrobates, des arlequins et des artistes de cirque. Cette gamme de personnages comiques sont rendus dans des tons chauds d’orange et de rose. Au début de la période Rose, Picasso entre en relation avec une artiste bohème du nom de Fernande Olivier., Ce ton et ce style plus légers n’étaient pas seulement fortement influencés par la chaleur de sa relation amoureuse, mais étaient également le reflet de sa vie à Paris à l’époque, qui était animée et vivante avec une culture de cirque bohème colorée. En fait, d’innombrables vestiges de ces personnages de la période Rose et du Paris créatif et bohème de Picasso (le quartier de Montmartre, en particulier) peuvent encore être vus aujourd’hui en se promenant dans les rues.
on pourrait imaginer que la profonde dépression de Picasso qui a inspiré sa période bleue était arrivée et se terminait avec le début de la période Rose., Malheureusement, ce n’est pas le cas, car son état émotionnel mélancolique a duré un certain temps, ne se dissipant complètement que vers le début de sa période cubiste. Alors que l’on ne peut qu’imaginer l’intensité de son deuil et de son angoisse en regardant la série de peintures appartenant à la période bleue de Picasso, il y a encore quelque chose d’universel dans les images rendues dans ces sombres nuances de bleu auxquelles à peu près tout le monde peut se rapporter. Les sentiments de perte et de solitude peuvent être compris par n’importe qui., Non seulement ces peintures parlent de tristesse individuelle, mais le pathos représenté dans les images de mendiants, de prostituées et de personnes pauvres, aveugles et désespérées sont un miroir saisissant de L’époque dans laquelle Picasso vivait, et bien qu’il ne l’ait probablement pas prédit, les opprimés qui existent encore dans les nuances de bleu aujourd’hui.