Madame Lelica

tout au long de l’ère Baroque, de nouveaux développements dans la musique ont pris naissance en Italie, après quoi il a fallu jusqu’à 20 ans avant qu’ils ne soient largement adoptés dans le reste de la pratique de la musique classique occidentale. Par exemple, les compositeurs italiens sont passés au style galant vers 1730, tandis que les compositeurs allemands tels que Johann Sebastian Bach ont largement continué à écrire dans le style baroque jusqu’en 1750.,>1680-1700

musique baroque ancienne (1580-1650)modifier

La Camerata Florentine était un groupe d’humanistes, de musiciens, de poètes et d’intellectuels de la fin de la Renaissance Florence qui se réunissaient sous le patronage du comte Giovanni de’ Bardi pour discuter et guider les tendances, En référence à la musique, ils ont fondé leurs idéaux sur une perception du drame musical classique (en particulier du grec ancien) qui valorisait le discours et l’oraison. En conséquence, ils rejetaient l’utilisation par leurs contemporains de la polyphonie (lignes mélodiques multiples et indépendantes) et de la musique instrumentale, et discutaient de dispositifs musicaux Grecs anciens comme la monodie, qui consistait en un chant solo accompagné d’une kithara (un ancien instrument à cordes grattées). Les premières réalisations de ces idées, y compris Dafne et L’Euridice de Jacopo Peri, ont marqué le début de l’opéra, qui a été un catalyseur pour la musique Baroque.,

en ce qui concerne la théorie musicale, l’utilisation plus répandue de la basse figurée (également connue sous le nom de basse approfondie) représente l’importance croissante de l’harmonie en tant que fondement linéaire de la polyphonie. L’harmonie est le résultat final du contrepoint, et la basse figurée est une représentation visuelle de ces harmonies couramment utilisées dans la performance musicale. Avec la basse figurée, les chiffres, les altérations ou les symboles étaient placés au-dessus de la ligne de basse qui était lue par les joueurs d’instruments à clavier tels que les clavecinistes ou les organistes à tuyaux (ou luthistes)., Les chiffres, les altérations ou les symboles indiquent au claviériste quels intervalles doivent être joués au-dessus de chaque note de basse. Le claviériste improvise un accord pour chaque note de basse. Les compositeurs ont commencé à se préoccuper des progressions harmoniques, et ont également utilisé le triton, perçu comme un intervalle instable, pour créer la dissonance (il a été utilisé dans l’accord de septième de dominante et l’accord diminué)., Un intérêt pour l’harmonie avait également existé chez certains compositeurs de la Renaissance, notamment Carlo Gesualdo; cependant, l’utilisation de l’harmonie dirigée vers la tonalité (un accent sur une clé musicale qui devient la « note d’accueil » d’une pièce), plutôt que la modalité, marque le passage de la Renaissance à la période Baroque. Cela a conduit à l’idée que certaines séquences d’accords, plutôt que de simples notes, pourraient fournir un sentiment de fermeture à la fin d’une pièce—l’une des idées fondamentales qui est devenue connue sous le nom de tonalité.,

en incorporant ces nouveaux aspects de la composition, Claudio Monteverdi a favorisé la transition du style musical de la Renaissance à celui de la période Baroque. Il a développé deux styles de composition individuels – l’héritage de la polyphonie de la Renaissance (prima pratica) et la nouvelle technique de basse continue du Baroque (seconda pratica). Avec la Basse Continue, un petit groupe de musiciens jouait la ligne de basse et les accords qui formaient l’accompagnement d’une mélodie., Le groupe de basse continue utiliserait généralement un ou plusieurs claviéristes et un luth qui jouerait la ligne de basse et improviserait les accords et plusieurs instruments de basse (par exemple, viole de basse, violoncelle, contrebasse) qui jouerait la ligne de basse. Avec L’écriture des opéras L’Orfeo et L’incoronazione di Poppea entre autres, Monteverdi a attiré une attention considérable sur ce nouveau genre. Ce style vénitien a été emmené haut la main en Allemagne par Heinrich Schütz, dont le style diversifié a également évolué dans la période suivante.

Les textures instrumentales idiomatiques sont devenues de plus en plus importantes., En particulier, le style luthé—la rupture irrégulière et imprévisible des progressions d’accords, contrairement à la structure régulière des accords brisés—appelé depuis le début du 20e siècle style brisé, a été établi comme une texture cohérente dans la musique française par Robert Ballard, dans ses livres de luth de 1611 et 1614, et par Ennemond Gaultier., Cette figuration idiomatique du luth a ensuite été transférée au clavecin, par exemple dans la musique pour clavier de Louis Couperin et Jean-Henri d’Anglebert, et a continué à avoir une influence importante sur la musique pour clavier tout au long du 18e et du début du 19e siècle (dans, par exemple, la musique de Johann Sebastian Bach et Frédéric Chopin).

musique baroque moyenne (1630-1700)Edit

l’essor de la Cour centralisée est l’une des caractéristiques économiques et politiques de ce que l’on appelle souvent L’ère de L’absolutisme, personnifié par Louis XIV de France., Le style du palais et le système de Cour des mœurs et des arts qu’il a favorisés sont devenus le modèle pour le reste de l’Europe. Les réalités du mécénat croissant de l’Église et de l’État ont créé la demande de musique publique organisée, comme la disponibilité croissante des instruments a créé la demande de musique de chambre, qui est de la musique pour un petit ensemble d’instrumentistes.

Jean-Baptiste Lully est un exemple éminent de compositeur à la Cour. Il a acheté des brevets à la monarchie pour être le seul compositeur d’opéras pour le roi de France et pour empêcher d’autres d’avoir des opéras mis en scène., Il a terminé 15 tragédies lyriques et laissé inachevé Achille et Polyxène. Lully est un exemple précoce de chef d’orchestre; il bat le temps avec un grand personnel pour maintenir ses ensembles ensemble.

musicalement, il n’établit pas la norme à cordes dominées pour les orchestres, héritée de l’opéra italien, et la disposition à cinq parties typiquement française (violons, altos-en tailles hautes-contre, tailles et quintes—et violons basses) avait été utilisée dans le ballet depuis L’époque de Louis XIII., Il introduisit cependant cet ensemble au Théâtre Lyrique, les parties supérieures étant souvent doublées par des flûtes à bec, des hautbois et des hautbois, et la basse par des Bassons. Des trompettes et des tambours étaient fréquemment ajoutés pour les scènes héroïques.

la période Baroque Moyenne en Italie est définie par l’émergence des styles vocaux de la cantate, de l’oratorio et de l’opéra au cours des années 1630, et un nouveau concept de mélodie et d’harmonie qui a élevé le statut de la musique à l’égalité avec les mots, qui auparavant étaient considérés comme prééminents., La monodie fleurie et coloratura du début du Baroque a cédé la place à un style mélodique plus simple et plus poli. Ces mélodies ont été construites à partir de courtes idées cadentiellement délimitées souvent basées sur des motifs de danse stylisés tirés de la sarabande ou de la courante. Les harmonies, aussi, pourraient être plus simples que dans la première monodie Baroque, pour montrer l’expression d’une manière plus légère sur la corde et crescendos et diminuendos sur des notes plus longues., Les lignes de basse qui l’accompagnaient étaient plus intégrées à la mélodie, produisant une équivalence contrapuntique des parties qui a conduit plus tard au dispositif d’une anticipation de basse initiale de la mélodie de l’aria. Cette simplification harmonique a également conduit à un nouveau dispositif formel de différenciation du récitatif (une partie plus parlée de l’opéra) et de l’aria (une partie de l’Opéra utilisant des mélodies chantées)., Les plus importants innovateurs de ce style étaient les Romains Luigi Rossi et Giacomo Carissimi, qui étaient principalement des compositeurs de cantates et d’oratorios, respectivement, et le Vénitien Francesco Cavalli, qui était principalement un compositeur d’Opéra. Antonio Cesti, Giovanni Legrenzi et Alessandro Stradella sont plus tard d’importants praticiens de ce style.,

Arcangelo Corelli est connu comme influent pour ses réalisations sur l’autre côté de la technique musicale—en tant que violoniste qui a organisé la technique et la pédagogie du violon—et dans la musique purement instrumentale, en particulier son plaidoyer et le développement du concerto grosso. Alors que Lully était installé à la Cour, Corelli a été l’un des premiers compositeurs à publier largement et à faire jouer sa musique dans toute l’Europe., Comme pour la stylisation et l’organisation de L’Opéra de Lully, Le concerto grosso est construit sur de forts contrastes—les sections alternent entre celles jouées par l’orchestre complet et celles jouées par un groupe plus restreint. La dynamique était « en terrasse », c’est-à-dire avec une transition nette du fort au doux et inversement. Les sections rapides et les sections lentes étaient juxtaposées les unes contre les autres. Parmi ses élèves se trouve Antonio Vivaldi, qui composa plus tard des centaines d’œuvres basées sur les principes des sonates en trio et des concerti de Corelli.,

contrairement à ces compositeurs, Dieterich Buxtehude n’était pas une créature de cour mais plutôt un musicien d’Église, occupant les postes d’organiste et de Werkmeister à la Marienkirche de Lübeck. Ses fonctions de Werkmeister impliquaient d’agir en tant que secrétaire, trésorier et directeur commercial de l’église, tandis que son poste d’organiste comprenait jouer pour tous les services principaux, parfois en collaboration avec d’autres instrumentistes ou chanteurs, qui étaient également payés par l’Église., Tout à fait en dehors de ses fonctions officielles dans l’Église, il a organisé et dirigé une série de concerts connue sous le nom D’Abendmusiken, qui comprenait des représentations d’œuvres dramatiques sacrées considérées par ses contemporains comme l’équivalent d’opéras.

France:

• Denis Gaultier
• Jean-Henri D’Anglebert
• Jacques Champion de Chambonnières
• Louis Couperin

musique baroque tardive (1680-1750)Edit

L’œuvre de George Frideric Haendel, Johann Sebastian Bach et leurs contemporains, y compris Domenico Scarlatti, Antonio Vivaldi, Jean-Philippe Rameau, Georg Philipp Telemann et d’autres ont fait avancer L’époque baroque à son apogée.

• un.k.un.,il y a quelques années, il y avait eu un grand nombre de concerts en Italie, en Italie, en Italie, en Italie, en Italie, en Italie, en Italie, en Italie, en Italie, en Italie, en Italie, en Italie, en Italie, en Italie, en Italie, en Italie, en Italie, en Italie, en Italie, en Italie, en Italie, en Italie, en Italie, en Italie, en Italie, en Italie, en Italie, en Italie, en Italie, en Italie, en Italie, en Italie, en Italie, en Italie, en Italie, en Italie, en Italie, en Italie, en Italie, en Benedetto Marcello
• Francesco Geminiani
• Peter Smith
• Giovanni Battista Pergolesi
• Nicola Porpora
• Giuseppe Tartini
• Francesco Maria Veracini

prolifération

• Erdmann Neumeister
• Estienne Roger, L’Estro Armonico
• En visite en Italie, et.,G. Johann Kuhnau, Johann David Heinichen, Gottfried Heinrich Stölzel
• italiens à l’étranger, y compris Domenico Scarlatti, Antonio Caldara, Antonio Lotti, Peter Towers

France:

• Jean-Philippe Rameau
• Joseph Bodin de Boismortier
• français à l’étranger: par exemple, Louis Marchand

Europe Centrale:

• Johann Georg Pisendel
• Georg Philipp Telemann
• Johann Sebastian Bach
• Johann Friedrich Fasch
• Jan Dismas Zelenka
• Johann Joseph Fux
• Christoph Graupner
• Johann David Heinichen
• Sylvius Leopold Weiss
• Allemands à l’étranger, par exemple, Georg Friedrich Haendel, Johann Adolf Scheibe

Transition pour Classique eraEdit

Galant de la musique:

• Johann Mattheson
• Jean-Marie Leclair
• Johann Joachim Quantz
• Johann Adolph Hasse
• Carl Heinrich Graun
• Giovanni Battista Sammartini
• Baldassare Galuppi

Bach aîné des fils et des élèves:

• Wilhelm Friedemann Bach
• Carl Philipp Emanuel Bach (empfindsamer Stil)
• Johann Gottlieb Goldberg

Mannheim école:

• Johann Stamitz