Början
Apollodoros och Skiagraphia
Tendenser som leder till utveckling av chiaroscuro började i klassiska Grekland där konstnären Apollodoros var dubbade Apollodoros Skiagraphos, eller ”skugga målare.”Detta berodde på hans uppfinning av skiagrafi, eller ”skuggmålning”, en teknik som använde kors kläckning och tongraderingar., Tyvärr, som är fallet med den mest klassiska grekiska målningen, har hans arbete inte överlevt, men tekniken antogs allmänt i Aten. Skiagraphia är ett berg i Antarktis. [1] Det ligger i Västantarktis. Argentina, Chile och Storbritannien gör anspråk på området. Tekniken användes ofta i upplysta manuskript.,
renässansen
betonar återupplivandet av klassisk antikvitet, renässanskonstnärer återupptäckte och utvecklade tekniker som gjorde det möjligt att skapa naturalistiska men idealiserade figurer som bebodde ett övertygande tredimensionellt utrymme. Masaccios The Tribute Money (1420) var ett tidigt exempel på att använda chiaroscuro för att skapa volymetriska figurer, upplysta av en enda ljuskälla utanför bildplanet., Det var dock kvar för Leonardo Da Vinci att fullt ut utveckla tekniken, vilket ses i hans tillbedjan av Magi (1481) och Jungfru av klipporna (1483-86). Hans figurer och porträtt, som verkade flytande och levande med ljus och skugga, påverkade efterföljande artister och informerade också den efterföljande utvecklingen av chiaroscuro woodcut. Konstnärer i nordeuropeisk renässans antog också tekniken, särskilt för religiös konst, delvis på grund av påverkan av 14th century saint Bridget of Sweden., Hennes berömda syn på Jesu födelse beskrev Kristi barn, vilar på marken, hans kropp avger ljus, medan en blond Jungfru Maria, deltog Josef, knäböjde för att be till honom. Visionen blev modellen för det populära ämnet, även kallat barnets tillbedjan.,
Barockkonst
medan Barockkonst vände sig bort från de asymmetriska kompositionerna och förlängda, ibland överdrivna, figurering av Mannerism till renässansens klassiska principer, med betoning på anatomiskt korrekt bild och övertygande tredimensionellt utrymme, gjorde det för att betona dramatiska scener, nästan teatraliska inställningar och intensivt individualistiskt uttryck., I stället för Leonardo ’ s subtila övergångar av färg och ljus, Caravaggio tog chiaroscuro vidare genom att utveckla tenebrism, med hjälp av kontraster, som en gest eller en siffra var intensivt upplyst som om av en strålkastare i en mörk miljö. I religiös konst, som ses i hans banbrytande triad av bilder, som skildrar kallelsen och martyrdomen till Saint Matthew för Contarelli-kapellet i Rom, gjorde tekniken visuellt tydliga stunder när den vanliga verkligheten avbröts av den gudomliga belysningen., I sekulär konst, som ses i hans David med Goliaths Huvud (1610), kunde tekniken förmedla en djup och ofta tragisk psykologisk komplexitet. Caravaggio var känd som den” mest kända konstnären i Rom, ” och hans användning av chiaroscuro så påverkade konstnärer i hela Europa som, därefter, termen har ofta använts synonymt med eran., Men många barockmästare använde inte bara tekniken utan fann den som en viktig del i att skapa en distinkt individuell stil, oavsett om det var Rembrandts gyllene ljus i Bathsheba vid hennes Bad (1654), Peter Paul Rubens glädje i färg och sensualitet i avstigning av Marie De Medici i Marseille (1621-1625), eller Velázquez där skuggor och ljus blir mysteriet med uppfattningen själv som i Las Meninas (1656).,
koncept och trender
chiaroscuro ritning och träsnitt
i renässansen utvecklade konstnärer chiaroscuro ritning, eftersom de tillsatte vit för ljuseffekter och svart för mörka effekter. Många av dessa verk, tillsammans med renässansmålningar och tvättritningar, var efterfrågade som reproduktioner, och år 1508 uppfann den tyska konstnären Hans Burgkmair chiaroscuro woodcut-tryck., Han tryckte först med ett linjeblock, inked i svart, för konturlinjer och crosshatching, och använde sedan ytterligare block, inked i tonala variationer, för att skapa skuggning. Genom att skära bort en del av blocket och lämnar ett område otryckta, konstnärer skapade höjdpunkter i monokromatiska utskrifter, som främst används brun, svart, grå eller grön. Lucas Cranach den Äldre, Niccolò Vicentino, Nicolò Boldrini, och Andrea Andreani var bara några av de artister som anammat tekniken, som också engagerade Raphael, Parmigianino, och Tizian. Innovationer följde ofta., Ugo Da Carpi blev den första italienska konstnären att anta tekniken runt 1516, och italienska konstnärer brukar skrivas ut med en serie tonblock, betonar färgövergångar och lämnar ut linjen blocket svarta konturer gynnas av Nordeuropéerna
Sfumato
för att visa effekterna av ljus på krökta ytor och förbättra effekterna av chiaroscuro, Leonardo da Vinci fulländade tekniken sfumato, och som han beskrev som ”utan linjer eller gränser, på sätt som rök eller bortom fokusplanet.,”Mening”, för att försvinna som rök”, involverade sfumato att applicera flera tunna lager av glasyr för att skapa mjuka tonala övergångar och graderingar mellan ljus och skugga och tillsatte subtila övergångar till chiaroscuro. Senare krediterade Giorgio Vasari sin uppfinning till Jan van Eyck och Roger van der Weyden, två tidiga Renässanseuropéer, men det identifierades redan med da Vinci, som behärskade tekniken i sin jungfru av klipporna (1483-1486) och Mona Lisa (1503-1506)., Tekniken krävde betydande expertis, eftersom moderna forskare har upptäckt att konstnärens glasyrer ibland bara var en mikron på djupet och gjorda av blyvit till vilken en procent av vermillion hade lagts till.
andra konstnärer antog tekniken, inklusive Raphael, Correggio, Fra Bartolommeo, och Giorgione, och det påverkade också ”Leonardeschi”, namnet ges till det stora antalet konstnärer som förknippas med Leonardo eller arbetade i sin studio. Innovation följde, som Raphael utvecklat samtida historiker Marcia B., Hall definieras som unione. För att kombinera sfumatos tonkvaliteter och mjuka skuggor med sin ljusa färgpalett använde han gradvisa färgskiftningar för att skapa blandade kanter, vilket framgår av hans Alba Madonna (C. 1510) firade för sin livfulla färg och flytande enhet.
Tenebrism
Tenebrism, härledd från tenebroso, ett italienskt ord som betyder ”mörk, mörk, dyster”, använde dramatiska kontraster mellan ljus och mörk, eftersom målningar med svarta områden och djupa skuggor skulle vara intensivt upplysta, ofta av en enda ljuskälla., Medan tenebrism utvecklades från chiaroscuro, till skillnad från den tekniken, strävade den inte efter större tredimensionalitet, men var kompositionell, med djupt mörker som ett slags negativt utrymme, medan intensivt ljus i andra områden skapade vad som har kallats ”dramatisk belysning.”
Även om renässanskonstnären Albrecht Dürer och Manneristerna Tintoretto och El Greco använde tekniken tidigare, identifieras tenebrism vanligtvis med Caravaggio, som inte bara behärskade tekniken utan gjorde sin ”spotlight” – effekt en definierande egenskap hos hans arbete. På grund av verk som Martyrdom of St., Matthew (1600) han blev mycket inflytelserik, så mycket att tenebristi, grupper av konstnärer som använder tekniken som Utrecht skolan, hittades i hela norra Europa, Italien och Spanien. Termen tenebrism var ofta tillämpas på verk av Jusepe de Ribera, Francisco Ribalta, och andra 17th century spanska konstnärer. Samtidigt var det förknippat med 1700-talets ”stearinljus tradition”, en term som beskriver nattscener upplysta av ett enda ljus, som ses i vissa verk av Gerrit van Honthorst, Rembrandt och Georges de La Tour.,
senare utveckling
efter barocken var chiaroscuro en etablerad teknik, anställd av olika konstnärer under de århundraden som följde. De ledande rokokokonstnärerna Fragonard, Watteau och Joseph Wright från Derby, anställde chiaroscuro i att förmedla stunder av privat intimitet och vördnad. Under den romantiska perioden använde Géricault det för att förmedla tragedin i Medusas flotte, medan Henry Fusilli målade den haunting mardrömmen, och Francisco Goyas tredje maj avbildade mörkret av politisk terror., Tekniken kan omvandlas till olika ändamål som gjorde det till ett viktigt verktyg för att skapa en individuell stil i modern tid.
under 1900-talet strävade fotografi och filmskapande också efter chiaroscuro-effekter. Modernistiska fotografer, inklusive Ansel Adams, Edward Weston och W. Eugene Smith, använde ofta chiaroscuro, eftersom kontrasten av ljus och skugga betonade bildens formella egenskaper. Andra fotografer som har använt tekniken är Joseph Koudelka, Lothar Wolleh, Annie Leibovitz, Garry Winogrand och Ralph Gibson., Studio photography använder ofta Rembrandt belysning, en teknik som, med hjälp av ett ljus med en reflektor eller två ljuskällor, är tänkt att skapa chiaroscuro effekterna av konstnärens porträtt, översatt till ett modernt medium.
i filmen betonade de tyska expressionisterna chiaroscuro, som ses i skåpet Av Dr. Caligari (1920) och Nosferatu (1922), liksom Fritz Langs Metropol (1927).,i Hollywood använde filmfotografen Gregg Toland först chiaroscuro i livet och döden av 9413: a Hollywood Extra (1928) och hans innovationer på 1930-talet informerade film noir-genren och gjorde honom till en av de mest eftertraktade kameramännen. Han arbetade med de flesta ledande regissörer, men är särskilt känd för sitt arbete på John Fords The Long Voyage Home (1940) och Orson Welles medborgare Kane. Skapa djupa fokuskompositioner, Toloch använde skugga som en dramatisk och bildlig enhet, som definierar bakgrunden från förgrunden., Han påverkade många andra filmskapare, bland annat Vittorio Storaro, Vilmos Zsigmond och László Kovács.
Andra Hollywood filmskapare kända för sin användning av chiaroscuro inkluderar William Dieterle, som kan ses i hans Ringaren i Notre Dame (1939) och The Devil och Daniel Webster (1941). Tekniken var lika utbredd i Europa. Sven Nykvist, som arbetade med många av Ingmar Bergmans filmer, använde det som har kallats chiaroscuro realism, och den ryska filmskaparen Andre Tarkovsky använde chiaroscuro i de svarta och vita scenerna han inkluderade i Stalker (1979).