Madame Lelica

Avis Berman

Roy Lichtenstein fue uno de los artistas más influyentes e innovadores de la segunda mitad del siglo XX., Está preeminentemente identificado con el arte Pop, un movimiento que ayudó a originar, y sus primeras pinturas plenamente logradas se basaron en imágenes de tiras cómicas y anuncios y se renderizaron en un estilo que imitaba los crudos procesos de impresión de la reproducción de periódicos. Estas pinturas revitalizaron la escena artística estadounidense y alteraron la historia del arte moderno., El éxito de Lichtenstein fue igualado por su enfoque y energía, y después de su triunfo inicial a principios de la década de 1960, pasó a crear una obra de más de 5.000 pinturas, grabados, dibujos, esculturas, murales y otros objetos celebrados por su ingenio e invención.Roy Fox Lichtenstein nació el 27 de octubre de 1923, en la ciudad de Nueva York, el primero de dos hijos de Milton y Beatrice Werner Lichtenstein., Milton Lichtenstein (1893-1946) fue un exitoso corredor de bienes raíces, y Beatrice Lichtenstein (1896-1991), una ama de casa, se había formado como pianista, y expuso a Roy y su hermana Rénee a museos, conciertos y otros aspectos de la cultura de Nueva York. Roy mostró su habilidad artística y musical desde el principio: dibujó, pintó y esculpió cuando era adolescente, y pasó muchas horas en el Museo Americano de Historia Natural y el Museo de Arte Moderno. Tocó el piano y el clarinete, y desarrolló un amor duradero por el jazz, frecuentando los lugares nocturnos en Midtown para escucharlo.,

Lichtenstein asistió a la Franklin School for Boys, una escuela secundaria y secundaria privada, y se graduó en 1940. Ese verano estudió pintura y dibujo del modelo en la Liga de estudiantes de arte de Nueva York con Reginald Marsh. En septiembre ingresó en la Universidad Estatal de Ohio (osu) en Columbus en la Facultad de Educación. Sus primeros ídolos artísticos fueron Rembrandt, Daumier y Picasso, y a menudo decía que Guernica (1937; Museo Reina Sofía, Madrid), entonces en préstamo a largo plazo al Museo de Arte Moderno, era su pintura favorita., Incluso como estudiante, Lichtenstein se opuso a la noción de que un conjunto de líneas (los dibujos de una persona) «se consideraba brillante, y el de otra persona, que puede haberse visto mejor para usted, no se consideraba nada por casi todo el mundo.»el cuestionamiento de I Lichtenstein de los cánones aceptados del gusto fue alentado por Hoyt L. Sherman, un maestro a quien sostuvo que era la persona que le mostró cómo ver y cuyo enfoque del arte basado en la percepción moldeó el suyo propio.

en febrero de 1943, Lichtenstein fue reclutado, y fue enviado a Europa en 1945., Como parte de la infantería, entró en acción en Francia, Bélgica y Alemania. Hizo bocetos a lo largo de su tiempo en Europa y, después de que se declarara la paz allí, tenía la intención de estudiar en la Sorbona. Lichtenstein llegó a París en octubre de 1945 y se matriculó en clases de lengua francesa y civilización, pero pronto se enteró de que su padre estaba gravemente enfermo. Regresó a Nueva York en enero de 1946, unas semanas antes de la muerte de Milton Lichtenstein. En la primavera de ese año, Lichtenstein regresó a OSU para completar su BFA y en el otoño fue invitado a unirse a la facultad como instructor., En junio de 1949, se casó con Isabel Wilson Sarisky (1921-80), quien trabajó en una galería de arte cooperativa en Cleveland donde Lichtenstein había expuesto su trabajo. Mientras enseñaba, Lichtenstein trabajó en su maestría, que recibió en 1949. Durante su segunda temporada en OSU, Lichtenstein se acercó a Sherman, y comenzó a enseñar su método sobre cómo organizar y unificar una composición. Lichtenstein se mantuvo agradecido por el impacto de Sherman en él. Le dio a su primer hijo el segundo nombre de «Hoyt», y en 1994 donó fondos para dotar al Hoyt L. Sherman Studio Art Center en OSU.,

a finales de la década de 1940 y principios de la década de 1950, Lichtenstein comenzó a trabajar en serie y su iconografía se extrajo de imágenes impresas. Su primer tema sostenido, pinturas íntimas y grabados en la vena de Paul Klee que se burlaban líricamente de caballeros medievales, castillos y doncellas, bien puede haber sido inspirado por un libro sobre el tapiz de Bayeux. Lichtenstein luego tomó una mirada irónica a las pinturas de género estadounidenses del siglo XIX que vio en los libros de historia, creando interpretaciones cubistas de vaqueros e indios con una fantasía falsa-primitiva.,

al igual que con sus pinturas Pop más célebres de la década de 1960, Lichtenstein gravitó hacia lo que caracterizaría como el elemento visual «más tonto» o «peor» que pudo encontrar y luego lo alteró o mejoró. En la década de 1960, el arte comercial era considerado despreciable por el mundo del arte; a principios de la década de 1950, con el auge del Expresionismo abstracto, la narrativa estadounidense del siglo XIX y las pinturas de género estaban en el punto más bajo de su reputación entre los críticos y coleccionistas. La parafraseo, particularmente la parafraseo de imágenes despreciadas, se convirtió en una característica primordial del arte de Lichtenstein., Mucho antes de encontrar su modo de expresión característico en 1961, Lichtenstein llamó la atención sobre el artificio de las convenciones y el gusto que impregnaba el arte y la sociedad. Lo que otros descartaron como trivial lo fascinó como clásico e idealizado-en sus palabras, » un tema mitológico puramente estadounidense.»II

el contrato de enseñanza de Lichtenstein en OSU no fue renovado para el año académico 1951-52, y en el otoño de 1951 él e Isabel se mudaron a Cleveland. Isabel Lichtenstein se convirtió en una decoradora de interiores especializada en diseño moderno, con una clientela procedente de familias ricas de Cleveland., Mientras que su carrera floreció, Lichtenstein no continuó enseñando a nivel universitario. Tuvo una serie de trabajos a tiempo parcial, incluyendo dibujante industrial, diseñador de muebles, aparador de ventanas y diales mecánicos de renderizado para una compañía de instrumentos eléctricos. En respuesta a estas experiencias, introdujo motores, válvulas y otros elementos mecánicos en sus pinturas y grabados. En 1954, el primer hijo de los Lichtenstein, David, nació; dos años más tarde, su segundo hijo, Mitchell, le siguió., A pesar de la relativa falta de interés en su trabajo en Cleveland, Lichtenstein colocó su trabajo con los concesionarios de Nueva York, que siempre le importaba inmensamente. Tuvo su primera exposición individual en la Carlebach Gallery de Nueva York en 1951, seguida de una representación en la John Heller Gallery de 1952 a 1957.

para recuperar su carrera académica y acercarse a Nueva York, Lichtenstein aceptó un puesto como profesor asistente en la Universidad Estatal de Nueva York en Oswego, en el extremo norte del estado. Fue contratado para enseñar diseño industrial, a partir de septiembre de 1957., Oswego resultó estar más aislado geográfica y estéticamente que Cleveland, pero el movimiento fue propicio, tanto para su arte como para su carrera. Lichtenstein se separó de la representación a un estilo totalmente abstracto, aplicando amplias franjas de pigmento al lienzo arrastrando la pintura a través de su superficie con un trapo envuelto alrededor de su brazo. Al mismo tiempo, Lichtenstein estaba incrustando personajes de cómics como Mickey Mouse y el Pato Donald en fondos expresionistas y bruscos., Ninguna de las pinturas proto-cartoon de este período sobrevive, pero varios estudios a lápiz y pastel de esa época, que conservó, documentan sus intenciones. Finalmente, cuando estaba en Oswego, Lichtenstein conoció a Reginald Neal, el nuevo jefe del departamento de arte en Douglass College, El Colegio de mujeres de la Universidad Rutgers, en New Brunswick, Nueva Jersey. La escuela estaba fortaleciendo y expandiendo su programa de arte de estudio, y cuando Neal necesitó agregar un miembro de la facultad a su departamento, Lichtenstein fue invitado a solicitar el trabajo., A Lichtenstein se le ofreció el puesto de profesor asistente, y comenzó a enseñar en Douglass en septiembre de 1960.

en Douglass, Lichtenstein fue arrojado a una vorágine de efervescencia artística. Con los museos y galerías de Nueva York a una hora de distancia, y los colegas Geoffrey Hendricks y Robert Watts en Douglass y Allan Kaprow y George Segal en Rutgers, el medio ambiente no pudo evitar galvanizarlo. En junio de 1961, Lichtenstein volvió a la idea con la que había tonteado en Oswego, que era combinar personajes de dibujos animados de cómics con fondos abstractos., Pero, como dijo Lichtenstein, » se me ocurrió hacerlo imitando el estilo de dibujos animados sin la textura de la pintura, la línea caligráfica, la modulación, todas las cosas involucradas en el expresionismo.»iii más famoso, Lichtenstein se apropió de los puntos de Benday, el minucioso patrón mecánico utilizado en el grabado comercial, para transmitir textura y gradaciones de color, un lenguaje estilístico sinónimo de su tema. Los puntos se convirtieron en un dispositivo de marca registrada para siempre identificado con Lichtenstein y el arte Pop., Lichtenstein puede no haber calibrado la profundidad de su avance de inmediato, pero se dio cuenta de que el efecto plano y la presentación inexpresiva del panel de historietas volado y reorganizado de la manera de Sherman «era mucho más convincente»iv que la abstracción gestual que había estado practicando.

entre las primeras pinturas existentes en este nuevo modo, basadas en tiras cómicas e ilustraciones de anuncios, se encontraban Popeye y Look Mickey, a los que siguieron rápidamente The Engagement Ring, Girl with Ball y Step—On Can with Leg., Kaprow reconoció la energía y el radicalismo de estos lienzos y dispuso que Lichtenstein los mostrara a Ivan Karp, director de la galería Leo Castelli. Castelli era el principal distribuidor de Arte Contemporáneo de Nueva York, y había organizado exposiciones emblemáticas de Jasper Johns y Robert Rauschenberg en 1958 y Frank Stella en 1960., Karp se sintió inmediatamente atraído por las pinturas de Lichtenstein, pero Castelli fue más lento para tomar una decisión, en parte debido a las raíces plebeyas de las pinturas en el arte comercial, pero también porque, desconocido para Lichtenstein, otros dos artistas habían llamado su atención recientemente—Andy Warhol y James Rosenquist—y Castelli solo estaba listo para uno de ellos. Después de algunas deliberaciones, Castelli eligió representar a Lichtenstein, y la primera exposición de las pinturas de cómic se celebró en la galería del 10 de febrero al 3 de marzo de 1962. El espectáculo se agotó e hizo notorio a Lichtenstein., En el momento de la segunda exposición individual de Lichtenstein en Castelli en septiembre de 1963, su trabajo había sido exhibido en museos y galerías de todo el país. Fue generalmente agrupado con Johns, Rauschenberg, Warhol, Rosenquist, Segal, Jim Dine, Claes Oldenburg, Robert Indiana y Tom Wesselmann. En conjunto, su trabajo fue visto como una bofetada al expresionismo abstracto y, de hecho, los artistas Pop desviaron la atención de muchos miembros de la Escuela de Nueva York.,

con el advenimiento del éxito crítico y comercial, Lichtenstein hizo cambios significativos en su vida y continuó investigando nuevas posibilidades en su arte. Después de separarse de su esposa, se mudó de Nueva Jersey a Manhattan en 1963; en 1964, renunció a su puesto de profesor en Douglass para concentrarse exclusivamente en su trabajo. El artista también se aventuró más allá de los temas de cómic, ensayando pinturas basadas en oilseos de Cézanne, Mondrian y Picasso, así como bodegones y paisajes.,

Lichtenstein se convirtió en un prolífico grabador y se expandió a la escultura, que no había intentado desde mediados de la década de 1950, y en piezas bidimensionales y tridimensionales, empleó una serie de materiales industriales o «no artísticos», y diseñó objetos editados producidos en masa que eran menos costosos que las pinturas y esculturas tradicionales. Lichtenstein participó en uno de esos proyectos—la exposición de Supermercados americanos en 1964 en la galería Paul Bianchini, para la que diseñó una bolsa de compras—y conoció a Dorothy Herzka (nacida en 1939), una empleada de la galería, con la que se casó en 1968. , A finales de la década de 1960 también vio las primeras encuestas de museos de Lichtenstein: en 1967 el Museo de arte de Pasadena inició una retrospectiva itinerante, en 1968 el Stedelijk Musem de Ámsterdam presentó su primera retrospectiva Europea, y en 1969 tuvo su primera retrospectiva de Nueva York, en el Solomon R. Guggenheim Museum.

queriendo crecer, Lichtenstein se alejó de los temas de cómics que le habían dado prominencia. A finales de la década de 1960, su trabajo se volvió menos narrativo y más abstracto, ya que continuó meditando sobre la naturaleza de la empresa artística en sí., Comenzó a explorar y deconstruir la noción de pinceladas—los bloques de construcción de la pintura occidental. Las pinceladas son convencionalmente concebidas como vehículos de expresión, pero Lichtenstein las convirtió en un sujeto. Los artistas modernos han mantenido típicamente que el tema de una pintura es la pintura misma. Lichtenstein llevó esta idea un paso imaginativo más allá: un elemento compositivo podría servir como tema de una obra y hacer que el bromuro suene verdadero.,

la búsqueda de nuevas formas y fuentes fue aún más enfática después de 1970, cuando Roy y Dorothy Lichtenstein compraron propiedades en Southampton, Nueva York, y la convirtieron en su residencia principal. Durante la fértil década de 1970, Lichtenstein exploró un aspecto de la percepción que le había preocupado constantemente: la facilidad con la que lo irreal se valida como lo real porque los espectadores han aceptado tantas concepciones visuales que no analizan lo que ven., En la serie Mirror, se ocupó de la luz y la sombra sobre el vidrio, y en la serie Entablature, consideró los mismos fenómenos al abstraer elementos arquitectónicos de Beaux-Art como cornisas, dientes, capiteles y columnas. Del mismo modo, Lichtenstein creó una escultura de Bronce pintada pionera que subvirtió la tridimensionalidad y permanencia convencionales del medio. Las formas de Bronce eran lo más planas y delgadas posible, más relacionadas con la línea que con el volumen, y retrataban las sensaciones más fugitivas: rizos de vapor, rayos de luz y reflejos sobre el vidrio., El vapor, los reflejos y la sombra eran signos para sí mismos que inmediatamente serían reconocidos como tales por cualquier espectador.

otra panoplia completa de obras producidas durante la década de 1970 fueron encuentros complejos con el cubismo, el futurismo, el purismo, el surrealismo y el expresionismo. Lichtenstein expandió su paleta más allá del rojo, azul, amarillo, negro, blanco y verde, e inventó y combinó formas. Él no solo era aislar encontraron imágenes, pero la yuxtaposición, superposición, la fragmentación y recomposición de ellos., En palabras del historiador del arte Jack Cowart, las composiciones virtuosas de Lichtenstein eran » un rico diálogo de formas-todas ellas modificadas intuitivamente y liberadas de sus fuentes nominales.a principios de la década de 1980, que coincidió con el restablecimiento de un estudio en la ciudad de Nueva York, Lichtenstein también estaba en la cúspide de una carrera de murales ocupada. En las décadas de 1960 y 1970, había completado cuatro murales; entre 1983 y 1990, creó cinco. También realizó importantes encargos para esculturas públicas en Miami Beach, Columbus, Minneapolis, París, Barcelona y Singapur.,

Lichtenstein creó tres grandes series en la década de 1990, cada una emblemática de su continuo interés en resolver problemas pictóricos. Los interiores, lienzos de tamaño mural inspirados en un minúsculo anuncio en una guía telefónica italiana, vuelven a ahondar en las ambigüedades perceptivas de los reflejos de ventanas y espejos. Los desnudos retoman el tema de las mujeres en un modo romance-cómico, que Lichtenstein había introducido en la década de 1960 y amplificado en exuberantes escenas de playa de inspiración surrealista en la década de 1970., Al igual que con los interiores, hay una amplia cita de elementos de lienzos anteriores, los muebles del mundo pintado de Lichtenstein. También utilizó la serie para investigar la mezcla de claroscuro (que ideó con puntos y sombreado) con áreas planas de color. Este efecto llegó a su máxima expresión en sus paisajes chinos, el encuentro final de Lichtenstein con una tradición artística monumental, y uno de los más sutiles. Las configuraciones de tierra, agua, montañas y aire que se encuentran en las pinturas y pergaminos de la dinastía Song son simuladas por campos suavemente a la deriva de puntos graduados., Ninguno de los contornos negros habituales de Lichtenstein define las formas monocromáticas, lo que aumenta la calidad contemplativa y abstracta de la serie.

en agosto de 1997, Lichtenstein enfermó de neumonía. Murió inesperadamente de complicaciones de la enfermedad el 29 de septiembre de 1997, a la edad de 73 años, en la ciudad de Nueva York.