Biographie de Gustav Klimt
enfance
né D’Ernst Klimt, graveur sur Or originaire de Bohême, et D’Anna Finster, artiste musicale en herbe mais sans succès, Gustav Klimt était le deuxième de sept enfants élevés dans la petite banlieue de Baumgarten, au sud-ouest de Vienne. La famille Klimt était pauvre, car le travail était rare dans les premières années de L’Empire des Habsbourg, en particulier pour les groupes ethniques minoritaires, en grande partie à cause du krach boursier de 1873.,
entre 1862 et 1884, les Klimt déménagent fréquemment, vivant à pas moins de cinq adresses différentes, toujours à la recherche d’un logement moins cher. En plus des difficultés financières, la famille a connu beaucoup de tragédie à la maison. En 1874, la sœur cadette de Klimt, Anna, meurt à l’âge de cinq ans des suites d’une longue maladie. Peu de temps après, sa sœur Klara a souffert d’une dépression mentale après avoir succombé à la ferveur religieuse.
dès son plus jeune âge, Klimt et ses deux frères Ernst et Georg ont montré des dons artistiques évidents., Gustav, cependant, a été distingué par ses instructeurs comme un dessinateur exceptionnel pendant ses études secondaires. En octobre 1876, à l’âge de quatorze ans, un parent l’encourage à passer l’examen d’entrée à la Kunstgewerbeschule, L’école viennoise des Arts et Métiers, et il réussit avec distinction. Il a déclaré plus tard qu’il avait l’intention de devenir maître de dessin et d’occuper un poste d’enseignant dans une Burgerschule, l’équivalent Viennois du 19ème siècle d’une école secondaire publique de base, qu’il avait fréquentée.,
Klimt a commencé sa formation officielle à Vienne alors que la ville était en pleine mutation. En 1858, L’empereur François-Joseph Ier ordonna la destruction des vestiges des anciens murs défensifs médiévaux qui entouraient la partie centrale de la ville, laissant un grand espace circulaire qui fut réaménagé en une série de larges boulevards connus sous le nom de Ringstrasse (« ring street »)., Au cours des trente années suivantes, la Ringstrasse est devenue bordée d’arbres et de grands immeubles bourgeois, ainsi que de nombreux nouveaux bâtiments pour abriter diverses institutions gouvernementales civiles et impériales, y compris des théâtres, des musées d’art, L’Université de Vienne et le Parlement autrichien. Avec le chemin de fer municipal nouvellement construit, l « arrivée des lampadaires électriques, et les ingénieurs de la ville redirigeant le Danube afin d » éviter les inondations, Vienne entrait dans un âge d « or de l » industrie, recherche, et la science, poussé par les progrès modernes dans ces domaines., Une chose que vienne n’avait pas encore, cependant, était un esprit révolutionnaire envers les arts.
formation et réussite précoce
le programme et les méthodes d’enseignement de la Kunstgewerbeschule étaient assez traditionnels pour leur époque, quelque chose que Klimt n’a jamais remis en question ou contesté. Grâce à une formation intensive en dessin, il a été chargé de copier fidèlement les décorations, les dessins et les moulages en plâtre de sculptures classiques. Une fois qu’il a fait ses preuves à cet égard, ce n’est qu’alors qu’il a été autorisé à dessiner des figures de la vie., Klimt a impressionné ses instructeurs dès le début, rejoignant bientôt une classe spéciale axée sur la peinture, où il a montré un talent considérable pour peindre des figures vivantes et travailler avec une variété d’outils. La formation du jeune artiste comprenait également des études approfondies des œuvres de Titien et de Peter Paul Rubens. Klimt a également eu accès à la richesse du Musée des Beaux-Arts de Vienne des peintures du maître espagnol Diego Velázquez, pour le travail duquel il a développé un tel penchant que plus tard dans la vie, Klimt a fait remarquer, « Il N’y a que deux peintres: Velázquez et moi., »
Klimt est également devenu un grand admirateur de Hans Makart (le peintre historique Viennois le plus célèbre de l’époque), et en particulier de sa technique, qui employait des effets dramatiques de lumière et un amour évident pour la théâtralité et l’apparat. À un moment donné, alors qu’il était encore étudiant, Klimt aurait soudoyé L’un des serviteurs de Makart pour le laisser entrer dans l’atelier du peintre afin que Klimt puisse étudier les dernières œuvres en cours.,
peu de temps avant de quitter la Kunstgewerbeschule, Klimt a été rejoint par son jeune frère Ernst et un jeune peintre nommé Franz Matsch, un autre artiste Viennois doué spécialisé dans les œuvres décoratives à grande échelle. Klimt et Matsch mirent fin à leurs études en 1883 et louèrent ensemble un grand studio à Vienne. Malgré ce déménagement et son succès précoce, Klimt a maintenu sa résidence avec ses parents et ses sœurs survivantes., Klimt et Matsch sont rapidement devenus des artistes très demandés par l’élite culturelle de la ville, y compris des architectes éminents, des personnalités de la société et des fonctionnaires. Dès 1880, Klimt et Matsch ont été recommandés par leur professeur de peinture, Ferdinand Laufberger, pour entreprendre une commande de quatre peintures pour le compte d’un cabinet D’architectes viennois spécialisé dans la conception de théâtre.
malgré la demande, le paiement des services de Klimt et Matsch n’était pas lucratif., Lorsque Klimt, son frère Ernst et Matsch ont été chargés de décorer le grand escalier du Nouveau Burgtheater, le trio a constaté que leur commission ne couvrirait pas les coûts d’embauche de modèles, alors ils ont enrôlé des amis et de la famille. Aujourd’hui, on peut voir les sœurs de Klimt, Hermine et Johanna (ainsi que les trois artistes) parmi les spectateurs du Théâtre de Shakespeare, tandis que leur frère Georg joue le Roméo mourant. Incidemment, c’est le seul autoportrait survivant de Klimt.,
période de maturité
à la fin de 1892, Ernst Klimt – le père de Gustav – et son frère cadet Ernst étaient morts, ce dernier tout à coup d’une crise de péricardite. Ces décès ont profondément affecté Gustav, qui était maintenant laissé financièrement responsable de sa mère, de ses sœurs, de la veuve de son frère et de leur fille en bas âge. La veuve de son frère Ernst, Helene Flöge – avec qui il était marié depuis à peine quinze mois-et sa famille de classe moyenne avaient des maisons à la fois en ville et à la campagne, où Klimt est devenu un invité fréquent., Klimt noue bientôt une amitié intime avec la sœur D’Hélène, Emilie Flöge, qui durera jusqu’à la fin de sa vie et servira de base à l’un de ses portraits les plus célèbres.
Le rythme de travail de Klimt s’est ralenti à la suite de la mort de son frère et de son père. L’artiste a également commencé à remettre en question les conventions de la peinture académique, ce qui a entraîné une rupture entre Klimt et son partenaire de longue date Matsch. En 1893, le Comité consultatif artistique du Ministère de l’éducation a approché Matsch pour une commande pour décorer le plafond de la nouvelle grande salle de L’Université de Vienne., Klimt finit par rejoindre le projet (que ce soit à la demande de Matsch ou du ministère), mais cette collaboration sera la dernière entre les deux hommes.
Klimt a été invité à produire trois grandes peintures de plafond pour la grande salle de l’université, y compris la philosophie (1897-98), la médecine (1900-01) et la Jurisprudence (1899-1907). À la surprise de ses commissaires, Klimt choisit pour ces tableaux d’employer un symbolisme très décoratif et difficile à lire, marquant ainsi un tournant significatif dans son attitude envers la peinture et l’art en général., Une controverse importante a surgi sur les peintures universitaires de Klimt, en particulier en raison de la nudité de certaines figures de la médecine, et en partie à des accusations selon lesquelles le sujet était vague. Les peintures de l’Université n’ont jamais été installées et, à la suite de la controverse, Klimt a décidé de ne plus jamais accepter de commande publique.
fondation de la Sécession viennoise
Le travail de Klimt sur les peintures de L’Université de Vienne a coïncidé avec un schisme plus large au sein de la communauté artistique viennoise., En 1897, avec plusieurs autres artistes et designers modernes, il renonce à devenir membre de la Kunstlerhaus, la principale association D’artistes de Vienne, dont Klimt était membre depuis 1891. La Kunstlerhaus contrôlait le principal lieu d’exposition d’art contemporain dans la ville, et Klimt et ses collègues modernistes se plaignaient qu’on leur refusait les mêmes privilèges d’y exposer des œuvres parce que la Kunstlerhaus, qui prenait une commande sur les œuvres exposées là-bas, favorisait les œuvres conservatrices les plus vendues.,
la cohorte moderniste s’est immédiatement regroupée pour fonder la Sécession viennoise (également connue sous le nom D’Union des artistes autrichiens) en 1897. Avec Klimt, le groupe comprenait Josef Hoffmann, Koloman Moser et Joseph Maria Olbrich. Klimt a été nommé président fondateur de la Sécession., Ses principes fondateurs étaient les suivants: fournir aux jeunes artistes non conventionnels un débouché pour montrer leur travail; exposer Vienne aux grandes œuvres d’artistes étrangers (à savoir les impressionnistes français, ce que la Kunstlerhaus n’avait pas réussi à faire); et publier un périodique, finalement intitulé Ver Sacrum (« printemps sacré »), qui tire son nom de la tradition romaine des villes envoyant seules les jeunes générations de ses citoyens fonder une nouvelle colonie.,
la Sécession a rapidement établi sa présence dans la scène artistique de la ville à travers une série d’expositions, que Klimt a joué un grand rôle dans l’organisation. Beaucoup d’entre eux ont présenté des œuvres d’artistes contemporains étrangers qui ont été faits membres correspondants du groupe. Les expositions ont été largement acclamées par le public et ont suscité étonnamment peu de controverse, étant donné que les Viennois avaient peu ou pas d’exposition à l’art moderne., En 1902, les sécessionnistes organisent leur 14e exposition, une célébration du compositeur Ludwig van Beethoven, pour laquelle Klimt peint sa célèbre Frise Beethoven, une œuvre massive et complexe qui, paradoxalement, ne fait aucune référence explicite à aucune des compositions de Beethoven. Au lieu de cela, il a été considéré comme une allégorie complexe, lyrique et très ornée de L’artiste en tant que Dieu.,
bien que la Sécession ait été consacrée à L’idée du Gesamtkunstwerk, ou de l’environnement complètement et harmonieusement conçu, elle a tenté de garder l’art au-dessus du domaine des préoccupations commerciales, ce qui s’est avéré problématique pour ses membres, notamment les artistes décoratifs, dont le travail dans la conception d’objets utiles exigeait un débouché commercial En 1903, deux de ses membres éminents, Josef Hoffmann et Koloman Moser, ont formé une nouvelle organisation, la Wiener Werkstätte, dédiée à la promotion et à la conception des arts décoratifs et de l’architecture à ces fins., Klimt, proche D’Hoffmann et de Moser, collaborera par la suite à plusieurs projets de la Werkstatte, notamment la Frise géante de l’arbre de vie peinte à plusieurs panneaux pour le Palais Stoclet à Bruxelles, le plus grand Gesamtkuntswerk produit par la Werkstatte, entre 1905-10.
en 1905, Klimt et un certain nombre de ses associés démissionnent de la Sécession viennoise en raison d’un désaccord sur l’association du groupe avec des galeries locales, qui n’étaient pas particulièrement fortes à Vienne, pour commercialiser leur art., Bien qu’ils aient leur propre espace d’exposition, les sécessionnistes étaient toujours gênés par l’absence d’un lieu systématique pour terminer la vente de leurs œuvres. Le Klimtgruppe (comme Klimt et ses partisans, y compris Moser et Josef Maria Auchentaller étaient connus) ont proposé que la Sécession achète la galerie Miethke, mais ont été rejetés par une voix lorsque la suggestion a été soumise aux membres, car l’opposition souhaitait garder la Sécession complètement séparée des intérêts commerciaux., La démission du Klimtgruppe a éventré la Sécession de ses membres les plus éminents sur le plan international; néanmoins, au cours des années qui ont suivi, elle s’est réinventée à plusieurs reprises – coïncidant souvent avec des changements de direction – et elle reste aujourd’hui la seule société D’artistes autrichienne dédiée à la promotion de l’art contemporain.,
période tardive et mort
dans la décennie entre 1898 et 1908, tout en travaillant comme membre de la Sécession et sur les commissions pour l’Université, Le style personnel de Klimt, qui combinait richement des éléments des époques pré-moderne et moderne, a atteint sa pleine maturation. Il a produit plusieurs de ses œuvres les plus célèbres au cours de ces années qui, ensemble, constituent maintenant sa « phase dorée », dite en grande partie en raison de L’utilisation intensive de la feuille d’or par Klimt., Ces peintures comprennent champ de coquelicots (1907), le baiser (1907-08) ainsi que les portraits Pallas Athene (1898), Judith I (1901), et Adele Bloch-Bauer I (1903-07). Malgré le respect qui leur est accordé aujourd’hui, l’accueil à l’époque n’a pas toujours été aussi bon: un critique a ironisé en voyant Bloch-Bauer I pour la première fois qu’il était « plus blech que Bloch » (« blech » étant en fait le mot allemand pour l’étain)., Si Klimt n’aimait pas la réponse à ses peintures, il était probablement heureux que les critiques n’aient jamais pu voir ses carnets de croquis, car Klimt était à certains égards l’équivalent masculin du début du 20e siècle de la dame folle stéréotypée. Il a affirmé que l’urine de chat était le meilleur fixateur, et donc ses carnets de croquis sont souvent couverts.
Au cours de la dernière décennie de sa vie, Klimt a partagé une grande partie de son temps entre son atelier et son jardin à Heitzing, à Vienne, et la maison de campagne de la famille Flöge, où lui et Emilie ont passé beaucoup de temps ensemble., Bien qu « il y ait incontestablement un lien romantique entre eux, il est largement admis que les deux n » ont jamais cédé au désir physique. Leur proximité, cependant, N’a pas adouci L’aversion de Klimt pour l’utilisation de la langue écrite: dans une lettre à Emilie, il a été tellement frustré qu’il a simplement écrit: « au diable les mots! »Klimt était tout aussi laconique et simple lorsqu’il parlait des lieux qu’il avait visités; lors d’une visite en Italie, il ne pouvait que rapporter à Emilie que « il y a beaucoup de choses pathétiques à Ravenne – les mosaïques sont extrêmement splendides., »
Au cours de ces étés, Klimt a produit plusieurs de ses superbes (mais souvent sous-estimés) peintures de paysages en plein air, comme le Parc (1909-1910), souvent du point de vue d’une chaloupe ou d’un champ ouvert. Klimt avait deux amours: la peinture et les femmes, et son appétit pour les deux était apparemment insatiable. La vie personnelle de Klimt, au sujet de laquelle il a pris soin d’être discret, est en conséquence devenue assez célèbre l’objet de spéculations considérables parmi les critiques et les historiens, en particulier compte tenu des nombreux portraits de femmes de Klimt., Dans de nombreux cas, aucun consensus n « a été atteint sur l » implication de Klimt avec certaines femmes individuelles; alors que de nombreux rapports ne jurent que par les liaisons intimes de Klimt, d « autres – en partie en raison du manque de preuves tangibles – doutent qu » il y ait eu une implication romantique entre Klimt et ces mêmes gardiens.
bien que Klimt n’ait pas modifié son sujet au cours de ses dernières années, son style pictural a subi des changements importants. En supprimant largement l’utilisation de feuilles d’or et d’argent, et l’ornementation en général, l’artiste a commencé à utiliser des mélanges subtils de couleurs, telles que le lilas, le corail, le saumon et le jaune., Klimt a également produit un nombre stupéfiant de dessins et d’études pendant cette période, dont la majorité étaient des nus féminins, certains si érotiques qu’à ce jour ils sont rarement exposés. Dans le même temps, de nombreux portraits ultérieurs de Klimt ont été loués pour la plus grande attention de l’artiste au caractère et un supposé nouveau souci de la ressemblance. Ces caractéristiques sont évidentes dans Adele Bloch-Bauer II (1912) et Mada Primavesi (1913), ainsi que l’étrangement Érotique Les Amis (C., 1916-17), qui représente ce qui semble être un couple de lesbiennes – l’une nue et l’autre vêtue – sur un fond stylisé d’oiseaux et de fleurs.
Le 11 janvier 1918, Klimt est victime d’un accident vasculaire cérébral qui le laisse paralysé du côté droit. Alité et ne pouvant plus peindre ni même esquisser, Klimt sombra dans le désespoir et contracta la grippe. Le 6 février, il est décédé, l’une des victimes les plus célèbres de la pandémie de grippe de cette année-là. Il n’était que l’un des quatre grands artistes viennois à mourir cette année-là: Otto Wagner, Koloman Moser et Egon Schiele ont tous succombé, ce dernier également victime de la grippe., Au moment de sa mort, divers volets de l’art moderne, y compris le cubisme, le futurisme, le Dada et le constructivisme, avaient tous attiré l’attention des Européens créatifs. L’œuvre de Klimt était alors considérée comme faisant partie d’une époque révolue de la peinture, qui se concentrait encore sur les formes humaines et naturelles plutôt que sur une déconstruction, ou un renoncement pur et simple, de ces mêmes choses.,
L’Héritage de Gustav Klimt
Klimt jamais été marié, n’a jamais peint d’un seul auto-portrait destiné en tant que tel; et n’a jamais prétendu être en train de révolutionner l’art en quelque sorte. Klimt n’a pas beaucoup voyagé, mais il a quitté L’Autriche pour un certain nombre de visites à d’autres endroits en Europe (bien que la seule fois où il a visité Paris, il est parti complètement impressionné)., Avec la Sécession révolutionnaire, L’objectif principal de Klimt était d’attirer l’attention sur les artistes Viennois contemporains et à son tour d’attirer leur attention sur le monde beaucoup plus large de l’art moderne au-delà des frontières de l’Autriche. En ce sens, Klimt est responsable de contribuer à transformer Vienne en un centre de premier plan pour la culture et les arts au tournant du siècle.
L’influence directe de Klimt sur les autres artistes et les mouvements ultérieurs était assez limitée., Tout comme Klimt vénérait Hans Makart, mais s’est finalement écarté du style de son mentor, de jeunes artistes Viennois comme Egon Schiele et Oskar Kokoschka ont vénéré Klimt très tôt, pour mûrir vers des formes de peinture plus quasi abstraites et expressionnistes. À l’âge de 17 ans, Schiele a cherché Klimt, et a développé une amitié avec le maître qui se révèle aujourd’hui dans plusieurs comparaisons entre leurs œuvres; Schiele Cardinal et Nonne (caresse) de 1912, par exemple, est sans doute basé sur le baiser (amants) de Klimt de 1907-08., Klimt a présenté Schiele à de nombreux galeristes, artistes et modèles, y compris Valerie (Wally) Neuzil, avec qui Schiele a commencé une relation en 1911 au moment où les deux ont déménagé ensemble à Krumau, en Bohême (maintenant Cesky Krumlov, en République Tchèque) – bien qu’en 1916 Neuzil est retourné à Vienne pour modéliser à nouveau pour Klimt. Schiele et Klimt ont tous deux produit des portraits de la riche mécène D’avant-garde Friederika Maria Beer-Monti, respectivement en 1914 et 1916; en fait, initialement Klimt a refusé la commande pour le portrait ultérieur de Beer-Monti parce que Schiele avait déjà terminé le sien.,
alors que certains critiques et historiens soutiennent que L’œuvre de Klimt ne devrait pas être incluse dans le canon de l’art moderne, son œuvre – en particulier ses peintures postdatantes 1900 – reste frappante par ses combinaisons visuelles de l’ancien et du moderne, du réel et de l’abstrait. Klimt a produit sa plus grande œuvre à une époque d’expansion économique, de changement social et d’introduction d’idées radicales, et ces traits sont clairement évidents dans ses peintures., Klimt a créé un style très personnel, et la signification de beaucoup de ses œuvres ne peut pas être déchiffrée complètement sans connaître ses propres relations personnelles avec les personnes représentées et, en raison de la discrétion prudente de Klimt dans sa vie privée, ne sera probablement jamais pleinement comprise. D’autres œuvres sont pratiquement impénétrables en raison des arrangements déroutants de leur contenu. Cette situation contribue néanmoins sans doute à la stature de Klimt, car ses peintures seront continuellement enveloppées d’une sorte de mystère et inviteront une myriade d’interprétations et une intense rumination critique.,
Klimt a atteint une sorte d’immortalité à partir de la controverse qu’il a générée à partir du contenu de ses œuvres au tournant du siècle et du mystère entourant ses relations avec ses gardiens, mais il a peut-être même dépassé cela longtemps après sa mort avec le destin de certaines de ses œuvres les plus célèbres., Plusieurs des peintures de Klimt sont entrées dans les collections des connaisseurs Juifs dans les années 1930, et ce fait, probablement combiné avec le statut de Klimt en tant qu’artiste moderne de premier plan, a contribué à leur confiscation par les Nazis après 1938 et leur placement après-guerre, sinon détruit, dans les musées d’état. Pendant ce temps, les propriétaires d’origine et leurs héritiers – notamment la famille Altmann, qui détenait des créances sur Adele Bloch-Bauer I de Klimt – ont depuis intenté des poursuites pour récupérer les peintures en propriété privée, dont certaines ont été couronnées de succès., De tels événements ont considérablement rehaussé le profil de Klimt en tant qu’artiste, la vente de certaines de ces œuvres récupérées entraînant des prix record.