quand vous pensez à des photographes célèbres, quels noms Vous viennent en premier à l’esprit? Ansel Adams, Henri Cartier Bresson, Robert Capa, Dorothea Lange, Man Ray? Tous ces noms appartiennent à des personnages très importants qui ont laissé une marque indélébile sur le monde de la photographie. Ces photographes sont très différents en termes de genres et de sujets préférés – ce qui les relie, c’est le fait qu’ils sont encore bien connus dans le monde entier et que de nombreux photographes professionnels et amateurs de photographie regardent leurs images.,
liste des photographes célèbres
Nous allons commencer par Henri Cartier Bresson parce qu’il est peut-être le photographe célèbre le plus connu. Nous inclurons des photographes de portrait et des photographes documentaires ainsi que de nombreux noms importants de la photographie de rue, de la Mode et de la photographie de paysage.
Henri Cartier Bresson
« Pour prendre une photo, c’est pour aligner la tête, l’œil et le cœur. C’est un mode de vie.,”
— Henri Cartier Bresson—
Ce photographe français est un vrai roi de la photographie de rue. Il a rendu les scènes de la vie quotidienne mémorables grâce à ses étonnantes photographies de rue.
Cartier Bresson a témoigné des événements qui ont changé le monde, de la guerre civile espagnole à la mort de Gandhi, tout en capturant des « moments décisifs » dans la vie des gens ordinaires. Né en 1908 dans un village aux portes de Paris, Henri Cartier Bresson est considéré comme l’un des grands photographes du XXe siècle. Il devait hériter de l’entreprise textile familiale, mais l’artiste en herbe avait d’autres idées., En raison d’un manque d’accès au matériel de peinture, il a été incité à commencer à prendre des photos des personnes qu’il a rencontrées.
afin de réaliser les clichés candides pour lesquels il est connu, Cartier Bresson s’est fondu dans son environnement, n’a jamais utilisé de flash et a recouvert son appareil photo Leica chromé de ruban noir pour le rendre moins visible.
à sa mort en 2004, il laisse derrière lui un demi-million de négatifs pris en 50 ans dans plus de 40 pays. Les œuvres les plus appréciées de Cartier-Bresson étaient des instantanés de gens ordinaires, faisant des choses ordinaires, vaquant à leur vie quotidienne.,
l’expression ”moment décisif” est encore très souvent utilisée en photographie.
Ansel Adams
« Il y a toujours deux personnes dans chaque image: le photographe et le spectateur. »
—Ansel Adams—
Ansel Adams est né en 1902 et était connu pour ses images en noir et blanc de l’Ouest américain. Il est considéré comme le photographe de paysage et environnementaliste le plus important du 20ème siècle. Il a représenté l’Ouest américain de manière majestueuse.,
Adams avait quatorze ans lorsqu’il visita le Parc national de Yosemite pour la première fois avec sa famille. Il a décrit plus tard son premier point de vue, « la splendeur de Yosemite a éclaté sur moi et il était glorieux. Arcs-en-ciel de couleur vivante, éclairs et rouleaux de tonnerre. Une merveille après l’autre descendit. Il y avait de la lumière partout, et une nouvelle ère a commencé pour moi. »
pendant ce séjour, son père lui a donné son premier appareil photo, un Eastman Kodak Brownie box camera, et sa vie de photographe a commencé. Plus tard, il a souvent utilisé des caméras grand format.,
Ansel Adams avait une compréhension approfondie de la qualité spécifique de la lumière qui tombait sur un endroit spécifique à un moment précis, ce qui l’a amené à développer le système de zone, qui déterminait la relation entre l’exposition, le développement et les densités résultantes du négatif photographique. Le but du système n’était pas technique mais plutôt expressif, et il l’a utilisé pour visualiser une photographie finie avant l’exposition.
la majeure partie de L’excellent travail d’Adams en tant que photographe a été achevée en 1950., Dans sa vie ultérieure, il a consacré la majeure partie de son énergie en tant que photographe à réinterpréter son travail antérieur.
Ansel Adams est toujours l’un des photographes de paysage les plus connus.
Robert Capa
« Si vos photos ne sont pas assez bon, vous n’êtes pas assez près. »
—Robert Capa—
Robert Capa était un photographe de guerre et photojournaliste américano-hongrois et est considéré comme le plus grand photographe de combat et d’aventure de l’histoire.,
pendant la Seconde Guerre mondiale, il a couvert une grande partie des combats les plus violents en Afrique, en Sicile et en Italie pour le magazine Life. Ses photographies de L’Invasion de la Normandie sont devenues parmi les plus mémorables de la Seconde Guerre mondiale.
Robert Capa est connu pour redéfinir le photojournalisme et les images de rue en temps de guerre. C’était aussi un excellent photographe documentaire. Son travail est venu des tranchées par opposition à la perspective plus indépendante qui était le précédent.
en 1954, il part en mission pour le magazine Life en Asie du Sud-Est où il accompagne un régiment Français., Alors qu’il traversait une zone dangereuse sous le feu, le Capa, âgé de quarante ans, a quitté sa jeep pour photographier l’ennemi qui avançait lorsqu’il a marché sur une mine et a été tué.
Robert Capa était l’un des photographes de guerre les plus célèbres de tous les temps.
Dorothea Lange
« La photographie prend un instant hors du temps, modifiant la vie en la maintenant immobile., »
—Dorothea Lange—
Dorothea Lange est née à la toute fin du 19ème siècle dans des germano-américains éduqués et prospères de la première génération. Elle était l’une des meilleures photographes documentaires américaines qui ont utilisé son art pour documenter les souffrances humaines causées par la Grande Dépression des années 1930. Selon elle, la photographie n’est pas une fin en soi, mais un moyen d’explorer le monde pour l’améliorer.,
Dorothea Lange était à l’aise avec tous ceux qu’elle rencontrait, mais particulièrement avec les down-and-outers, la population silencieuse et invisible souffrant de circonstances indépendantes de leur compréhension ou de leur contrôle. Ces personnes lui faisaient confiance, et elle les voyait et les exposait avec compassion et respect.
sa photographie la plus célèbre, un portrait en noir et blanc connu sous le nom de « mère migrante”, a été surnommée La « Mona Lisa” de la photographie de l’ère de la dépression.,
Lange était un commentateur culturel qui utilisait la caméra pour enregistrer avec précision mais n’interférait jamais avec les événements politiques de l’époque.
sa ”mère migrante” reste l’une des photographies les plus connues dans le monde. La photographie de Portrait ne serait pas la même sans Lange et son travail.
Edward Weston
« mes propres yeux ne sont que des éclaireurs lors d’une recherche préliminaire, car l’Œil de la caméra peut complètement changer mon idée.,”
—Edward Weston—
Edward Weston est né à Highland Park, Illinois, en 1886. Son père, obstétricien, lui a acheté son premier appareil photo, un Kodak Bulls-Eye No. 2, pour ses 16 ans. Le cadeau est venu avec une note qui comprenait le conseil utile; « Ne soyez pas trop loin de l’objet que vous souhaitez prendre, ou il sera très petit ».,
Weston est devenu un photographe américain majeur et surtout connu pour ses images soigneusement composées, fortement ciblées et à l’échelle tonale complète des dunes de sable, des paysages, des légumes, des formes rocheuses et des nus semi-abstraits, qui ont produit certaines des images les plus célèbres et les plus emblématiques du monde. Dans son travail, il a aidé les gens à voir la photographie comme un art.
Les images les plus célèbres de Weston étaient des dunes de sable, avec leurs formes presque noires qu’il a obtenues dans certaines parties à travers l’ombre, et les dunes presque blanches qu’il a obtenues dans d’autres à travers une lumière brillante, ce qui a amené les images à frôler l’abstraction.,
Le type de photographies dans lequel Weston s’est spécialisé est appelé « photographie droite”, où aucun effet inhabituel n’est fait pour changer l’image de la photographie. Son travail est étonnant dans sa simplicité.
Steve McCurry
« Si vous voulez être un photographe d’abord quitter la maison., »
—Steve McCurry—
Steve McCurry est un photographe américain, né à Philadelphie en 1950, et depuis plus de trente ans est l’un des photographes documentaires / de voyage les plus prolifiques au monde. Il est reconnu universellement comme l’un des meilleurs créateurs d’images d’aujourd’hui. Sa « fille Afghane » est certainement l’une des images de portrait les plus influentes.
il est un maître du travail avec la couleur, et la façon dont il contraste les couleurs de fond et de premier plan est quelque chose qui prend des années de pratique photographique. C’est évident dans sa ”fille Afghane” aussi.,
en utilisant la répétition des couleurs, McCurry a développé un style universellement reconnaissable.
sa composition de lignes et de surfaces est l’un des éléments vitaux qui rendent ses photos uniques, et quand les gens regardent son travail, leurs yeux tournent autour de l’image, les amenant à étudier ses images pendant une longue période.
le ”moment non gardé” est un terme que McCurry a inventé et utilise pour décrire le moment idéal pour prendre une photo, ce moment où les gens sont le plus inconscients, cette fraction de seconde où ils semblent être inconscients du reste du monde.,
Richard Avedon
« je déteste les caméras. Ils interfèrent, ils sont toujours dans le chemin. J’aimerais pouvoir travailler avec mes yeux seuls. »
—Richard Avedon—
Richard Avedon est né à New York en 1923 et est considéré comme l’un des photographes les plus influents de la fin du 20e siècle, et le numéro un des photographes de portrait et de mode. Il est surtout connu pour ses portraits simples et évocateurs de tout le monde, des stars de cinéma aux politiciens en passant par les mineurs de charbon pauvres.,
Le style D’Avedon était austère, en face, et dramatique, ce qui reflétait ses propres insécurités et sa peur de la mort.
ses portraits ont un point commun: ils sont simples. ” En éliminant les distractions », a – t-il déclaré, » Vous êtes toujours concentré sur la bonne chose-le sujet. »
Il a d’abord travaillé comme photographe pour la Marine marchande, prenant des photos d’identification. Il passe ensuite à la mode, photographiant pour Harper’s Bazaar et Vogue, exigeant que ses modèles transmettent l’émotion et le mouvement, un écart avec la norme de la photographie de mode immobile.,
son travail de marque et ses longues associations avec Calvin Klein, Revlon, Versace et des dizaines d’autres sociétés ont donné lieu à certaines des campagnes publicitaires les plus connues de l’histoire américaine.
à sa mort en 2004, sa notice nécrologique indique qu’il a contribué à définir l’image, le style et la culture de l’Amérique au cours des 50 dernières années.
Man Ray
« je photographie une idée plutôt qu’un objet, un rêve plutôt qu’une idée., »
—Man Ray—
Man Ray est né en 1890 sous le nom D’Emmanuel Radnitzky à Philadelphie, d’immigrants juifs russes. Il était un photographe américain, sculpteur, peintre et cinéaste, célèbre pour sa technique de photographie sans appareil photo surnommée « rayographs. »C’était un artiste profondément novateur qui voulait avec ferveur révolutionner l’art.
Il s’intéresse à l’obtention d’effets inhabituels et crée des Rayographes, réalisés sans caméra, en les exposant directement à des papiers sensibilisés à la lumière sur lesquels sont placés divers objets.,
bien que Ray ait travaillé avec divers médiums artistiques, il est surtout connu pour son innovation photographique connue sous le nom de solarisation, un processus d’enregistrement d’une image sur un négatif qui inverse les ombres et l’exposition à la lumière.
bien que né aux États-Unis, il a passé la majorité de sa carrière en France, où il a joué un rôle essentiel dans les mouvements Dada et surréaliste. Le mouvement Dada était composé d’artistes qui rejetaient la logique, la raison et l’esthétisme de la société capitaliste moderne et exprimaient des absurdités, de l’irrationalité et des protestations anti-bourgeoises dans leurs œuvres.,
Man Ray a créé certaines des œuvres les plus célèbres de l’époque et a laissé un héritage qui s’étend bien au-delà des années où il était actif.
Alfred Stieglitz
« la Photographie est ma passion, la recherche de la vérité, mon obsession.”
– Alfred Stieglitz—
Alfred Stieglitz est né le 1er janvier 1864, à Hoboken, dans le New Jersey dans une famille de Juifs allemands Immigrés., À 18 ans, il décide d’aller à Berlin et d’étudier l’ingénierie mécanique, mais il découvre sa passion pour la photographie, qui est un phénomène nouveau et croissant dans la communauté artistique.
Il a rassemblé des livres sur le sujet et est devenu un auto-apprentissage. Il est rapidement devenu l’un des principaux défenseurs de l’école picturale de la photographie. Son but dans la vie était de faire de la photographie une forme d’art acceptée.
croyant que la photographie était un art, Alfred Stieglitz l’a étudié et pratiqué avec passion., Il aimait aussi parler de photographie et a toujours voulu faire connaître à quel point c’était génial et comment cela se faisait.
Stieglitz était vraiment passionné par l’idée de la « pré-visualisation”, c’est-à-dire que vous pré-visualisez votre photo dans votre esprit avant de la photographier. Puis, après vous avez fait une photo d’une scène, vous l’imprimez comment vous pré-visualisé dans votre esprit.
Stieglitz a mis toute sa vie en jeu pour aider à promouvoir la photographie. La photographie moderne ne serait peut-être pas là sans lui.,
Robert Frank
« Quand les gens regardent mes photos je veux qu’ils se sentent comme ils le font quand ils veulent lire une ligne d’un poème à deux reprises.”
—Robert Frank—
Robert Frank est né à Zurich, en Suisse, en 1924. Il a parcouru le monde avant de finalement s’installer à New York en 1947. Son premier travail photographique a été dans la photographie de mode avec le magazine Harper’s Bazaar.
en 1955, il entreprend de documenter l’Amérique telle qu’il la voit. Son road trip à travers le pays pour capturer L’Amérique est devenu l’un des road trips les plus influents et les plus répétés de l’histoire de la photographie.,
dans chaque endroit où il s’est arrêté, il a essayé de se faire une idée de la saveur de la vie des gens en visitant des lieux ordinaires—les Woolworth locaux, les cafés, les cimetières, les parcs, les banques, les hôtels et les bureaux de poste, ce qui lui a permis d’observer une série d’Américains sans trop attirer
Il est surtout connu pour son livre de 1959 « The Americans”, une collection de photographies en noir et blanc sombres, granuleuses et sans nostalgie.,
Il est devenu l’un des photographes les plus influents du milieu du 20e siècle, en raison de ses rendus ironiques de la vie américaine.
Robert Frank, très simplement, changé la façon dont le monde regarde l’Amérique.
Robert Doisneau
« Si je savais prendre une bonne photographie, je le ferais à chaque fois. »
—Robert Doisneau—
Robert Doisneau est né en 1912, à Gentilly, en France, et était un photographe connu pour sa façon poétique de capturer la vie dans sa ville natale Paris., Ses photographies sont souvent comparées à Monet, Renoir et Manet, qui ont immortalisé la ville à travers leur art près de 100 ans plus tôt.
Il a d’abord travaillé comme photographe publicitaire, puis comme photographe industriel, puis a fait de la publicité et du travail de magazine, y compris la photographie de mode pour le magazine Vogue.
« mes photographies sont complètement subjectives”, a-t-il dit un jour. « Ils saisissent cette « inégalité » qui va à l’encontre de l’ordre des choses. Ils montrent le monde tel que je voudrais qu’il soit., »
Doisneau est bien connu pour sa capacité à commenter la société et les individus à travers la nuance photographique et l’euphémisme.
Il est décédé à l’âge de 81 ans, laissant derrière lui 450 000 négatifs et plus de 20 livres qui reflétaient sa poursuite constante de la vie quotidienne.
Annie Leibovitz
« On n’a pas cesser de le voir. On n’arrête pas le cadrage. Il n’est pas activer et désactiver. C’est tout le temps., »
– Annie Leibovitz—
La photographe américaine Annie Leibovitz est née en 1949 à Waterbury, Connecticut. Elle est réputée pour ses portraits dramatiques, originaux et emblématiques d’une grande variété de célébrités. Son style signature est une image nette et bien éclairée.
en 1967, alors qu’elle est encore étudiante au San Francisco Art Institute, elle reçoit sa première mission commerciale du magazine Rolling Stone pour photographier John Lennon., Trois ans plus tard, Leibovitz est devenue la photographe en chef de la publication, dirigeant ses énergies vers une présentation unique des personnalités majeures de la musique rock contemporaine. Elle y est restée au Rolling Stone pendant une décennie.
en 1983, elle a rejoint le personnel de Vanity Fair, qui a élargi son bassin de sujets pour inclure des stars de cinéma, des athlètes et des personnalités politiques.
elle a commencé à travailler comme photographe publicitaire en 1986, gagnant des clients tels que Honda, American Express et The Gap. Ses images commerciales étaient dramatiques et complexes, plutôt que décontractées.,
Annie Leibovitz continue de faire des couvertures de magazines et fait actuellement des tournées pour donner des conférences sur sa longue carrière dans le journalisme et les arts.
Diane Arbus
« je travaille à partir de la maladresse. Je veux dire par là que je n’aime pas arranger les choses. Si je me tiens devant quelque chose, au lieu de l’arranger, je m’arrange moi-même. »
— Diane Arbus—
Arbus est née le 14 mars 1923 à New York., Elle était l’une des photographes les plus distinctives du 20ème siècle, connue pour ses portraits étranges et ses sujets décalés. Ses photographies étaient des images effrayantes et provocantes de travestis, de prostituées, d’enfants tristes et solitaires et de nains qui regardaient son appareil photo avec un air un peu surpris. Elle voulait photographier la laideur et explorer des mondes que d’autres photographes boudent. Elle a créé des images qui nous obligeaient à les éblouir tout en nous narguant à détourner le regard.,
Arbus a trouvé le succès avec le travail de mode, mais a rapidement bifurqué vers la prise de vue raw, et des images inhabituelles des gens qu’elle a vus alors qu’elle vivait à New York. Elle s’est rendu compte qu’aucune photographie n’est vraiment objective et que vos photographies sont plus le reflet de vous-même que le sujet. Elle a été l’une des premières photographes avec cette approche.
Après des années de dépression, elle se suicide dans son appartement de New York le 26 juillet 1971.,
Cindy Sherman
« Le encore faut taquiner avec la promesse d’une histoire que le spectateur de ça démange d’être dit. »
—Cindy Sherman—
Cindy Sherman était une célèbre photographe née en 1954 dans le New Jersey. Son travail se compose principalement d’autoportraits, se représentant dans de nombreux contextes différents et en tant que divers personnages imaginaires.,
à travers ces photographies pénétrantes d’elle-même se faisant passer pour des personnages inventés, elle est devenue l’une des artistes les plus influentes de sa génération. Bien qu’elle lui serve de modèle, ses photographies ne sont pas des autoportraits; ce sont plutôt des enquêtes sur notre identité dans la culture américaine à travers des stéréotypes profondément ancrés dans notre conscience collective.
son travail photographique est ancré dans la transformation, maîtrisant parfaitement l’art de la tromperie alors qu’elle s’immerge dans un nouveau décor et un nouveau thème à chaque prise de vue.,
Depuis plus de 40 ans, Sherman est apparue dans presque tous ses travaux, mais jamais en tant qu’elle-même. À l’aide de maquillages de scène, de prothèses, de perruques, de costumes et, plus récemment, d’outils numériques, elle s’est métamorphosée en centaines de personnages, parmi lesquels se transformer en chaton sexuel, toxicomane, clowns terrifiants, Madones de la Renaissance, matrones de la société, diva vieillissante et même cadavre.
lorsque Sherman tourne, elle est entièrement seule, agissant comme photographe, mannequin, maquilleuse, coiffeuse et costumière.,
Eliot Porter
« on croit les photographies plus que les mots; ainsi, elles peuvent être utilisées de manière persuasive pour montrer des gens qui n’ont jamais pris la peine de regarder ce qui est là. »
—Eliot Porter—
Eliot Furness Porter est né en 1901 dans la banlieue de Chicago de Winnetka, Illinois. Il était un photographe américain connu pour ses images en couleur détaillées et exquises d’oiseaux et de paysages et est l’un des rares photographes à maîtriser la photographie en noir et blanc et en couleur.,
Il a suivi une formation d’ingénieur au Harvard College et de médecin à la Harvard Medical School, et a enseigné la biochimie à Harvard jusqu’en 1939, date à laquelle il a abandonné la médecine pour commencer à utiliser la photographie pour étudier les mystères plus profonds du plein air.
Il a exploré de nouvelles façons de présenter le monde naturel et ses contributions artistiques et techniques à la photographie d’oiseaux et de paysages ont transformé ces genres.
Il a maîtrisé ce qui est connu techniquement comme le processus de transfert de colorant, lui permettant de faire des impressions agrandies brillantes et en couleur à partir d’un film couleur exposé à l’intérieur de son appareil photo.,
Imogen Cunningham
« les photographies est mon préféré? Celui que je vais prendre demain.”
—Imogen Cunningham—
Cunningham est né en 1883 à Portland, Oregon. Comme beaucoup de photographes célèbres, sa fascination pour la forme d’art a commencé tôt et elle a acheté son premier appareil photo quand elle avait 18 ans.,
Cunningham n’était pas seulement intéressée par la photographie en tant que forme d’art, elle voulait connaître la chimie de la photographie et se consacrait à acquérir une compréhension complète de la science derrière son art.
à ce stade, elle avait déjà exprimé un intérêt pour photographier les gens. En effet, tout au long de la carrière de l’artiste, il y a une oscillation continue entre le sujet des fleurs et des plantes, et celui des personnes.,
Cunningham a été appelée la « Grand-Mère de la photographie” pour son rôle fondamental dans la vulgarisation du médium dans ses premières années et pour avoir réussi à faire passer la pratique dans le domaine des Beaux-Arts.
Cunningham a travaillé comme photographe presque jusqu’à sa mort en 1976. Elle avait 93 ans quand elle est décédée à San Francisco.
Frans Lanting
« c’est à nous, photographes, de donner la parole au monde naturel.,”
—Frans Lanting—
Frans Lanting, né en 1951, a été salué comme l’un des grands photographes de la nature de notre temps. Il est un magicien à mélanger la lumière artificielle et naturelle et se fondre dans la majesté de la nature. Il a documenté la faune et notre relation avec la nature dans des environnements allant de l’Amazonie à L’Antarctique.
son travail influent apparaît dans des livres et des magazines, et a été commandé par la National Geographic Society, où il a été photographe en résidence.,
Il a été décrit comme ayant l’esprit d’un scientifique, l’âme d’un chasseur, et les yeux d’un poète. Lanting dit: « il y a une interaction qui se passe entre les animaux et moi. Si vous ne comprenez pas ce que vous photographiez, vous regardez simplement la surface des choses.”
Paul Strand
« Si le photographe n’est pas un découvreur, alors il n’est pas un artiste.”
—Paul Strand—
Paul Strand est un photographe et un cinéaste aux États-unis., Il est né en 1890 dans la Ville de New York. Il a commencé à prendre des cours de photographie à seize ans. L’année suivante, il a déclaré son intention de devenir « un artiste en photographie. »
Le tournant dans la vie de Strand est venu quand il a découvert les capacités sous-jacentes des appareils photo grand format qui sont devenus connus sous le nom de » photographie droite. »Ses photos sont passées de scènes floues de la scène new-yorkaise moderne à se concentrer sur les expressions de l’existence objective.
L’Œil de Strand pour les gens était remarquable., Ses portraits de rue intimes, qu’il a tournés avec un objectif de caméra cachée, sont réputés pour dépeindre l’aliénation de la vie moderne.
au cours de sa carrière, il s’est révélé non seulement un incroyable photographe de portraits, de natures mortes et d’abstractions, mais aussi un pionnier dans le développement de livres de photographie.
ce pionnier né à New York a contribué à forger le chemin de la photographie du documentaire à l’art, et il a parcouru la planète dans sa quête pour comprendre les lieux et les cultures.
Brin mort en 1976 à l’âge de 85 ans.,
Don McCullin
« la Photographie pour moi est de ne pas regarder, c’est le sentiment. Si vous ne pouvez pas sentir ce que vous regardez, alors vous n’allez jamais amener les autres à ressentir quoi que ce soit quand ils regardent vos photos. »
—Don McCullin—
Sir Donald McCullin est un photojournaliste britannique, reconnu pour ses photographies de guerre et ses images de conflits urbains. Il examine les dessous de la société, dépeignant la souffrance des pauvres, des opprimés et des défavorisés.,
McCullin a été grièvement blessé au Cambodge, emprisonné en Ouganda, et avait une prime sur la tête au Liban. Ce photographe de guerre a bravé les balles et les bombes, non seulement pour obtenir le cliché parfait, mais pour aider les soldats mourants et les civils blessés.
Sally Mann
« l’Art est rarement le résultat d’une véritable génie; elle est plutôt le produit d’un travail acharné et des compétences acquises et de ténacité pratiqué par les gens ordinaires.,”
—Sally Mann—
Sally Mann, né en 1951, à Lexington, en Virginie. En 1983, à l’aide de son appareil photo centenaire de 8 × 10 pouces, elle a tourné des images grand format en noir et blanc dont les images puissantes de l’enfance, de la sexualité et de la mort ont souvent été jugées controversées.
elle a été saluée pour ses techniques minutieuses, qui consistent à dessiner mentalement chaque photographie, à jeter des dizaines de clichés avant de travailler intensivement dans la chambre noire pour obtenir l’effet souhaité.,
dans les années 1990, Sally Mann a transformé l’album photo de famille sentimental en une œuvre déconcertante, clivante et finalement inoubliable. Pour sa série intitulée « Immediate Family », elle a filmé ses trois enfants dans des positions vulnérables.
elle croit que la censure de ses photos de famille a provoqué beaucoup de gens parce qu’ils illuminaient des endroits que la plupart d’entre nous préfèrent garder confortablement obscurcis.,
Au milieu des années 1990, Mann a commencé à photographier des paysages sur des négatifs en verre collodion 8×10 pouces et a utilisé le même appareil photo à soufflet au format 8×10 vieux de 100 ans qu’elle avait utilisé pour tous les travaux précédents.
en 2018, Sally Mann a exposé 115 photographies d’études de figures, de paysages et de vues architecturales qui explorent les thèmes de la mémoire, du désir, de la mort et des liens de la famille, toutes tournées dans le sud Américain.,
Michael Kenna
« rien n’est jamais le même deux fois parce que tout est toujours parti pour toujours, et pourtant chaque instant a des possibilités photographiques infinies. »
—Michael Kenna-
Michael Kenna (britannique, né en 1953) est un photographe qui est né à Widnes, en Angleterre, et est surtout connu pour ses photographies de paysages en noir et blanc qui ont été décrits comme » des îles de sérénité et de tranquillité dans un monde bruyant et chaotique., »
Kenna prend souvent des photos à l’aube ou près du crépuscule, et a été cité comme disant: « Vous ne pouvez pas toujours voir ce qui est autrement perceptible pendant la journée . . . avec de longues expositions, vous pouvez photographier ce que l’œil humain est incapable de percevoir. »
Kenna a construit une œuvre centrée sur la représentation d’un paysage dépourvu de figures humaines; pourtant, l’empreinte d’une présence humaine est là d’une manière étrange et fantomatique . . . dans les traces que les humains laissent derrière eux.,
Il a également effectué une quantité importante de travail commercial pour des entreprises telles que Audi, Rolls Royce, Volvo, Sprint, L’OFFICE ESPAGNOL DU TOURISME et Dom Pérignon.
Kenna fait partie de ces artistes fascinés et passionnés par l’alchimie de la gravure. Pour lui, une œuvre ne s’arrête pas à la prise de photo mais s’étend à l’adéquation parfaite entre l’image et le tirage.,
Peter Lindbergh
« bien que les humains voient la réalité en couleur, pour moi, le noir et blanc a toujours été connecté à la vérité plus profonde de l’image, à sa signification la plus cachée. »
—Peter Lindbergh—
Peter Lindbergh, né en 1944, était l’un des photographes de mode et portraitistes allemands les plus influents de l’ère moderne., Il a été le pionnier d’un look naturel, décontracté, réaliste et non retouché qui contrastait avec le style artificiel, fortement maquillé et aérographe répandu dans les magazines sur papier glacé pendant une grande partie du 20e siècle.
photographe emblématique du début des années 90 pour le magazine Vogue, tout en photographiant des images de Linda Evangelista, Cindy Crawford, Naomi Campbell et Christy Turlington, il a inauguré la nouvelle ère de la photographie de mode et lancé l’ensemble du phénomène des mannequins. L’utilisation de la photographie en noir et blanc a été la clé de la création du mannequin.,
La photographie de Peter Lindbergh va au-delà de son travail de mode et de portrait, il était également un photographe publicitaire à succès, et lorsqu’il a tourné le calendrier Pirelli 2017, il a pris 37 000 images de 15 sujets en sept jours, entre Berlin, New York, Los Angeles et Londres.
Lindbergh est décédé subitement le 4 septembre 2019, à l’âge de 74 ans, après des décennies à bouleverser le paysage de la Mode et la définition de la beauté avec son appareil photo.,
Sebastião Salgado
« je ne crois pas qu’une personne a un style. Ce que les gens ont, c’est une façon de photographier ce qui est à l’intérieur. En une fraction de seconde, lorsque vous figez la réalité, ce qui est à l’intérieur sort. »
—Sebastião Salgado—
Sebastião Ribeiro Salgado est un photojournaliste et photographe documentaire Brésilien dont le travail exprime avec force la souffrance des sans-abri et des opprimés.,
il a commencé comme économiste, puis s’est tourné vers la photographie quand il a réalisé que la photographie avait plus de pouvoir que les papiers pour informer les gens sur le monde. Il a découvert que la photographie était un langage incroyable qui n’avait pas besoin de traduction car la photographie pouvait être lue dans n’importe quelle langue.
il croit que l’idéologie ou le « style” que vous avez en photographie devrait être moins sur l’appareil photo avec lequel vous photographiez, le sujet que vous photographiez ou si vos clichés sont en noir et blanc.
Sebastião Salgado, qui a 76 ans, a récemment écrit une lettre au Brésil., Il a exhorté le pays à sauver les tribus amazoniennes de Covid-19. Il les a avertis que le virus pourrait décimer ces peuples autochtones.
Conclusion
notre liste de photographes célèbres pourrait certainement inclure plus de noms – ce n’était pas facile de les choisir, mais nous avons essayé d’inclure ceux avec un corps de travail vraiment majestueux. Si il y a d’autres noms que vous pensez que nous devrions mentionner dans cette liste de photographes célèbres, laissez-nous savoir dans les commentaires ci-dessous.,
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