la tête D’Holopherne est à l’envers. son visage se tord de douleur. Judith enfonce son genou dans sa cage thoracique alors qu’il se bat sauvagement, poussant son poing contre le sternum de sa servante. Alors que Judith tranche le cou D’Holopherne, du sang jaillit de sa gorge et court sur les draps en lin blanc.,
près de 400 ans plus tard, même les citoyens blasés du monde moderne sont surpris par cette image—une peinture du moment clé de L’histoire de Judith, la veuve juive qui sauve la ville de Béthulie d’attaquer les Assyriens en assassinant leur commandant. Pour les mécènes italiens du début du 17ème siècle, avec leur goût pour l’imagerie dramatique, voire violente, le genre et la notoriété de l’artiste n’ont fait qu’accroître l’effet de la peinture., Ternie par le scandale et entravée par une société qui s’attendait à ce que les femmes soient religieuses ou épouses, Artemisia Gentileschi est néanmoins devenue la femme peintre la plus accomplie de son temps. Elle était, selon l’inscription sur la gravure de L’artiste Jérôme David, « un miracle en peinture, plus facilement envié qu’imité. »
ces jours-ci, après des siècles de négligence, Artemisia est partout. Le New York Times l « a appelée » it girl de cette saison., »Un nouveau roman populaire, la Passion D’Artemisia de Susan Vreeland, a été publié en janvier, et le mois suivant, Lapis Blue Blood Red, une pièce sur elle, a ouvert off-Broadway. (Plusieurs livres savants, un catalogue raisonne et deux autres romans ont également été écrits sur elle, et une de ses œuvres a même figuré dans l’intrigue de la série de Théâtre Masterpiece Painted Lady mettant en vedette Helen Mirren. En 1997, elle a fait l’objet d’un film français, Artemisia., Plus important encore, une exposition de ses œuvres—et de celles de son célèbre père, Orazio-au Metropolitan Museum of Art de New York a contribué à solidifier sa réputation d’artiste dynamique et originale, l’une des rares femmes peintres de son temps à aborder des thèmes historiques et allégoriques.
” Orazio et Artemisia Gentileschi: peintres Père et fille dans L’Italie Baroque » présente 51 peintures D’Orazio et 35 d’Artemisia., Présentée jusqu’au 12 mai au Met avant de se déplacer au Musée Saint LouisArt (du 14 juin au 15 septembre), cette première rétrospective des œuvres du Père et de la fille met en lumière leurs réponses divergentes aux influences baroques.
bien que dans le cas D’Artemisia, la reconnaissance soit attendue depuis longtemps, l’auto-promotrice volontaire a connu un succès considérable de son vivant. Peintre de Ducs, princes, cardinaux et rois, elle fut la première femme admise à la prestigieuse Accademia del Disegno., « Je me suis vue honorée par tous les rois et dirigeants D’Europe à qui j’ai envoyé mes œuvres, non seulement avec de grands cadeaux, mais aussi avec les lettres les plus favorisées, que je garde avec moi”, a-t-elle écrit à son ami l’astronome Galilée en 1635. Mais ses réalisations artistiques ont dû rivaliser avec un événement réel. À l’âge de 17 ans, elle a été violée par un collègue de son père. le procès qui a suivi, et la transcription de 300 pages de celui-ci qui a survécu, ont façonné l’évaluation de l’artiste par l’histoire.,
Orazio Gentileschi a été l’un des premiers peintres à répondre à une nouvelle esthétique éclatant à Rome en 1600, 7ème été D’Artemisia. Le dévoilement d’une seule commande—les deux œuvres de Caravage sur la vie de Saint Matthieu—a introduit des éléments clés d’un nouveau canon, finalement appelé Baroque. Jusqu’à cet été, Orazio avait soutenu lui-même, sa femme et ses quatre enfants en exécutant des commandes plutôt fades pour divers retables et chapelles à Rome., Mais foudroyé par la vision du Caravage, Orazio, 37 ans, a embrassé avec enthousiasme les récits dramatiques du jeune artiste, les jeux dynamiques d’ombre et de lumière, les compositions énergiques et les Gros plans sur la réalité, comme la croupe d’un cheval ou un cadavre en décomposition. Caravage a scandalisé le monde de l’art en peignant directement, de manière non réalisée, à partir de modèles vivants, dont certains, selon la rumeur, étaient des prostituées; ses rivaux ont même affirmé qu’il avait utilisé le corps d’une femme noyée comme modèle pour sa mère du Christ raidie et pieds nus sur son lit de mort.,
Orazio s’est lié d’amitié avec Caravaggio et a fait le tour avec lui des tavernes bon marché. Mais en raison peut-être de la hotheadedness du jeune homme et du propre « tempérament sauvage” D’Orazio, comme l’a décrit un contemporain, l’amitié fut de courte durée. L’influence du Caravage, cependant, n’était pas. Pour la magnifique vierge à l’enfant D’Orazio (1609), il a choisi comme modèles une voisine de la paroisse de Santa Maria del Popolo, où il vivait à l’époque, et son enfant., Sa représentation naturaliste de la Madone, sans auréole ni bijoux, tendrement soignante, reflète L’influence du Caravage et suggère un côté plus doux au personnage D’Orazio.
Artemisia avait 12 ans en 1605, l’année où sa mère, Prudentia Montoni, mourut en couches. Orazio ne nourrissait initialement aucune ambition artistique pour sa fille unique—envisageant plutôt une vie de religieuse pour elle. Mais L’ambition et le talent D’Artemisia ne tardèrent pas à s’affirmer. À l’âge de 15 ans, sous la tutelle de son père, elle avait commencé à assimiler les méthodes du Caravage., Pour sa première peinture, suzanne et les Vieillards (1610), elle a probablement utilisé un modèle vivant, éventuellement, se reflète dans un miroir. Rendant une scène de L’histoire biblique de Susanna, dans laquelle deux anciens convoitent une jeune matrone, Artemisia dépeint une femme nue voluptueuse tordue dans une posture défensive par les avances de deux lechers conspirateurs. L’œuvre s’avérerait trop prophétique.,
bien Qu’Orazio ait gardé sa fille confinée dans sa maison, selon la coutume chez les Romains respectables de l’époque, le domicile de Gentileschi fonctionnait également comme son atelier, avec son trafic constant de modèles, de collègues et de clients. La proximité avec les hommes a alimenté des rumeurs qui ont entaché la réputation de la jeune Artemisia. Le 6 mai 1611, les commérages se sont transformés en blessures réelles. Ayant confié la supervision de sa fille de 17 ans à un ami de la famille, Orazio était absent de la maison lorsque son associé, et autre peintre, Agostino Tassi est entré dans la maison et a violé Artemisia.,
À l’époque, le viol était davantage considéré comme un crime contre la famille de l’honneur que comme une violation d’une femme. Ainsi, ce n’est que lorsque le marié Tassi a renié sa promesse d’épouser Artemisia Qu’Orazio a porté plainte contre lui. Au cours du procès de huit mois qui a suivi, Artemisia a témoigné qu’elle peignait quand Tassi est entré dans la pièce en criant: « pas tant de peinture, pas tant de peinture. »Il a ensuite saisi la palette et les pinceaux de ses mains et les a jetés au sol. Elle s’est battue et s’est grattée en vain, l’attaquant finalement avec un couteau., Pour établir sa véracité, les autorités ont administré un test primitif de détecteur de mensonge—sous la forme de torture par des vis moletées, une pratique courante à l’époque. Comme les cordes étaient serrées autour de ses doigts, elle aurait crié à Tassi, » Voici l’anneau que vous me donnez, et ce sont vos promesses. »
elle a dû passer le test; Tassi a été reconnu coupable et condamné à un bannissement de Rome de cinq ans (une peine apparemment jamais appliquée)., Pour éloigner Artemisia de Rome et le scandale qui l’accompagne, Orazio s’arrange pour qu’elle épouse un peintre florentin mineur nommé Pierantonio Stiattesi. Peu de temps après le mariage, les jeunes mariés sont partis pour Florence, où Orazio avait demandé le patronage de sa fille à la Grande-Duchesse de Toscane. « devenir tellement doué que je peux m’aventurer à dire qu’aujourd’hui elle n’a pas de pair”, il s’était vanté à la duchesse. « En effet, elle a produit des œuvres qui démontrent un niveau de compréhension que peut-être même les principaux maîtres de la profession n’ont pas atteint., »
le travail D’Artemisia à Florence, où elle a perfectionné son sens de la couleur dans des autoportraits et des peintures telles que la conversion éblouissante de la Madeleine, marquera la première étape de son chemin vers la renommée artistique. Au moment où elle a quitté Florence en 1620 ou 1621, encore à la fin des années 20, elle avait peint au moins sept œuvres pour L’influent grand-duc Cosme II de Médicis et sa famille. Mais comme elle lui écrivait, » les problèmes à la maison et avec ma famille”—la perte de trois enfants et l’infidélité apparente de son mari et les dépenses extravagantes—avaient fait des ravages.,
avide d’un nouveau départ, elle s’installe à Rome et prend une maison sur la Via del Corso avec son mari et sa fille Prudentia (le seul de leurs quatre enfants à survivre). La détresse financière et la jalousie de son mari, cependant, ont continué à éroder son mariage. Une nuit de 1622, après avoir trouvé un groupe d’Espagnols sur le pas de sa porte en train de sérénader sa femme, Pierantonio aurait égorgé l’un d’eux au visage. Il a ensuite marché sur Artemisia et Prudentia (qui deviendrait également un artiste).,
la mère célibataire trouvait les commandes difficiles à trouver (les goûts Romains avaient changé pendant Qu’Artemisia était à Florence). En 1627, avec l’espoir d’un nouveau patronage, elle s’installe à Venise, où elle reçoit une commande de Philippe IV D’Espagne pour peindre une pièce d’accompagnement à la découverte d’Achille de Pierre Paul Rubens et Anthony van Dyck. Deux ans plus tard, fuyant la peste de 1630 (qui anéantit un tiers de la population de Venise), Artemisia s’installe à Naples, alors sous domination espagnole., Là, elle a terminé le premier retable de sa carrière et une commande publique pour une église majeure —honneurs qui lui avaient échappé peut-être à cause de son sexe. Au fil des ans, Artemisia se plaignait à plusieurs reprises des pièges de la compétition dans un domaine exclusivement masculin. « Vous vous sentez désolé pour moi parce que le nom d’une femme soulève des doutes jusqu’à ce que son travail soit vu”, a-t-elle écrit à son dernier grand mécène, Don Antonio Ruffo, s’agaçant de devoir marchander les prix et défendre constamment la valeur et l’originalité de son art. ” Si j’étais un homme », a-t-elle déclaré, » Je ne peux pas imaginer que cela se serait passé de cette façon., »
Orazio était resté à Rome quand Artemisia est parti pour Florence et avait acquis une réputation comme l’un des meilleurs peintres de cette ville, remportant des commandes pour d’importants retables et gagnant le patronage de la riche famille Savelli. En 1621, à l’invitation du noble Génois Giovan Antonio Sauli, il s’installe à Gênes, où il entame la phase la plus importante de sa carrière, peignant une série de compositions sensuelles pour Sauli: une Madeleine pénitente, une Danaë et le Lot multifiguré et ses filles., C’est ici qu’il a également peint son Annonciation magistrale. ” Ce sont de superbes œuvres d’art », explique Judith Mann, conservatrice de l’art européen ancien au Musée Saint LouisArt et cocuratrice de l’exposition actuelle. « Ils vous font haleter lorsque vous entrez dans la pièce. »
dans L’Annonciation D’Orazio, une représentation de L’ange Gabriel agenouillé devant la Vierge Marie, Un opulent rideau rouge, des draps blancs croustillants et la délicate écharpe dorée de la Vierge attrapent la lumière. L’arrangement formel des figures d’Orazio insuffle à la peinture une solennité de dévotion., La peinture suggère la divergence stylistique entre le père et la fille après que chacun ait quitté Rome. Orazio a tempéré le drame qu’il a appris du Caravage avec son propre sens du raffinement. Ses compositions plus formelles mettent l’accent sur la couleur et un rendu précis de la surface et de la texture plutôt que sur des gestes dramatiques. Artemisia a créé un sentiment d’immédiateté et utilisé des détails révélateurs—tels que l’élégant bracelet entourant le bras meurtrier de Judith-comme contrepoint à ses représentations graphiques, accentuant ainsi le drame.,
dans Judith et sa servante d’Artemisia vers 1625-1627, une version moins macabre de la mort D’Holopherne souvent citée comme une étude de cas du Haut Baroque, Judith et sa servante font une pause, semblant entendre un bruit à l’extérieur de la tente D’Holopherne. L’intérieur sombre est théâtralement illuminé par une seule bougie. La main de Judith protège son visage de la lueur, attirant l’attention sur le gantelet de fer jeté D’Holopherne. L’œil du spectateur se déplace vers l’objet dans les mains de la servante: la tête coupée D’Holopherne.,
« les peintures de ce que vous ne pouvez pas voir, ce que vous ne pouvez pas entendre, abondent dans l’art du 17ème siècle”, explique Keith Christiansen, conservateur des peintures italiennes au Met et cocurateur de l’exposition. Dans une peinture du même thème réalisée 20 ans plus tôt, Orazio a pris un autre virage. Dans sa version, les femmes ont également l’air hors scène, mais leur langage corporel est plus stylisé. Les plis de leurs robes s’accordent, tout comme leurs profils, comme si les deux assassins étaient dans une danse. « Artemisia emprunte souvent la voie de George Lucas, visant l’effet théâtral », explique Christiansen., « Elle veut que vous soyez complètement repoussé. Orazio communique ce moment psychologique de manière formelle, rendant même la tête laide belle. Il favorise tissu; elle favorise le sang. Il est la chaussure souple à son stiletto. »
compte tenu du traumatisme précoce D’Artemisia, de nombreux spectateurs modernes voient des œuvres telles que Judith et sa servante et, plus particulièrement, Judith tuant Holopherne, comme une peinture de vengeance. Mais les chercheurs ne sont pas d’accord sur la signification du viol dans son travail., De riches mécènes ayant un goût pour la violence et l’érotisme ont peut-être autant à voir avec son sujet que des souvenirs douloureux (et Judith était également un sujet populaire auprès des artistes masculins). En outre, comme le note Mann, moins d’un quart des peintures connues D’Artemisia mettent en scène des femmes vengeuses. « Nous ne donnons pas à Artemisia son dû si nous la voyons dans cette ornière », dit Mann. « Nous manquons probablement beaucoup à cause de cette attente. »Il manque aussi, hélas, la plupart des tableaux sur lesquels s’est construite sa réputation de portraitiste., Il ne reste que le Portrait D’un Gonfaloniere (magistrat civique) et quelques autoportraits, comme La Pittura. Dans autoportrait en tant que joueur de luth, probablement peint alors Qu’Artemisia était à Florence, L’artiste, l’air sereinement belle, se dépeint comme une musicienne dans une élégante robe Florentine.
alors qu’orazio entre dans les années 60, son succès à Gênes l’encourage à commercialiser ses compétences auprès de Marie de Médicis, la reine mère de France et membre de la plus prestigieuse famille de Toscane., C’est à sa demande qu’il s’installe à Paris en 1624, où il exécute des peintures pour son Palais du Luxembourg. La connexion d’Orazio avec la reine mère a payé d’autres dividendes. Peu de temps après que sa fille Henrietta Maria a épousé Charles Ier D’Angleterre, Orazio a été recruté par le duc de Buckingham, qu’il avait rencontré au mariage, pour venir à la Cour du roi anglais.
L’Orazio, âgé de 62 ans, a été installé dans des quartiers spacieux de Londres, bénéficiant de généreux frais de subsistance et invité à des dîners avec la royauté., En tant que seul peintre italien et l’un des rares artistes catholiques à Londres, il a trouvé son chemin dans le cercle de la Reine catholique Henrietta Maria. Elle le fait bientôt travailler sur le projet le plus vaste de sa carrière—le plafond de sa maison à Greenwich—une représentation de neuf TOILES DE figures allégoriques.
en 1638 ou 1639, après avoir contourné une convocation de quatre ans de Charles Ier et une supplique de son père, Artemisia a finalement déménagé à Londres elle-même., Ses tentatives pour obtenir du travail auprès de puissantes relations en Italie avaient échoué, et malgré la perspective désagréable de travailler pour un roi Protestant et la tension du voyage, elle avait cruellement besoin d’argent.
les détails de toute réunion avec son père—cela aurait fait au moins 17 ans qu’ils ne s’étaient pas Vus—sont perdus. En février 1639, Orazio est décédé à l’âge de 75 ans, après 13 ans de service à la Cour de Charles Ier, qui l’a honoré d’un enterrement somptueux.,
Artemisia est restée à Londres pendant deux ans, jusqu’à ce que des assurances de travail la ramènent vers 1641 à Naples, où elle a vécu jusqu’à sa mort en 1652 ou ’53, produisant des œuvres telles que Galatée et Diana à son bain pour Don Antonio Ruffo. Quand il lui offrit moins que le prix convenu pour la Diane, Artemisia s’énerva: « je pense que votre plus illustre Seigneurie ne subira aucune perte avec moi, écrit-elle en 1649, et que vous trouverez l’esprit de César dans cette âme de femme., »
en 1653, peu après la mort D’Artemisia, deux poètes bien connus, Pietro Michiele et Gianfrancesco Loredan, dont ce dernier lui avait déjà écrit des lettres d’amour, collaborèrent à la publication d’un poème écrit dans sa voix: « en peignant les portraits de celui-ci et de celui-là, / j’ai acquis un mérite infini dans le monde./ En sculptant les cornes que j’ai données à mon mari,/ j’ai abandonné le pinceau et pris le ciseau., »
bien que peut-être les sentiments d’un prétendant rejeté, les lignes capturent à juste titre le dilemme historique D’Artemisia: pendant des siècles, son talent a été éclipsé par les rumeurs et le scandale entourant sa vie personnelle. Maintenant, elle obtient la reconnaissance qu’elle pensait mériter. « Les œuvres, a-t-elle déclaré, parleront d’elles-mêmes.”