Madame Lelica

DevelopmentEdit

romanen Fight Club av Chuck Palahniuk publicerades 1996. Innan dess publicering skickade en Fox Searchlight Pictures book scout ett pentry bevis på romanen till creative executive Kevin McCormick. Den verkställande tilldelade en studioläsare för att granska beviset som kandidat för en filmanpassning, men läsaren avskräckte det. McCormick vidarebefordrade sedan beviset till producenterna Lawrence Bender och Art Linson, som också avvisade det. Producenter Josh Donen och Ross Bell såg potential och visat intresse., De ordnade obetalda skärmläsningar med aktörer för att bestämma skriptets längd, och en första läsning varade sex timmar. Producenterna klippte ut sektioner för att minska körtiden, och de använde det kortare skriptet för att spela in sin dialog. Bell skickade en inspelning till Laura Ziskin, chef för division Fox 2000, som lyssnade på bandet och köpte rättigheterna till Fight Club från Palahniuk för $10.000.

Ziskin ansåg ursprungligen att anställa Buck Henry för att skriva anpassningen, hitta Fight Club som liknar 1967-filmen The Graduate, som Henry hade anpassat., När en ny manusförfattare, Jim Uhls, lobbade Donen och Bell för jobbet, producenterna valde honom över Henry. Bell kontaktade fyra regissörer för att regissera filmen. Han ansåg att Peter Jackson det bästa valet, men Jackson var för upptagen med att filma 1996 filmen The Frighteners i Nya Zeeland. Bryan Singer fick boken men läste inte den. Danny Boyle träffade Bell och läste boken, men han förföljde en annan film. David Fincher, som hade läst Fight Club och hade försökt köpa rättigheterna sig själv, pratade med Ziskin om att regissera filmen., Han tvekade att acceptera uppdraget med 20th Century Fox först eftersom han hade en obehaglig upplevelse att styra 1992 filmen Alien 3 till studion. För att reparera sitt förhållande till studion träffade han Ziskin och studio head Bill Mechanic. I augusti 1997 meddelade 20th Century Fox att Fincher skulle styra filmatiseringen av Fight Club.

CastingEdit

producent Ross Bell träffade skådespelaren Russell Crowe för att diskutera sin kandidatur för rollen som Tyler Durden. Producent Art Linson, som gick med i projektet sent, träffade Pitt om samma roll., Linson var den ledande producenten av de två, så studion försökte kasta Pitt istället för Crowe. Pitt letade efter en ny film efter det inhemska misslyckandet av hans 1998-film Meet Joe Black, och studion trodde att Fight Club skulle bli mer kommersiellt framgångsrik med en stor stjärna. Studion signerade Pitt för 17,5 miljoner dollar.

för rollen som den namnlösa berättaren önskade studion ett ”sexier marquee-namn” som Matt Damon för att öka filmens kommersiella utsikter; det ansåg också Sean Penn. Fincher ansåg istället Norton baserat på hans prestation i 1996-filmen The People vs., Larry Flynt. Andra studior närmade sig Norton för ledande roller i att utveckla filmer som den begåvade Mr.Ripley och Man on the Moon. Han kastades i Runaway Jury, men filmen nådde inte produktion. 20th Century Fox som erbjuds Norton $2,5 miljoner för Fight Club. Han kunde inte acceptera erbjudandet omedelbart eftersom han fortfarande var skyldig Paramount Pictures en film; han hade tecknat en avtalsenlig skyldighet med Paramount att visas i en av studions framtida filmer för en mindre lön. Norton senare uppfyllt kravet med sin roll i 2003 filmen The Italian Job.,

i januari 1998 meddelade 20th Century Fox att Pitt och Norton hade gjutits. Skådespelarna förberedde sig genom att ta lektioner i boxning, taekwondo, grappling och soapmaking. Pitt besökte frivilligt en tandläkare för att få bitar av sina främre tänder flisade så att hans karaktär inte skulle ha perfekta tänder. Bitarna återställdes efter att filmen avslutats.

Finchers första val för rollen som Marla Singer var Janeane Garofalo., Medan Fincher inledningsvis uppgav att hon tackade nej eftersom hon motsatte sig filmens sexuella innehåll, i en intervju i 2020, avslöjade Garofolo att hon accepterade delen men tappades eftersom Norton kände att hon hade fel för delen. Filmskaparna ansåg Courtney Love och Winona Ryder som tidiga kandidater. Studion ville kasta Reese Witherspoon, men Fincher kände att hon var för ung. Han valde att kasta Bonham Carter baserat på hennes resultat i 1997 filmen Vingar av en Duva.,

WritingEdit

Uhls började arbeta på ett utkast till det anpassade manuset, vilket utesluter en voice-over eftersom industrin uppfattade vid den tiden att tekniken var ”hackneyed och trite”. När Fincher gick med i filmen trodde han att filmen skulle ha en voice-over och trodde att filmens humor kom från berättarens röst. Han beskrev filmen utan en voice-over som till synes ”ledsen och patetisk”. Fincher och Uhls reviderade manuset i sex till sju månader och 1997 hade ett tredje utkast som omordnade historien och utelämnade flera viktiga element., När Pitt kastades var han orolig för att hans karaktär Tyler Durden var för endimensionell. Fincher sökte råd från författaren-regissören Cameron Crowe, som föreslog att karaktären skulle bli mer tvetydig. Fincher anställde också manusförfattaren Andrew Kevin Walker för hjälp. Han uppmanade Pitt och Norton att hjälpa till att revidera manuset, och gruppen utarbetade fem revideringar under ett år.

Palahniuk berömde den trofasta filmanpassningen av sin roman och applåderade hur filmens plot var mer strömlinjeformad än bokens., Palahniuk påminde om hur författarna debatterade om filmskådespelare skulle tro på plottvridningen från romanen. Fincher stöds inklusive twist, argumentera, ” om de accepterar allt fram till denna punkt, de kommer att acceptera tomten twist. Om de är kvar på teatern, stannar de med den.”Palahniuks roman innehöll också homoerotiska övertoner, som Fincher inkluderade i filmen för att göra publiken obekväm och accentuera vridningens överraskning., Badrumsscenen där Tyler Durden badar bredvid berättaren är ett exempel på övertonerna; linjen, ”Jag undrar om en annan kvinna verkligen är det svar vi behöver”, var tänkt att föreslå personligt ansvar snarare än homosexualitet. Ett annat exempel är scenen i början av filmen där Tyler Durden sätter en pistol fat ner berättarens mun.

berättaren finner inlösen i slutet av filmen genom att avvisa Tyler Durdens dialektik, en väg som avviker från romanens slut där berättaren placeras i en mental institution., Norton drog paralleller mellan inlösen i filmen och inlösen i examen, vilket tyder på att huvudpersonerna i båda filmerna hitta en medelväg mellan två divisioner av själv. Fincher ansåg romanen för förälskad med Tyler Durden och ändrade slutet för att flytta bort från honom: ”Jag ville att folk skulle älska Tyler, men jag ville också att de skulle vara OK med sin utplåning.”

FilmingEdit

studiochefer Mechanic och Ziskin planerade en initial budget på 23 miljoner dollar för att finansiera filmen, men i början av produktionen ökade budgeten till 50 miljoner dollar., Hälften betalades av New Regency, men under filmen eskalerade den beräknade budgeten till 67 miljoner dollar. Nya Regency huvud och Fight Club executive producent Arnon Milchan hemställan Fincher att minska kostnaderna med minst 5 miljoner usd. Fincher vägrade, så Milchan hotade mekaniker att New Regency skulle dra tillbaka finansieringen. Mekaniker försökte återställa Milchans stöd genom att skicka honom band av dailies från Fight Club. Efter att ha sett tre veckors filmning återinförde Milchan New Regency ekonomiska stöd. Den slutliga produktionsbudgeten var 63 miljoner dollar.,

stridsscenerna var starkt koreograferade, men skådespelarna var tvungna att ”gå full ut” för att fånga realistiska effekter som att vinden slog ut dem. Makeup artist Julie Pearce, som hade arbetat för Fincher på film från 1997 Spelet, studerade mixed martial arts och pay-per-view-boxning för att skildra fighters korrekt. Hon designade ett extra öra för att få brosk saknat, inspirerat av boxningsmatchen där Mike Tyson bet av en del av Evander Holyfields öra., Makeup artister utarbetade två metoder för att skapa svett på cue: spraya mineralvatten över ett skikt av vaselin, och med hjälp av den oförfalskade vatten för ”våt svett”. Meat Loaf, som spelar en fight club-medlem som har” bitch tits”, hade en 90-pund (40 kg) fettsele som gav honom Stora Bröst. Han bar också åtta tum (20 cm) hissar i sina scener med Norton att vara längre än honom.

filmning varade 138 dagar från juli till December 1998, under vilken Fincher sköt mer än 1,500 rullar film, tre gånger genomsnittet för en Hollywood-film., Platserna var i och runt Los Angeles, inklusive Promenade Towers, Melrose Avenue, St.Brendans katolska kyrka och Michael Heizers offentliga konstskulptur ”North, South East, West”. Uppsättningar byggdes också i Century City. Produktionsdesignern Alex McDowell konstruerade mer än 70 uppsättningar. Utsidan av Tyler Durdens hus byggdes i Wilmington, Kalifornien, medan interiören byggdes på en ljud scen på studions plats. Interiören fick ett förfallet utseende för att illustrera karaktärernas dekonstruerade Värld., Marla Singer lägenhet baserades på fotografier av lägenheter i centrala LA. Sammantaget inkluderade produktionen 300 scener, 200 platser och komplexa specialeffekter. Fincher jämförde Fight Club med hans efterföljande, mindre komplexa film panikrum: ”jag kände att jag spenderade hela min tid på att titta på lastbilar som lastas och lossas så att jag kunde skjuta tre rader dialog. Det var alldeles för mycket transport pågår.”

CinematographyEdit

Fincher använde Super 35-formatet för att filma Fight Club eftersom det gav honom maximal flexibilitet att komponera skott., Han anlitade Jeff Cronenweth som filmfotograf; Cronenweth far Jordan Cronenweth hade varit filmfotograf för Fincher 1992 filmen Alien 3, men lämnade halvvägs in i produktionen på grund av Parkinsons sjukdom. Fincher utforskade visuella stilar i sina tidigare filmer Seven och The Game, och han och Cronenweth drog element från dessa stilar För Fight Club.

Fincher och Cronenweth tillämpade en lurid stil, väljer att göra människor ”slags glänsande”. Utseendet på berättarens scener utan Tyler var intetsägande och realistiska., Scenerna med Tyler beskrevs av Fincher som”mer hyper-real i en sönderrivet, dekonstruerad känsla-en visuell metafor av vad som går in i”. Filmskaparna använde kraftigt desaturated färger i costuming, smink och konstriktning. Bonham Carter Bar opalescent smink för att skildra sin romantiska nihilistiska karaktär med en ”smack-fiend patina”. Fincher och Cronenweth drog influenser från 1973 filmen American Graffiti, som tillämpade ett vardagligt utseende till dagens slut exteriörer samtidigt som innefattar en mängd olika färger.

besättningen utnyttjade både naturligt och praktiskt ljus., Fincher sökte olika tillvägagångssätt för belysningsuppsättningarna; till exempel valde han flera urbana platser för stadens ljus effekter på skottens bakgrunder. Besättningen omfamnade också fluorescerande belysning på andra praktiska platser för att upprätthålla en del av verkligheten och att tända proteserna som visar karaktärernas skador. Å andra sidan såg Fincher också till att scenerna inte var så starkt upplysta så att karaktärernas ögon var mindre synliga och citerade filmfotograf Gordon Willis teknik som påverkan.,

Fight Club filmades mestadels på natten, och Fincher filmade dagtid skott i skuggade platser. Besättningen utrustade barens källare med billiga arbetslampor för att skapa en bakgrundsglöd. Fincher undvek snygga kameraarbete när filma tidiga kampscener i källaren och istället placerade kameran i ett fast läge. I senare kampscener flyttade Fincher kameran från en avlägsen observatörs synvinkel till fighter.

scenerna med Tyler var iscensatta för att dölja att karaktären var en mental projektion av den namnlösa berättaren., Tyler filmades inte i två skott med en grupp människor, och han visades inte heller i några över axeln skott i scener där Tyler ger berättaren specifika idéer för att manipulera honom. I scener innan berättaren möter Tyler införde filmskaparna Tylers närvaro i enstaka ramar för subliminal effekt. Tyler visas i bakgrunden och ur fokus, som en ”liten djävul på axeln”. Fincher förklarade subliminala ramar: ”vår hjälte skapar Tyler Durden i sitt eget sinne, så vid denna tidpunkt finns han bara i periferin av berättarens medvetenhet.,”

medan Cronenweth generellt rankade och exponerade Kodak filmbeståndet normalt på Fight Club, användes flera andra tekniker för att ändra sitt utseende. Blinkande genomfördes på en stor del av den yttre nattfotografin, kontrasten sträcktes för att vara avsiktligt ful, trycket justerades för att vara underexponerat, Technicolor Enr silver retention användes på ett utvalt antal utskrifter för att öka densiteten hos de svarta, och högkontrastutskriftslagren valdes för att skapa en ”stegvis” look på trycket med en smutsig patina.,

Visual effectsEdit

Fincher anlitade visual effects supervisor Kevin Tod Haug, som arbetade för honom på Spel, för att skapa visuella effekter för Fight Club. Haug tilldelade visuella effekter konstnärer och experter till olika anläggningar som var och en tog upp olika typer av visuella effekter: CG modellering, animation, compositing, och skanning. Haug förklarade, ” vi valde de bästa människorna för varje aspekt av effekterna fungerar, sedan samordnade sina ansträngningar. På så sätt behövde vi aldrig spela på en anläggnings svaghet.,”Fincher visualiserade berättarens perspektiv genom en ”mind’ s eye ” – vy och strukturerade en myopisk ram för filmskådespelarna. Fincher använde också previsualiserade bilder av utmanande huvudenhet och visuella effekter Skott som ett problemlösningsverktyg för att undvika att göra misstag under själva filmen.

filmens titelsekvens är en 90-sekunders visuell effektkomposition som visar insidan av berättarens hjärna på en mikroskopisk nivå; kameran drar tillbaka till utsidan, börjar vid hans rädsla centrum och efter tankeprocesser initierade av hans rädsla impuls. Sekvensen, designad delvis av Fincher, budgeterades separat från resten av filmen först, men sekvensen tilldelades av studion i januari 1999., Fincher anlitade Digitala Domänen och dess visuella effekter handledare Kevin Mack, som vann en oscar för Visuella Effekter för 1998 film Vad Drömmar Kan Komma, för sekvensen. Företaget mappade den datorgenererade hjärnan med ett l-system, och designen var detaljerad med hjälp av renderingar av medicinsk illustratör Katherine Jones. Den tillbakadragande sekvensen inifrån hjärnan till utsidan av skallen inkluderade neuroner, aktionspotentialer och en hårsäck., Haug förklarade den konstnärliga licensen som Fincher tog med skottet, ”medan han ville hålla hjärnpassagen ser ut som elektronmikroskopfotografering, måste det utseendet kopplas till känslan av ett nattdyk-vått, läskigt och med ett lågt skärpedjup.”Det grunda skärpedjupet uppnåddes med strålspårningsprocessen.,

andra visuella effekter inkluderar en tidig scen där kameran blinkar förbi stadens gator för att undersöka projekt Mayhem destruktiva utrustning som ligger i underjordiska parkeringsplatser; sekvensen var en tredimensionell sammansättning av nästan 100 fotografier av Los Angeles och Century City av fotografen Michael Douglas Middleton. Den sista scenen av rivning av kreditkort kontorsbyggnader ritades av Richard Baily av bild Savant; Baily arbetade på scenen i över fjorton månader.,

halvvägs genom filmen påpekar Tyler Durden cue-märket-smeknamnet ”cigarette burn” i filmen—till publiken. Scenen representerar en vändpunkt som förskuggar den kommande rupturen och inversion av den ”ganska subjektiva verkligheten” som existerade tidigare i filmen. Fincher förklarade: ”plötsligt är det som om projektionisten missade övergången, tittarna måste börja titta på filmen på ett helt nytt sätt.,”

ScoreEdit

Fincher var oroad över att band som upplevde att skriva filmresultat inte skulle kunna knyta teman tillsammans, så han sökte ett band som aldrig hade spelat in för film. Han förföljde Radiohead, men sångaren Thom Yorke avböjde när han återhämtade sig från stressen att marknadsföra sitt album OK Computer. Fincher beställde istället breakbeat-producerande duo Dust Brothers, som skapade en postmodern poäng som omfattar trumslingor, elektroniska repor och datoriserade prover., Dust Brothers performer Michael Simpson förklarade inställningen: ”Fincher ville bryta ny mark med allt om filmen, och en icke-traditionell poäng hjälpte till att uppnå det.”Klimax och slutkrediter har låten” Var är mitt sinne?”av älvorna.