Madame Lelica

Camerata florencka była grupą humanistów, muzyków, poetów i intelektualistów późnego renesansu we Florencji, którzy zebrali się pod patronatem hrabiego Giovanniego de' bardiego, aby omówić i przewodnik trendów w sztuce, zwłaszcza muzyki i dramatu., W odniesieniu do muzyki oparli swoje ideały na postrzeganiu klasycznego (zwłaszcza starożytnego greckiego) dramatu muzycznego, który cenił dyskurs i orację. W związku z tym odrzucili stosowanie przez współczesnych polifonii (wielokrotnych, niezależnych linii melodycznych) i muzyki instrumentalnej, dyskutując o takich starożytnych greckich instrumentach muzycznych, Jak monody, która składała się ze śpiewu solowego z towarzyszeniem kithary (starożytnego instrumentu strunowego). Wczesne realizacje tych idei, w tym Dafne Jacopo Periego i L ' Euridice, wyznaczyły początek opery, która była katalizatorem muzyki barokowej.,

jeśli chodzi o teorię muzyki, bardziej rozpowszechnione użycie figured bass (znany również jako dokładny bas) reprezentuje rozwijające się znaczenie harmonii jako liniowych podstaw polifonii. Harmonia jest efektem końcowym kontrapunktu, a figured bass jest wizualną reprezentacją tych harmonii, które są powszechnie stosowane w wykonawstwie muzycznym. Nad linią basu umieszczano cyfry, cyfry lub symbole, które odczytywali klawiszowcy, np. klawesyści lub organiści (lub lutnicy)., Cyfry, cyfry lub symbole wskazywały klawiszowcowi, jakie interwały mają być grane nad każdą nutą basu. Klawiszowiec improwizował akord do każdej nuty basowej. Kompozytorzy zaczęli zajmować się progresjami harmonicznymi, a także wykorzystywali Tryton, postrzegany jako niestabilny interwał, do tworzenia dysonansu (użyto go w dominującym akordzie siódmym i akordzie zmniejszonym)., Zainteresowanie harmonią istniało również wśród niektórych kompozytorów renesansu, zwłaszcza Carlo Gesualdo; jednak użycie harmonii ukierunkowanej na tonalność (skupienie się na kluczu muzycznym, który staje się „domową nutą” utworu), a nie modalności, oznacza przejście od renesansu do baroku. Doprowadziło to do przekonania, że pewne sekwencje akordów, a nie tylko nuty, mogą zapewnić poczucie zamknięcia na końcu utworu—jedną z podstawowych idei, która stała się znana jako tonalność.,

wprowadzając te nowe aspekty kompozycji, Claudio Monteverdi kontynuował przejście od renesansowego stylu muzycznego do barokowego okresu. Wypracował dwa indywidualne style kompozycji-dziedzictwo polifonii renesansowej (prima pratica) oraz nową technikę basso continuo baroku (seconda pratica). W basso continuo mała grupa muzyków grała linię basową i akordy, które tworzyły akompaniament dla melodii., Grupa basso continuo zazwyczaj używała jednego lub więcej klawiszowców i lutni, którzy grali na linii basowej i improwizowali akordy oraz kilku instrumentów basowych (np. wiolonczela, kontrabas), które grały na linii basowej. Dzięki napisaniu oper L 'Orfeo i L' Incoronazione di Poppea, Monteverdi zwrócił znaczną uwagę na ten nowy gatunek. Ten styl wenecki został zabrany do Niemiec przez Heinricha Schütza, którego zróżnicowany styl ewoluował również w późniejszym okresie.

idiomatyczne tekstury instrumentalne stawały się coraz bardziej widoczne., W szczególności styl luthé—nieregularne i nieprzewidywalne rozbijanie progresji akordów, w przeciwieństwie do regularnego wzoru łamanych akordów—określany od początku XX wieku jako styl brisé, został ustanowiony jako spójna faktura w muzyce francuskiej przez Roberta Ballarda, w jego książkach lutni z 1611 i 1614 roku oraz przez Ennemonda Gaultiera., Ta idiomatyczna figuracja lutniowa została później przeniesiona na klawesyn, na przykład w muzyce keyboardowej Louisa Couperina i Jeana-Henriego D ' Angleberta i nadal miała istotny wpływ na muzykę keyboardową w XVIII i na początku XIX wieku (na przykład w muzyce Jana Sebastiana Bacha i Fryderyka Chopina).

muzyka średniowiecznego baroku (1630-1700)Edytuj

powstanie scentralizowanego dworu jest jedną z Ekonomicznych i politycznych cech epoki absolutyzmu, uosobionej przez Ludwika XIV., Styl Pałacowy i dworski system manier i sztuki, które propagował, stały się wzorem dla reszty Europy. Realia rosnącego mecenatu kościelnego i Państwowego stworzyły popyt na zorganizowaną muzykę publiczną, a rosnąca dostępność instrumentów stworzyła popyt na muzykę kameralną, która jest muzyką dla niewielkiego zespołu instrumentalistów.

jednym z najwybitniejszych przykładów kompozytora stylu dworskiego jest Jean-Baptiste Lully. Zakupił patenty od monarchii, aby być jedynym kompozytorem oper dla francuskiego króla i uniemożliwić innym wystawianie oper., Ukończył 15 tragedii lirycznych i pozostawił niedokończone Achille et Polyxène. Lully był wczesnym przykładem dyrygenta; bił czas z dużą kadrą, aby utrzymać swoje zespoły razem.

muzycznie nie ustalił zdominowanej przez struny normy dla orkiestr, która została odziedziczona po włoskiej operze, a charakterystycznie Francuskie pięcioczęściowe dyspozycje (skrzypce, altówki-w rozmiarach hautes-contre, tailles i quintes—oraz skrzypce basowe) były używane w balecie od czasów Ludwika XIII., Wprowadził jednak ten zespół do teatru lirycznego, w którym partie górne często PODWAJANE są przez rejestratory, flety i oba, a basy przez fagoty. Do scen heroicznych często dodawano trąbki i czajniki.

okres środkowego baroku we Włoszech określa się pojawieniem się stylów wokalnych kantaty, oratorium i opery w latach trzydziestych XX wieku oraz nową koncepcją melodii i harmonii, która podniosła status muzyki do równouprawnienia ze słowami, które wcześniej uważano za wybitne., Kwiecista, koloraturowa Monodia wczesnego baroku ustąpiła miejsca prostszemu, bardziej dopracowanemu stylowi melodycznemu. Melodie te budowane były z krótkich, kadencyjnie rozdzielonych pomysłów, często opartych na stylizowanych wzorach tanecznych zaczerpniętych z sarabande lub courante. Również Harmonie mogą być prostsze niż we wczesnobarokowej monodii, by na smyczkach i crescendach i diminuendach na dłuższych nutach ukazywać wyraz w sposób lżejszy., Towarzyszące mu linie basowe były bardziej zintegrowane z melodią, tworząc kontrapunkcyjną równoważność partii, która później doprowadziła do urządzenia początkowego oczekiwania basu na melodię Arii. To uproszczenie harmoniczne doprowadziło także do nowego formalnego urządzenia różnicowania recytatywu (bardziej mówiona część Opery) i Arii (część opery wykorzystująca śpiewane melodie)., Najważniejszymi innowatorami tego stylu byli Rzymianie Luigi Rossi i Giacomo Carissimi, którzy byli przede wszystkim kompozytorami odpowiednio kantat i Oratoriów, oraz Wenecki Francesco Cavalli, który był głównie kompozytorem operowym. Do późniejszych ważnych praktyków tego stylu należą Antonio Cesti, Giovanni Legrenzi i Alessandro Stradella.,

Arcangelo Corelli jest pamiętany jako wpływowy za swoje osiągnięcia po drugiej stronie techniki muzycznej—jako skrzypek, który organizował technikę skrzypcową i pedagogikę-oraz w muzyce czysto instrumentalnej, szczególnie za jego propagowanie i rozwój concerto grosso. Podczas gdy Lully był ensconced na dworze, Corelli był jednym z pierwszych kompozytorów, aby publikować szeroko i jego muzyka wykonywana w całej Europie., Podobnie jak w przypadku stylizacji i organizacji opery Lully ' ego, concerto grosso zbudowane jest na silnych kontrastach—sekcje przeplatają się między tymi granymi przez pełną orkiestrę, a tymi granymi przez mniejszą grupę. Dynamika była „szeregowa”, czyli z ostrym przejściem z głośnego na miękki i z powrotem. Sekcje Szybkie i wolne zostały zestawione ze sobą. Wśród jego uczniów jest Antonio Vivaldi, który skomponował później setki utworów opartych na zasadach zawartych w sonatach i koncertach Tria Corellego.,

w przeciwieństwie do tych kompozytorów, Dieterich Buxtehude nie był stworzeniem dworskim, ale muzykiem kościelnym, piastując stanowiska organisty i Werkmeistera w Marienkirche w Lubece. Jego obowiązki jako Werkmeistera polegały na pełnieniu funkcji sekretarza, skarbnika i kierownika kościoła, podczas gdy jego stanowisko organisty obejmowało granie na wszystkich głównych nabożeństwach, czasami we współpracy z innymi instrumentalistami lub wokalistami, którzy również byli opłacani przez Kościół., Poza oficjalnymi obowiązkami kościelnymi, zorganizował i wyreżyserował cykl koncertów znany jako Abendmusiken, który obejmował przedstawienia świętych utworów dramatycznych uważanych przez współczesnych za odpowiedniki oper.

Francja:

• Denis Gaultier
• Jean-Henri d ' Anglebert
• Jacques Champion de Chambonnières
• Louis Couperin

muzyka późnego baroku (1680-1750)Edit