débuts
Apollodoros et Skiagraphia
Les Tendances menant au développement du clair-obscur ont commencé dans la Grèce classique où L’artiste Apollodoros a été surnommé Apollodoros Skiagraphos, ou « peintre de l’ombre. »C’était dû à son invention de la skiagraphie, ou « peinture à l’ombre », une technique qui utilisait des hachures croisées et des dégradés de tons., Malheureusement, comme c’est le cas avec la plupart de la peinture grecque classique, son travail n’a pas survécu, mais la technique a été largement adoptée à Athènes. Survivant sous une forme plus rudimentaire tout au long de l « époque Byzantine, skiagraphia a été développé par l » utilisation de incidentendo et martizando, décrit par l « historien de l » art Janis C. Bell comme, « couches de blanc, brun, ou noir dans des motifs linéaires sur une couleur uniforme, » à la fin du Moyen Âge en Europe. La technique était souvent employée dans les manuscrits enluminés.,
la Renaissance
soulignant le renouveau de l’Antiquité classique, les artistes de la Renaissance ont redécouvert et développé des techniques qui ont permis de créer des figures naturalistes mais idéalisées habitant un espace tridimensionnel convaincant. L’Argent D’Hommage de Masaccio (1420) a été un exemple précoce de l’utilisation du clair-obscur pour créer des figures volumétriques, éclairées par une seule source de lumière en dehors du plan pictural., Cependant, il restait à Léonard de Vinci de développer pleinement la technique, comme on le voit dans son Adoration des Mages (1481) et la Vierge des rochers (1483-86). Ses figures et portraits, qui semblaient fluides et vivants avec la lumière et l’ombre, ont influencé les artistes ultérieurs et ont également informé le développement ultérieur de la gravure sur bois clair-obscur. Les artistes de la Renaissance Nord-européenne ont également adopté la technique, en particulier pour l’art religieux, en partie en raison de l’influence de Sainte Bridget de Suède au 14ème siècle., Sa célèbre vision de la Nativité de Jésus décrivait L’enfant Christ, posé sur le sol, son corps émettant de la lumière, tandis qu’une Vierge Marie blonde, en présence de Joseph, s’agenouillait pour le prier. La vision est devenue le modèle du sujet populaire, également appelé L’Adoration de l’enfant.,
art Baroque
alors que L’art Baroque s’est détourné des compositions asymétriques et a atténué, parfois exagéré, la figuration du Maniérisme aux principes classiques de la Renaissance, mettant l’accent sur la figuration anatomiquement correcte et l’espace tridimensionnel convaincant, il l’a fait, Plutôt que les transitions subtiles de couleur et de lumière de Léonard, Caravage a poussé le clair-obscur plus loin en développant le ténébrisme, en utilisant les contrastes, comme un geste ou une figure était intensément illuminé comme par un projecteur dans un cadre sombre. Dans l’art religieux, comme on le voit dans sa triade révolutionnaire d’images, représentant l’appel et le martyre de Saint Matthieu pour la Chapelle Contarelli à Rome, la technique a rendu visuellement clairs les moments où la réalité ordinaire était interrompue par l’illumination du divin., Dans l’art profane, comme on le voit dans son David à la tête de Goliath (1610), la technique pouvait transmettre une complexité psychologique profonde et souvent tragique. Caravage était connu comme « l’artiste le plus célèbre de Rome”, et son utilisation du clair-obscur a tellement influencé les artistes de toute l’Europe que, par la suite, le terme a souvent été utilisé comme synonyme de l’époque., Cependant, de nombreux maîtres baroques ont non seulement utilisé la technique mais l’ont trouvée un élément essentiel dans la création d’un style individuel distinctif, que ce soit la lumière dorée de Rembrandt dans Bathsheba at Her Bath (1654), le plaisir de la couleur et de la sensualité de Peter Paul Rubens dans le débarquement de Marie de Médicis à Marseille (1621-1625), ou Velázquez où les ombres et la lumière deviennent le mystère de la perception elle-même comme dans Las Meninas (1656).,
Concepts et tendances
dessin clair-obscur et gravures sur bois
à la Renaissance, les artistes ont développé le dessin clair-obscur, en ajoutant du blanc pour les effets de lumière et du noir pour les effets sombres. Beaucoup de ces œuvres, ainsi que des peintures de la Renaissance et des dessins de lavis, étaient en demande comme reproductions, et, en 1508, L’artiste allemand Hans Burgkmair a inventé des gravures sur bois clair-obscur., Il a d’abord imprimé avec un bloc de lignes, encré en noir, pour les lignes de contour et les croisements, puis a utilisé des blocs supplémentaires, encrés dans des variations tonales, pour créer des ombrages. En découpant une partie du bloc et en laissant une zone non imprimée, les artistes ont créé des reflets dans les impressions monochromatiques, qui utilisaient principalement du brun, du noir, du gris ou du vert. Lucas Cranach L’Ancien, Niccolò Vicentino, Nicolò Boldrini et Andrea Andreani ne sont que quelques-uns des artistes qui ont adopté la technique, qui a également engagé Raphaël, Parmigianino et Titien. Les Innovations ont souvent suivi., Ugo da Carpi est devenu le premier artiste italien à adopter la technique vers 1516, et les artistes italiens imprimaient généralement avec une série de blocs de tons, soulignant les transitions de couleurs et laissant de côté les contours noirs du bloc de lignes favorisés par les Européens Du Nord
Sfumato
pour montrer les effets de la lumière sur les surfaces courbes et perfectionne la technique du sfumato, qu’il décrit comme « sans lignes ni frontières, à la manière de la fumée ou au-delà du plan de mise au point., »Signifiant » disparaître comme de la fumée », sfumato consistait à appliquer plusieurs fines couches de glaçure pour créer des transitions tonales douces et des gradations entre la lumière et l’ombre et à ajouter des transitions subtiles au clair-obscur. Plus tard, Giorgio Vasari a attribué son invention à Jan van Eyck et Roger van der Weyden, deux Européens Du Nord du début de la Renaissance, mais elle était déjà identifiée à Da Vinci, qui maîtrisait la technique dans sa Vierge des rochers (1483-1486) et la Joconde (1503-1506)., La technique nécessitait une expertise importante, car les scientifiques modernes ont discerné que les glaçures de l’artiste n’avaient parfois qu’un micron de profondeur et étaient faites de blanc de plomb auquel un pour cent de vermillon avait été ajouté.
D’autres artistes ont adopté la technique, dont Raphaël, Correggio, Fra Bartolommeo et Giorgione, et elle a également influencé le « Leonardeschi », le nom donné au grand nombre d’artistes qui se sont associés à Leonardo ou ont travaillé dans son atelier. L’Innovation a suivi, comme Raphaël a développé ce que l’historienne de L’art contemporain Marcia B., Hall défini comme unione. Cherchant à combiner les qualités tonales et les ombres douces de sfumato avec sa palette de couleurs vives, il a utilisé des changements de couleurs progressifs pour créer des bords mélangés, comme on le voit dans son Alba Madonna (C. 1510) célébrée pour sa couleur vibrante et son unité fluide.
Tenebrism
Tenebrism, dérivé de tenebroso, un mot italien qui signifie « sombre, glauque, sombre, » utilisé de contrastes saisissants entre la lumière et l’obscurité, comme des tableaux avec des zones noires et profondes ombres serait intensément lumineux, souvent par une seule source de lumière., Alors que le ténébrisme s’est développé à partir du clair-obscur, contrairement à cette technique, il ne visait pas une plus grande tridimensionnalité, mais était compositionnel, utilisant l’obscurité profonde comme une sorte d’espace négatif, tandis que la lumière intense dans d’autres domaines créait ce qui a été appelé « illumination dramatique. »
bien que L’artiste de la Renaissance Albrecht Dürer et les maniéristes Tintoret et El Greco aient utilisé la technique plus tôt, le ténébrisme est généralement identifié au Caravage, qui non seulement maîtrisait la technique, mais faisait de son effet » projecteur » une caractéristique déterminante de son travail. En raison D’œuvres comme le martyre de St., Matthew (1600) il est devenu largement influent, à tel point que tenebristi, groupes d’artistes employant la technique comme L’école D’Utrecht, ont été trouvés dans toute L’Europe du Nord, L’Italie et L’Espagne. Le terme ténébrisme a souvent été appliqué aux œuvres de Jusepe de Ribera, Francisco Ribalta, et d’autres artistes espagnols du 17ème siècle. En même temps, il était associé à la « tradition de la chandelle » du 17ème siècle, un terme décrivant des scènes nocturnes éclairées par une seule bougie, comme on le voit dans certaines œuvres de Gerrit van Honthorst, Rembrandt et Georges de la Tour.,
développements ultérieurs
Après la période Baroque, le clair-obscur était une technique établie, employée par divers artistes dans les siècles qui ont suivi. Les principaux artistes Rococo Fragonard, Watteau et Joseph Wright de Derby, employaient le clair-obscur pour transmettre des moments d’intimité et de rêverie. Dans la période romantique, Géricault l’utilise pour transmettre la tragédie du Radeau de la Méduse, tandis que Henry Fusilli peint Le Cauchemar obsédant, et Francisco Goya Le troisième Mai dépeint l’obscurité de la terreur Politique., La technique pourrait être tournée vers différents objectifs qui en ont fait un outil important pour créer un style individuel dans l’ère moderne.
au 20e siècle, la photographie et le cinéma se sont également efforcés d’obtenir des effets de clair-obscur. Les photographes modernistes, y compris Ansel Adams, Edward Weston et W. Eugene Smith, utilisaient souvent le clair-obscur, car le contraste de la lumière et de l’ombre soulignait les qualités formelles de l’image. Joseph Koudelka, Lothar Wolleh, Annie Leibovitz, Garry Winogrand et Ralph Gibson sont d’autres photographes qui ont utilisé cette technique., La photographie de Studio utilise souvent L’éclairage Rembrandt, une technique qui, en utilisant une lumière avec un réflecteur ou deux sources lumineuses, est destinée à créer les effets de clair-obscur des portraits de l’artiste, traduits dans un médium moderne.
au cinéma, les expressionnistes allemands ont mis l’accent sur le clair-obscur, comme on le voit dans le Cabinet du Dr Caligari (1920) et Nosferatu (1922), ainsi que dans Metropolis (1927) DE Fritz Lang.,
à Hollywood, le directeur de la photographie Gregg Toland a d’abord utilisé le clair-obscur dans The Life and Death of 9413: a Hollywood Extra (1928) et ses innovations dans les années 1930 ont informé le genre du film noir et en ont fait l’un des cameramen les plus recherchés. Il a travaillé avec la plupart des grands réalisateurs, mais est particulièrement connu pour son travail sur le long Voyage de John Ford (1940) et Citizen Kane D’Orson Welles. Créant des compositions de mise au point profonde, Toland a utilisé l’ombre comme un dispositif dramatique et pictural, définissant l’arrière-plan à partir du premier plan., Il a influencé de nombreux autres cinéastes, dont Vittorio Storaro, Vilmos Zsigmond et László Kovács.
D’autres cinéastes hollywoodiens connus pour leur utilisation du clair-obscur incluent William Dieterle, comme on le voit dans son The Hunchback of Notre Dame (1939) et The Devil and Daniel Webster (1941). La technique était également répandue en Europe. Sven Nykvist, qui a travaillé sur de nombreux films D’Ingmar Bergman, a utilisé ce qu’on a appelé le réalisme clair-obscur, et le cinéaste russe Andre Tarkovsky a utilisé le clair-obscur dans les scènes en noir et blanc qu’il a incluses dans Stalker (1979).