Madame Lelica

Avis Berman

Roy Lichtenstein war einer der einflussreichsten und innovativsten Künstler der zweiten Hälfte des zwanzigsten Jahrhunderts., Er ist herausragend mit Pop-Art identifiziert, eine Bewegung, die er dazu beigetragen, entstanden, und seine ersten voll erreicht Gemälde wurden auf Bildern aus Comic-Strips und Anzeigen basiert und in einem Stil gemacht imitiert die rohen Druckprozesse der Zeitungsreproduktion. Diese Gemälde haben die amerikanische Kunstszene neu belebt und die Geschichte der modernen Kunst verändert., Lichtensteins Erfolg entsprach seinem Fokus und seiner Energie und nach seinem ersten Triumph in den frühen 1960er Jahren schuf er ein Oeuvre von mehr als 5,000 Gemälden, Drucken, Zeichnungen, Skulpturen, Wandgemälden und anderen Objekten, die für ihren Witz und ihre Erfindung gefeiert wurden.oktober 1923 in New York City als erstes von zwei Kindern von Milton und Beatrice Werner Lichtenstein geboren., Milton Lichtenstein (1893-1946) war ein erfolgreicher Immobilienmakler, und Beatrice Lichtenstein (1896-1991), eine Hausfrau, hatte eine Ausbildung als Pianistin, und sie ausgesetzt Roy und seine Schwester Rénee Museen, Konzerte und andere Aspekte der New Yorker Kultur. Roy zeigte schon früh künstlerische und musikalische Fähigkeiten: Er zeichnete, malte und formte als Teenager und verbrachte viele Stunden im American Museum of Natural History und im Museum of Modern Art. Er spielte Klavier und Klarinette, und entwickelte eine dauerhafte Liebe zum Jazz, die Nachtclubs in Midtown besuchen, um es zu hören.,

Lichtenstein besuchte die Franklin School for Boys, eine private Junior High und High School, und wurde 1940 abgeschlossen. In diesem Sommer studierte er Malerei und Zeichnung vom Modell an der Art Students League of New York bei Reginald Marsh. Im September trat er in Ohio State University (OSU) in Columbus in der Hochschule für Bildung. Seine frühen künstlerischen Idole waren Rembrandt, Daumier und Picasso, und er sagte oft, dass Guernica (1937; Museo Reina Sofía, Madrid), damals langfristig an das Museum of Modern Art ausgeliehen, sein Lieblingsmalerei war., Schon als Student widersprach Lichtenstein der Vorstellung, dass eine Reihe von Linien (die Zeichnungen einer Person) „als brillant angesehen wurde und die eines anderen, die für Sie vielleicht besser ausgesehen haben, von fast allen als nichts angesehen wurden.“ich weiß nicht, ob ich das noch einmal machen kann“, sagt er, „aber ich weiß nicht, ob ich das noch einmal machen werde“. Er selbst habe sich in den vergangenen Jahren immer wieder Gedanken gemacht, wie es weitergehen soll.

Im Februar 1943 wurde Lichtenstein eingezogen und 1945 nach Europa geschickt., Als Teil der Infanterie sah er Aktionen in Frankreich, Belgien und Deutschland. Er machte während seiner gesamten Zeit in Europa Skizzen und beabsichtigte, nachdem dort der Frieden erklärt worden war, an der Sorbonne zu studieren. Lichtenstein kam im Oktober 1945 in Paris an und schrieb sich in französischer Sprache und Zivilisation ein, erfuhr aber bald, dass sein Vater schwer krank war. Er kehrte im Januar 1946 nach New York zurück, einige Wochen bevor Milton Lichtenstein starb. Im Frühjahr desselben Jahres kehrte Lichtenstein zur OSU zurück, um seine BFA abzuschließen, und im Herbst wurde er eingeladen, als Dozent an die Fakultät zu gehen., Im Juni 1949 heiratete er Isabel Wilson Sarisky (1921-80), die in einer genossenschaftlichen Kunstgalerie in Cleveland arbeitete, wo Lichtenstein seine Werke ausgestellt hatte. Während er unterrichtete, arbeitete Lichtenstein an seinem Master-Abschluss, den er 1949 erhielt. Während seines zweiten Aufenthalts an der OSU kam Lichtenstein Sherman näher und lehrte seine Methode, wie man eine Komposition organisiert und vereinheitlicht. Lichtenstein blieb dankbar für Shermans Einfluss auf ihn. Er gab seinem ersten Sohn den zweiten Vornamen „Hoyt“ und 1994 spendete er Geld, um das Hoyt L. Sherman Studio Art Center an der OSU zu verleihen.,

In den späten 1940er und frühen 1950er Jahren begann Lichtenstein in Serie zu arbeiten und seine Ikonographie wurde aus gedruckten Bildern gezeichnet. Sein erstes nachhaltiges Thema, intime Gemälde und Drucke in der Ader von Paul Klee, die sich lyrisch über mittelalterliche Ritter, Burgen und Jungfrauen lustig machten, könnte von einem Buch über den Wandteppich von Bayeux inspiriert worden sein. Lichtenstein betrachtete dann ironisch die amerikanischen Genrebilder des neunzehnten Jahrhunderts, die er in Geschichtsbüchern sah, und schuf kubistische Interpretationen von Cowboys und Indianern, die mit einer faux-primitiven Laune versetzt waren.,

Wie bei seinen berühmtesten Pop-Gemälden der 1960er Jahre tendierte Lichtenstein zu dem, was er als das „dümmste“ oder „schlechteste“ visuelle Element charakterisieren würde, das er finden konnte, und fuhr dann fort, es zu ändern oder zu verbessern. In den 1960er Jahren wurde kommerzielle Kunst von der Kunstwelt unter Verachtung betrachtet; In den frühen 1950er Jahren, mit dem Aufstieg des abstrakten Expressionismus, waren amerikanische Narrative und Genrebilder des neunzehnten Jahrhunderts an der Spitze ihres Rufs unter Kritikern und Sammlern. Paraphrasieren, insbesondere die Paraphrasierung verachteter Bilder, wurde zu einem vorrangigen Merkmal von Lichtensteins Kunst., Bevor Lichtenstein 1961 seine charakteristische Ausdrucksweise fand, machte er auf die Kunstfertigkeit von Konventionen und Geschmack aufmerksam, die Kunst und Gesellschaft durchdrangen. Was andere als trivial abtun, faszinierte ihn als klassisch und idealisiert—in seinen Worten „ein rein amerikanisches mythologisches Thema.“ii

Lichtensteins Lehrvertrag an der OSU wurde für das akademische Jahr 1951-52 nicht verlängert, und im Herbst 1951 zogen er und Isabel nach Cleveland. Isabel Lichtenstein wurde eine auf modernes Design spezialisierte Innenarchitektin mit einer Kundschaft aus wohlhabenden Cleveland-Familien., Während ihre Karriere blühte, lehrte Lichtenstein nicht weiter auf Universitätsebene. Er hatte eine Reihe von Teilzeitjobs, darunter industrieller Zeichner, Möbeldesigner, Fensterkaufmann und Rendering mechanische Zifferblätter für ein elektrisches Instrument Unternehmen. Als Reaktion auf diese Erfahrungen führte er schrullig gerenderte Motoren, Ventile und andere mechanische Elemente in seine Gemälde und Drucke ein. 1954 wurde der erste Sohn der Lichtensteins, David, geboren; zwei Jahre später folgte ihr zweites Kind, Mitchell., Trotz des relativen Mangels an Interesse an seiner Arbeit in Cleveland hat Lichtenstein seine Arbeit bei New Yorker Händlern platziert, was ihm immer sehr wichtig war. Er hatte seine erste Einzelausstellung in der Carlebach Gallery in New York im Jahr 1951, gefolgt von der Darstellung mit der John Heller Gallery von 1952 bis 1957.

Um seine akademische Laufbahn zurückzugewinnen und New York näher zu kommen, nahm Lichtenstein eine Stelle als Assistenzprofessor an der State University of New York in Oswego im Norden des Bundesstaates an. Ab September 1957 unterrichtete er Industriedesign., Oswego erwies sich als geografisch und ästhetisch isolierter als Cleveland, aber der Umzug war sowohl für seine Kunst als auch für seine Karriere günstig. Lichtenstein löste sich von der Darstellung zu einem vollständig abstrakten Stil auf, indem er breite Pigmentschwaden auf die Leinwand aufbrachte, indem er die Farbe mit einem Lappen um seinen Arm zog. Gleichzeitig hat Lichtenstein Comic-Figuren wie Mickey Mouse und Donald Duck in pinselige, expressionistische Hintergründe eingebettet., Keines der Proto-Cartoon-Gemälde aus dieser Zeit überlebt, aber mehrere Bleistift – und Pastellstudien aus dieser Zeit, die er aufbewahrte, dokumentieren seine Absichten. Als er schließlich in Oswego war, lernte Lichtenstein Reginald Neal kennen, den neuen Leiter der Kunstabteilung am Douglass College, dem Women ‚ s College der Rutgers University in New Brunswick, New Jersey. Die Schule stärkte und erweiterte ihr Studiokunstprogramm, und als Neal ein Fakultätsmitglied in seine Abteilung aufnehmen musste, Lichtenstein wurde eingeladen, sich für den Job zu bewerben., Lichtenstein wurde die Position eines Assistenzprofessors angeboten, und er begann im September 1960 in Douglass zu unterrichten.

Bei Douglass geriet Lichtenstein in einen Strudel künstlerischer Gärung. Mit New Yorker Museen und Galerien eine Stunde entfernt, und Kollegen Geoffrey Hendricks und Robert Watts bei Douglass und Allan Kaprow und George Segal bei Rutgers, die Umwelt konnte nicht anders, als ihn zu galvanisieren. Im Juni 1961 kehrte Lichtenstein zu der Idee zurück, mit der er in Oswego herumgespielt hatte, Zeichentrickfiguren aus Comics mit abstrakten Hintergründen zu kombinieren., Aber, wie Lichtenstein sagte, “ t fiel mir ein, es zu tun, indem sie den Cartoon—Stil ohne die Farbtextur imitieren, kalligraphische Linie, Modulation-all die Dinge im Expressionismus beteiligt.“iii Am bekanntesten war, dass sich Lichtenstein die Benday-Punkte aneignete, die winzige mechanische Musterung, die in der kommerziellen Gravur verwendet wurde, um Textur und Farbabstufungen zu vermitteln—eine stilistische Sprache, die gleichbedeutend mit seinem Thema ist. Die Punkte wurden zu einem Markenzeichen, das für immer mit Lichtenstein und Pop Art identifiziert wurde., Lichtenstein mag die Tiefe seines Durchbruchs nicht sofort kalibriert haben, aber er erkannte, dass der flache Affekt und die Deadpan-Präsentation des Comic-Panels, die auf Sherman-gebeugte Weise gesprengt und neu organisiert wurden, „einfach so viel überzeugender“waren als die gestische Abstraktion, die er praktiziert hatte.

Zu den ersten erhaltenen Gemälden in diesem neuen Modus—basierend auf Comics und Illustrationen aus der Werbung—gehörten Popeye und Look Mickey, denen schnell der Verlobungsring, Girl with Ball und Step-on Can mit Bein folgten., Kaprow erkannte die Energie und den Radikalismus dieser Leinwände und arrangierte, dass Lichtenstein sie Ivan Karp, Direktor der Leo Castelli Gallery, zeigte. Castelli war New Yorks führender Händler für zeitgenössische Kunst und hatte 1958 bahnbrechende Ausstellungen von Jasper Johns und Robert Rauschenberg und 1960 Frank Stella inszeniert., Karp war sofort von Lichtensteins Gemälden angezogen, aber Castelli war langsamer, eine Entscheidung zu treffen, teilweise wegen der plebejischen Wurzeln der Gemälde in der kommerziellen Kunst, aber auch, weil Lichtenstein zwei andere Künstler, die ihm unbekannt waren, kürzlich auf ihn aufmerksam geworden waren—Andy Warhol und James Rosenquist—und Castelli war nur für einen von ihnen bereit. Nach einigen Überlegungen entschied sich Castelli, Lichtenstein zu vertreten, und die erste Ausstellung der Comic-Gemälde fand vom 10. Die Show war ausverkauft und machte Lichtenstein berüchtigt., Zur Zeit von Lichtensteins zweiter Einzelausstellung in Castelli im September 1963 wurden seine Arbeiten in Museen und Galerien im ganzen Land gezeigt. Er wurde in der Regel mit Johns gruppiert, Rauschenberg, Warhol, Rosenquist, Segal, Jim Dine, Claes Oldenburg, Robert Indiana und Tom Wesselmann. Zusammengenommen wurde ihre Arbeit als Schlag ins Gesicht des abstrakten Expressionismus angesehen, und tatsächlich verlagerten die Popkünstler die Aufmerksamkeit von vielen Mitgliedern der New York School weg.,

Mit dem Aufkommen kritischer und kommerzieller Erfolge veränderte Lichtenstein sein Leben erheblich und erforschte weiterhin neue Möglichkeiten in seiner Kunst. Nachdem er sich von seiner Frau getrennt hatte, zog er 1963 von New Jersey nach Manhattan; 1964 trat er von seiner Lehrstelle bei Douglass zurück, um sich ausschließlich auf seine Arbeit zu konzentrieren. Der Künstler wagte sich auch über Comic-Themen hinaus, indem er Gemälde nach Ölen von Cézanne, Mondrian und Picasso sowie Stillleben und Landschaften aufarbeitete.,

Lichtenstein wurde ein produktiver Grafiker und erweiterte sich zur Skulptur, die er seit Mitte der 1950er Jahre nicht mehr versucht hatte, und sowohl in zwei-als auch in dreidimensionalen Stücken verwendete er eine Vielzahl von industriellen oder „Nichtkunstmaterialien“ und entwarf in Massenproduktion bearbeitete Objekte, die weniger teuer waren als traditionelle Gemälde und Skulpturen. Bei einem solchen Projekt-der American Supermarket Show 1964 in der Paul Bianchini Gallery, für die er eine Einkaufstasche entwarf—lernte Lichtenstein Dorothy Herzka (*1939) kennen, eine Galeristin, die er 1968 heiratete. , In den späten 1960er Jahren gab es auch Lichtensteins erste Museumserhebungen: 1967 initiierte das Pasadena Art Museum eine Wanderausstellung, 1968 präsentierte das Stedelijk Musem in Amsterdam seine erste europäische Retrospektive und 1969 seine erste New Yorker Retrospektive im Solomon R. Guggenheim Museum.

Lichtenstein wollte wachsen und wandte sich von den Comic-Themen ab, die ihm Prominenz eingebracht hatten. In den späten 1960er Jahren wurde seine Arbeit weniger narrativ und abstrakter, als er weiter über die Natur des Kunstunternehmens selbst meditierte., Er begann, den Begriff der Pinselstriche zu erforschen und zu dekonstruieren—die Bausteine der westlichen Malerei. Pinselstriche werden konventionell als Ausdrucksmittel konzipiert, aber Lichtenstein hat sie zu einem Thema gemacht. Moderne Künstler haben typischerweise behauptet, dass das Thema eines Gemäldes die Malerei selbst ist. Lichtenstein ging dieser Idee einen phantasievollen Schritt weiter: Ein kompositorisches Element könnte als Gegenstand eines Werkes dienen und diesen Bromidring wahr machen.,

Die Suche nach neuen Formen und Quellen war nach 1970, als Roy und Dorothy Lichtenstein Immobilien in Southampton, New York, kauften und sie zu ihrem Hauptwohnsitz machten, noch nachdrücklicher. Während des fruchtbaren Jahrzehnts der 1970er Jahre untersuchte Lichtenstein einen Aspekt der Wahrnehmung, der ihn immer wieder beschäftigt hatte: Wie leicht das Unwirkliche als Real validiert wird, weil die Zuschauer so viele visuelle Vorstellungen akzeptiert haben, dass sie nicht analysieren, was sie sehen., In der Mirror-Serie beschäftigte er sich mit Licht und Schatten auf Glas, und in der Entablature-Serie betrachtete er dieselben Phänomene, indem er architektonische Elemente wie Gesimse, Dentile, Kapitelle und Säulen von Beaux-Art abstrahierte. In ähnlicher Weise schuf Lichtenstein bahnbrechende bemalte Bronzeskulpturen, die die konventionelle Dreidimensionalität und Beständigkeit des Mediums untergruben. Die Bronzeformen waren so flach und dünn wie möglich, mehr mit Linie als mit Volumen verbunden, und sie porträtierten die flüchtigsten Empfindungen—Dampflocken, Lichtstrahlen und Reflexionen auf Glas., Der Dampf, die Reflexionen und der Schatten waren Zeichen für sich selbst, die von jedem Betrachter sofort als solche erkannt würden.

Ein weiteres ganzes Werkspektrum der 1970er Jahre waren komplexe Begegnungen mit Kubismus, Futurismus, Purismus, Surrealismus und Expressionismus. Lichtenstein erweiterte seine Palette über Rot, Blau, Gelb, Schwarz, Weiß und Grün hinaus und erfand und kombinierte Formen. Er isolierte nicht nur gefundene Bilder, sondern stellte sie nebeneinander, überlappte, fragmentierte und setzte sie neu zusammen., Nach den Worten des Kunsthistorikers Jack Cowart waren Lichtensteins virtuose Kompositionen „ein reicher Dialog von Formen-alle intuitiv modifiziert und aus ihren nominalen Quellen befreit.“v In den frühen 1980er Jahren, die mit der Neugründung eines Studios in New York City zusammenfielen, befand sich Lichtenstein ebenfalls auf dem Höhepunkt einer geschäftigen Wandmalerkarriere. In den 1960er und 1970er Jahren hatte er vier Wandgemälde fertiggestellt; zwischen 1983 und 1990 schuf er fünf. Er vollendete auch große Aufträge für öffentliche Skulpturen in Miami Beach, Columbus, Minneapolis, Paris, Barcelona und Singapur.,

Lichtenstein schuf in den 1990er Jahren drei große Serien, die jeweils für sein andauerndes Interesse an der Lösung von Bildproblemen stehen. Die Innenräume, wandgroße Leinwände, die von einer winzigen Werbung in einem italienischen Telefonbuch inspiriert sind, tauchen erneut in die Wahrnehmungsdeutigkeiten von Reflexionen aus Fenstern und Spiegeln ein. Die Akte wiederholen das Thema Frauen in einem romantisch-komischen Modus, den Lichtenstein in den 1960er Jahren eingeführt und in üppigen surrealistisch inspirierten Strandszenen in den 1970er Jahren verstärkt hatte., Wie bei den Interieurs gibt es reichlich Zitate von Elementen aus früheren Leinwänden, den Möbeln von Lichtensteins gemalter Welt. Er verwendete die Serie auch, um das Mischen von Helldunkel (das er mit Punkten und Schattierungen entwickelte) mit flachen Farbbereichen zu untersuchen. Dieser Effekt wurde in seinen chinesischen Landschaften, Lichtensteins letzter Begegnung mit einer monumentalen Kunsttradition—und einer seiner subtilsten-zu einem ultimativen Höhepunkt gebracht. Konfigurationen von Land, Wasser, Bergen und Luft, die in Gemälden und Schriftrollen der Song-Dynastie zu finden sind, werden durch sanft driftende Felder mit abgestuften Punkten simuliert., Keine der üblichen schwarzen Konturen von Lichtenstein definiert die monochromatischen Formen, was die kontemplative und abstrakte Qualität der Serie erhöht.

Im August 1997 erkrankte Lichtenstein an einer Lungenentzündung. September 1997 unerwartet im Alter von 73 Jahren in New York City an den Folgen der Krankheit.