Madame Lelica

de-a lungul erei baroce, noile evoluții în muzică își au originea în Italia, după care a durat până la 20 de ani înainte de a fi adoptate în general în restul practicii muzicii clasice occidentale. De exemplu, compozitorii italieni au trecut la stilul galant în jurul anului 1730, în timp ce compozitorii germani precum Johann Sebastian Bach au continuat să scrie în stil baroc până în 1750.,>1680-1700

mai Devreme de muzică barocă (1580-1650)Modificare

Camerata Florentină a fost un grup de umaniști, muzicieni, poeți și intelectuali în Florența Renașterii târzii care s-au adunat sub patronajul Contelui Giovanni de’ Bardi, pentru a discuta și ghid tendințe în artă, în special de muzică și dramă., În ceea ce privește muzica, ei și-au bazat idealurile pe o percepție a dramei muzicale clasice (în special greaca antică) care prețuia discursul și orația. În consecință, au respins contemporanii lor utilizarea de polifonie (multiple, independente linii melodice) și muzică instrumentală, și au discutat despre o astfel de muzica greaca veche dispozitive ca monodie, care a constat într-o cântând solo însoțit de un kithara (un vechi strummed instrument cu coarde). Primele realizări de aceste idei, inclusiv Jacopo Peri Dafne și L’Euridice, a marcat începutul de opera, care a fost un catalizator pentru muzica Barocă.,în ceea ce privește teoria muzicii, utilizarea mai răspândită a basului figurat (cunoscut și sub numele de bas profund) reprezintă importanța în curs de dezvoltare a armoniei ca bază liniară a polifoniei. Armonia este rezultatul final al contrapunctului, iar basul figurat este o reprezentare vizuală a acelor armonii utilizate în mod obișnuit în performanța muzicală. Cu bas, numere, accidentals sau simboluri au fost plasate mai sus bassline care a fost citit de la tastatură instrument de jucători, cum ar fi clavecin jucători sau țeavă organiști (sau lutenists)., Numerele, accidentele sau simbolurile indică playerului tastaturii ce intervale vor fi redate deasupra fiecărei note de bas. Jucătorul de tastatură Ar improviza o coardă exprimându-se pentru fiecare notă de bas. Compozitorii au început să se preocupe de ei înșiși cu progresii armonice și, de asemenea, au folosit tritonul, perceput ca un interval instabil, pentru a crea disonanță (a fost folosit în coarda dominantă a șaptea și coarda diminuată)., Un interes în armonie a existat, de asemenea, printre anumiți compozitori din Renaștere, în special Carlo Gesualdo; cu toate acestea, utilizarea armoniei îndreptată spre tonalitate (un accent pe o cheie muzicală care devine „nota de acasă” a unei piese), mai degrabă decât modalitatea, marchează trecerea de la Renaștere la perioada barocă. Acest lucru a dus la ideea că anumite secvențe de acorduri, mai degrabă decât doar note, ar putea oferi un sentiment de închidere la sfârșitul unei piese—una dintre ideile fundamentale care au devenit cunoscute sub numele de tonalitate.,prin încorporarea acestor noi aspecte ale compoziției, Claudio Monteverdi a promovat tranziția de la stilul renascentist al muzicii la cel al perioadei baroce. El a dezvoltat două stiluri individuale de compoziție-patrimoniul polifoniei renascentiste (prima pratica) și noua tehnică basso continuo a barocului (seconda pratica). Cu basso continuo, un mic grup de muzicieni ar juca bassline și acordurile care au format acompaniament pentru o melodie., Grupul basso continuo ar folosi în mod obișnuit unul sau mai mulți jucători de tastatură și un lăutar care ar cânta la bas și ar improviza acordurile și mai multe instrumente de bas (de exemplu, viol de bas, violoncel, contrabas) care ar cânta la bas. Odată cu scrierea operelor L ‘Orfeo și L’ incoronazione di Poppea, printre altele, Monteverdi a adus o atenție considerabilă acestui nou gen. Acest stil venețian a fost dus cu mâna în Germania de Heinrich Schütz, al cărui stil divers a evoluat și în perioada următoare.texturile instrumentale idiomatice au devenit din ce în ce mai proeminente., În special, stilul luthé—neregulate și imprevizibile de rupere a corzii progresii, în contrast cu regulate de structurare a rupt acorduri—menționate încă de la începutul secolului 20, ca stil brisé, a fost stabilit ca un concordanță textura în muzica franceză de Robert Ballard, din lăuta lui cărți de 1611 și 1614, și de Ennemond Gaultier., Acest idiomatice lăută figurare a fost transferat ulterior la clavecin, de exemplu în tastatură muzica lui Louis Couperin și Jean-Henri D’Anglebert, și a continuat să fie o influență importantă asupra tastatură muzică de-a lungul 18 si inceputul secolului 19 (în, de exemplu, muzica de Johann Sebastian Bach și Frédéric Chopin).

muzica barocă mijlocie (1630-1700)Editați

ascensiunea Curții centralizate este una dintre trăsăturile economice și politice ale ceea ce este adesea etichetat epoca absolutismului, personificată de Ludovic al XIV-lea al Franței., Stilul palatului, precum și sistemul Curții de maniere și Arte a promovat a devenit modelul pentru restul Europei. Realitățile creșterii patronajului bisericesc și de stat au creat cererea de muzică publică organizată, deoarece disponibilitatea crescândă a instrumentelor a creat cererea de muzică de cameră, care este muzică pentru un mic ansamblu de instrumentiști.un exemplu Eminent de compozitor de stil de curte este Jean-Baptiste Lully. El a cumpărat brevete de la monarhie pentru a fi singurul compozitor de opere pentru regele francez și pentru a împiedica pe alții să aibă opere puse în scenă., A terminat 15 tragedii lirice și a lăsat neterminate Achille et Polyxène. Lully a fost un exemplu timpuriu de dirijor; el va bate timpul cu un personal mare pentru a-și păstra ansamblurile împreună.

din punct de vedere Muzical, el nu a stabilit șirul dominat de norma pentru orchestre, care a fost moștenit de la opera italiană, și caracteristic franceză cinci-parte dispoziție (viori, viole—în hautes-contre, tailles și întruchiparea dimensiuni—viori și bas) au fost utilizate în balet din timpul lui Ludovic al XIII-lea., Cu toate acestea, el a introdus acest ansamblu în teatrul liric, cu părțile superioare adesea dublate de înregistratoare, flaute și oboi, iar basul de fagoți. Trompete și kettledrums au fost adăugate frecvent pentru scene eroice.

mijlocul Barocului în Italia este definită prin apariția de stiluri vocale de cantată, oratoriu, operă și în timpul 1630, și un nou concept de melodie și armonie care a ridicat statutul de muzică la una de egalitate cu cuvintele, care anterior au fost considerate ca fiind pre-eminent., Monodia floridă, coloratură a barocului timpuriu a dat loc unui stil melodic mai simplu și mai lustruit. Aceste melodii au fost construite din idei scurte, delimitate cadențial, adesea bazate pe modele de dans stilizate extrase din sarabande sau courante. Armoniile, de asemenea, ar putea fi mai simplu decât în stil Baroc timpuriu monodie, pentru a arăta expresia într-o mai ușor mod în șir și crescendo-uri și diminuendos pe note mai lungi., Liniile de bas însoțitoare au fost mai integrate cu melodia, producând o echivalență contrapunctală a pieselor care au dus ulterior la dispozitivul unei anticipări inițiale a basului melodiei aria. Această simplificare armonică a dus, de asemenea, la un nou dispozitiv formal de diferențiere a recitativei (o parte mai vorbită a operei) și a ariei (o parte a operei care folosea melodii cântate)., Cei mai importanți inovatori din acest stil au fost Romanii Luigi Rossi și Giacomo Carissimi, care au fost în primul rând compozitori de cantate și oratorii, respectiv, și Venețian Francesco Cavalli, care a fost în principal un compozitor de operă. Mai târziu, practicanții importanți ai acestui stil includ Antonio Cesti, Giovanni Legrenzi și Alessandro Stradella.,Arcangelo Corelli este amintit ca fiind influent pentru realizările sale din cealaltă parte a tehnicii muzicale—ca violonist care a organizat tehnica și pedagogia viorii-și în muzica pur instrumentală, în special pentru susținerea și dezvoltarea concertului grosso. Întrucât Lully a fost aranjat la curte, Corelli a fost unul dintre primii compozitori de a publica pe scară largă și au muzica sa a efectuat peste tot în Europa., Ca cu Lully e stilizare și organizarea de opera, concerto grosso este construit pe contraste puternice—secțiuni alterna între cei jucat de orchestră completă, și cei jucat de un grup mai mic. Dinamica a fost „terasată”, adică cu o tranziție ascuțită de la tare la moale și înapoi din nou. Secțiunile rapide și secțiunile lente au fost juxtapuse unul împotriva celuilalt. Printre studenții săi se numără Antonio Vivaldi, care mai târziu a compus sute de lucrări bazate pe principiile din trio-ul sonate și concerti al lui Corelli.,spre deosebire de acești compozitori, Dieterich Buxtehude nu a fost o creatură a Curții, ci a fost muzician bisericesc, deținând posturile de organist și Werkmeister la Marienkirche din Lübeck. Îndatoririle sale ca Werkmeister implicat în calitate de secretar, trezorier, și business manager al bisericii, în timp ce poziția sa în calitate de organist incluse joc pentru toate principalele servicii, uneori în colaborare cu alți instrumentiști sau vocaliști, care au fost, de asemenea, plătite de către biserică., În afara îndatoririlor sale oficiale ale Bisericii, el a organizat și regizat o serie de concerte cunoscută sub numele de Abendmusiken, care a inclus spectacole de opere dramatice sacre considerate de contemporanii săi ca fiind echivalentul operelor.

Franța:

• Denis Gaultier
• Jean-Henri d’Anglebert
• Jacques Campion de Chambonnières
• Louis Couperin

baroc Târziu muzica (1680-1750)Modificare

lucrarea de George Frideric Handel, Johann Sebastian Bach și contemporanii lor, inclusiv Domenico Scarlatti, Antonio Vivaldi, Jean-Philippe Rameau, Georg Philipp Telemann, și alții avansate epoca Barocă la punctul culminant.

• alias.,anumite mare)
• Giuseppe Torelli (concert Numai)

Franța:

• François Couperin
• André Campra

mai Larg adoptionEdit

Italia:

• Giovanni Bononcini
• Antonio Vivaldi
• Tomaso Albinoni
• Benedetto Marcello
• Francesco Geminiani
• Peter Smith
• Giovanni Battista Pergolesi
• Nicola Porpora
• Giuseppe Tartini
• Francesco Maria Veracini

Proliferarea

• Erdmann Neumeister
• Estienne, Roger, L’estro armonico
• Vizitează Italia, și.,g. Johann Kuhnau, Johann David Heinichen, Gottfried Heinrich Stölzel
• Italieni în străinătate, inclusiv Domenico Scarlatti, Antonio Caldara, Antonio Lotti, Peter Turnuri

Franța:

• Jean-Philippe Rameau
• Joseph Bodin de Boismortier
• franceză în străinătate: de exemplu,, Louis Marchand

Europa Centrală:

• Johann Georg Pisendel
• Georg Philipp Telemann
• Johann Sebastian Bach
• Johann Friedrich Fasch
• Jan Dismas Zelenka
• Johann Joseph Fux
• Christoph Graupner
• Johann David Heinichen
• Sylvius Leopold Weiss
• Germani în străinătate, de exemplu, George Frideric Handel, Johann Adolf Scheibe

Trecerea de la Clasic eraEdit

Galant muzica:

• Johann Mattheson
• Jean-Marie Leclair
• Johann Joachim Quantz
• Johann Adolph Hasse
• Carl Heinrich Graun
• Giovanni Battista Sammartini
• Baldassare Galuppi

Bach fiii mai mari și elevi:

• Wilhelm Friedemann Bach
• Carl Philipp Emanuel Bach (empfindsamer Stil)
• Johann Gottlieb Goldberg

Mannheim școală:

• Johann Stamitz