Rozwójedytuj
powieść Fight Club autorstwa Chucka Palahniuka ukazała się w 1996 roku. Przed publikacją, Fox Searchlight Pictures book scout wysłał dowód galley powieści do creative executive Kevina McCormicka. Kierownictwo zleciło studyjnemu czytelnikowi ocenę dowodu jako kandydata do adaptacji filmowej, ale czytelnik zniechęcił go. McCormick przekazał następnie dowód producentom Lawrence ' owi Benderowi i Artowi Linsonowi, którzy również go odrzucili. Producenci Josh Donen i Ross Bell dostrzegli potencjał i wyrazili zainteresowanie., Zaaranżowali bezpłatne odczyty z aktorami, aby określić długość scenariusza, a wstępny odczyt trwał sześć godzin. Producenci wycinali sekcje, aby skrócić czas pracy, a do nagrywania dialogów wykorzystywali krótszy scenariusz. Bell wysłał nagranie do Laury Ziskin, szefowej Oddziału Fox 2000, która wysłuchała taśmy i zakupiła prawa do Fight Clubu od Palahniuka za 10 000 dolarów.
Ziskin początkowo rozważał zatrudnienie Bucka Henry ' ego do napisania adaptacji, uznając Fight Club za podobny do filmu Absolwent z 1967 roku, który Henry zaadaptował., Kiedy nowy scenarzysta, Jim Uhls, lobbował Donena i Bell 'a, producenci wybrali go zamiast Henry' ego. Bell skontaktował się z czterema reżyserami w celu wyreżyserowania filmu. Uważał Petera Jacksona za najlepszy wybór, ale Jackson był zbyt zajęty kręceniem filmu The Frighteners w Nowej Zelandii z 1996 roku. Bryan Singer otrzymał książkę, ale jej nie przeczytał. Danny Boyle spotkał się z Bellem i przeczytał książkę, ale zrealizował kolejny film. David Fincher, który czytał Fight Club i sam próbował kupić prawa, rozmawiał z Ziskinem o reżyserii filmu., Początkowo wahał się, czy przyjąć zlecenie z 20th Century Fox, ponieważ miał nieprzyjemne doświadczenie w reżyserowaniu filmu „Obcy 3” z 1992 roku. Aby naprawić swoje relacje ze studiem, spotkał się z Ziskinem i szefem studia Billem mechanikiem. W sierpniu 1997 roku 20th Century Fox ogłosiło, że Fincher wyreżyseruje filmową adaptację Fight Club.
Obsada
Producent Ross Bell spotkał się z aktorem Russellem Crowe ' em, aby omówić jego kandydaturę do roli Tylera Durdena. Producent Art Linson, który dołączył do projektu późno, spotkał się z Pittem w sprawie tej samej roli., Linson był starszym producentem obu, więc studio starało się obsadzić Pitta zamiast Crowe ' a. Pitt szukał nowego filmu po domowej porażce swojego filmu Meet Joe Black z 1998 roku, a studio wierzyło, że Fight Club będzie bardziej komercyjnie udany z wielką gwiazdą. Studio podpisało kontrakt z Pittem za 17,5 miliona dolarów.
za rolę nienazwanego narratora Studio chciało „bardziej seksownego marquee name”, takiego jak Matt Damon, aby zwiększyć perspektywy komercyjne filmu; rozważało również Seana Penna. Fincher zamiast tego rozważał Nortona na podstawie jego występu w filmie The People vs., Larry Flynt. Inne studia zbliżyły Nortona do głównych ról w filmach takich jak Utalentowany pan Ripley i Człowiek na Księżycu. Został obsadzony w jury, ale film nie wszedł do produkcji. 20th Century Fox zaoferował Nortonowi 2,5 miliona dolarów za Fight Club. Nie mógł przyjąć oferty od razu, ponieważ nadal był winien film Paramount Pictures; podpisał kontrakt z Paramount, aby pojawić się w jednym z przyszłych filmów studia za mniejszą pensję. W 2003 roku wystąpił w filmie „Włoska Robota” (the Italian Job).,
w styczniu 1998 roku 20th Century Fox ogłosiło, że Pitt i Norton zostali obsadzeni. Aktorzy przygotowywali się biorąc lekcje boksu, taekwondo, grapplingu i mydlarstwa. Pitt dobrowolnie odwiedził dentystę, aby odłupać kawałki przednich zębów, aby jego postać nie miała doskonałych zębów. Utwory zostały odtworzone po zakończeniu zdjęć.
pierwszym wyborem Finchera do roli Marli Singer była Janeane Garofalo., Podczas gdy Fincher początkowo oświadczyła, że odrzuciła ją, ponieważ sprzeciwiła się treści seksualnej filmu, w wywiadzie w 2020 roku Garofolo ujawniła, że zaakceptowała tę rolę, ale została odrzucona, ponieważ Norton poczuła, że się myliła. Filmowcy uznali Courtney Love i Winonę Ryder za pierwszych kandydatów. Studio chciało obsadzić Reese Witherspoon, ale Fincher uważała, że jest za młoda. Na podstawie jej występu w filmie „skrzydła gołębia” z 1997 roku zdecydował się obsadzić Bonham Carter.,
Pisanieedytuj
Uhls rozpoczął pracę nad szkicem adaptowanego scenariusza, który wykluczył głos, ponieważ przemysł postrzegał w tym czasie, że technika była „oklepana i banalna”. Kiedy Fincher dołączył do filmu, uważał, że film powinien mieć głos, wierząc, że humor filmu pochodzi z głosu narratora. Opisywał film bez lektora jako pozornie „smutny i żałosny”. Fincher i Uhls zmienili scenariusz na sześć do siedmiu miesięcy i do 1997 roku mieli trzeci szkic, który zmienił kolejność historii i pominął kilka głównych elementów., Kiedy Pitt został obsadzony, obawiał się, że jego postać, Tyler Durden, jest zbyt jednowymiarowa. Fincher zasięgnął porady scenarzysty i reżysera Camerona Crowe ' a, który zasugerował nadanie postaci większej wieloznaczności. Fincher zatrudnił również scenarzystę Andrew Kevina Walkera do pomocy. Zaprosił Pitta i Nortona do pomocy w zrewidowaniu scenariusza, a grupa przygotowała pięć poprawek w ciągu roku.
Palahniuk pochwalił wierną ekranizację powieści i pochwalił, że fabuła filmu jest bardziej uproszczona niż książka., Palahniuk przypomniał, jak pisarze debatowali, czy widzowie filmowi uwierzą w zwrot akcji z powieści. Fincher poparł w tym zwrot akcji, argumentując: „jeśli zaakceptują wszystko do tego momentu, zaakceptują zwrot akcji. Jeśli nadal są w teatrze, zostaną z nim.”Powieść Palahniuka zawierała również podteksty homoerotyczne, które Fincher włączył do filmu, aby sprawić, że publiczność poczuje się nieswojo i zaakcentować zaskoczenie zwrotów akcji., Scena w łazience, w której Tyler Durden kąpie się obok narratora, jest przykładem podtekstu; wiersz” zastanawiam się, czy inna kobieta jest naprawdę odpowiedzią, której potrzebujemy” miał sugerować osobistą odpowiedzialność, a nie homoseksualizm. Innym przykładem jest scena na początku filmu, w której Tyler Durden wkłada lufę w usta narratora.
Narrator znajduje odkupienie na końcu filmu, odrzucając dialektykę Tylera Durdena, drogę, która odbiegała od zakończenia powieści, w której Narrator znajduje się w zakładzie psychiatrycznym., Norton narysował paralele między odkupieniem w filmie i odkupieniem w absolwencie, wskazując, że bohaterowie obu filmów znajdują pośrednią płaszczyznę między dwoma podziałami jaźni. Fincher uznał powieść za zbyt zauroczoną Tylerem Durdenem i zmienił zakończenie, aby odejść od niego: „chciałem, aby ludzie kochali Tylera, ale chciałem również, aby byli w porządku z jego unicestwieniem.”
Filmowaniedytuj
kierownictwo studia mechanik i Ziskin zaplanowali początkowy budżet w wysokości 23 milionów dolarów na sfinansowanie filmu, ale przed rozpoczęciem produkcji, budżet został zwiększony do 50 milionów dolarów., Połowa została zapłacona przez New Regency, ale podczas kręcenia filmu przewidywany budżet wzrósł do 67 milionów dolarów. Szef New Regency i producent wykonawczy Fight Club Arnon Milchan zwrócił się do Finchera o zmniejszenie kosztów o co najmniej 5 milionów dolarów. Fincher odmówił, więc Milchan zagroził mechanikowi, że nowa regencja wycofa finansowanie. Mechanik starał się przywrócić wsparcie Milchana, wysyłając mu taśmy z dziennikami Z Fight Clubu. Po trzech tygodniach kręcenia filmu, Milchan przywrócił wsparcie finansowe New Regency. Ostateczny budżet produkcji wyniósł 63 miliony dolarów.,
sceny walki były mocno choreograficzne, ale aktorzy musieli „wyjść na całość”, aby uchwycić realistyczne efekty, takie jak znokautowanie wiatru. Charakteryzatorka Julie Pearce, która pracowała dla Finchera przy filmie The Game z 1997 roku, studiowała mieszane sztuki walki i boks pay-per-view, aby dokładnie przedstawić zawodników. Zaprojektowała ucho statysty, aby nie miało chrząstki, zainspirowana walką bokserską, w której Mike Tyson odgryzł część ucha Evandera Holyfielda., Wizażyści opracowali dwie metody tworzenia potu na zawołanie: rozpylanie wody mineralnej na warstwę wazeliny i używanie nieskażonej wody do „mokrego potu”. Meat Loaf, który gra członka klubu walki, który ma „Cycki suki”, nosił 90-funtową (40 kg) uprząż tłuszczu, która dała mu duże piersi. W scenach z Nortonem nosił także ośmiocalowe (20 cm) podnośniki, aby być od niego wyższym.
Zdjęcia trwały 138 dni od lipca do grudnia 1998 roku, podczas których Fincher nakręcił ponad 1500 rolek filmu, trzy razy więcej niż średnia dla hollywoodzkiego filmu., Lokalizacje znajdowały się w Los Angeles i okolicach, w tym Promenade Towers, Melrose Avenue, St. Brendan 's Catholic Church i Michael Heizer' s public art sculpture „North, South East, West”. W Century City zbudowano także zestawy. Scenograf Alex McDowell skonstruował ponad 70 scenografii. Na zewnątrz domu Tylera Durdena został zbudowany w Wilmington w Kalifornii, natomiast wnętrze zostało zbudowane na scenie dźwiękowej w miejscu studia. Wnętrze otrzymało zepsuty wygląd, aby zilustrować zdekonstruowany świat bohaterów., Apartament Marli Singer powstał na podstawie zdjęć apartamentów w centrum Los Angeles. Łącznie produkcja obejmowała 300 scen, 200 lokacji i złożone efekty specjalne. Fincher porównał Fight Club do swojego późniejszego, mniej skomplikowanego filmu Panic Room: „czułem się, jakbym spędzał cały czas oglądając ładowane i rozładowywane ciężarówki, aby móc kręcić trzy linie dialogowe. Było zbyt dużo transportu.”
Kinematografiaedit
Fincher używał formatu Super 35 do filmowania Fight Club, ponieważ dawał mu maksymalną elastyczność w komponowaniu ujęć., Ojciec Cronenwetha, Jordan Cronenweth, był autorem zdjęć do filmu Alien 3 Finchera z 1992 roku, ale odszedł w połowie produkcji z powodu choroby Parkinsona. Fincher eksplorował style wizualne w swoich poprzednich filmach Seven I The Game, A on i Cronenweth czerpali elementy z tych stylów do Fight Club.
Fincher i Cronenweth zastosowali ponury styl, wybierając, aby ludzie byli „jakby błyszczący”. Wygląd scen narratora bez Tylera był mdły i realistyczny., Sceny z Tylerem zostały opisane przez Finchera jako „bardziej hiper-realne w podartym, zdekonstruowanym sensie—wizualna metafora tego, do czego zmierza”. Filmowcy używali mocno desaturated kolorów w kostiumie, makijażu i reżyserii artystycznej. Bonham Carter nosiła opalizujący makijaż, aby przedstawić jej romantyczną nihilistyczną postać z „smack-fiend patyna”. Fincher i Cronenweth czerpali inspiracje z filmu American Graffiti z 1973 roku, który zastosował przyziemny wygląd na zewnątrz w nocy, jednocześnie dodając różne kolory.
załoga wykorzystała zarówno naturalne, jak i praktyczne światło., Fincher szukał różnych podejść do konfiguracji oświetlenia; na przykład wybrał kilka miejskich lokalizacji dla efektów świateł miejskich na tłach. Załoga zastosowała również świetlówki w innych praktycznych miejscach, aby zachować element rzeczywistości i oświetlić protezy przedstawiające obrażenia bohaterów. Z drugiej strony Fincher zadbał również o to, aby sceny nie były tak mocno oświetlone, więc oczy bohaterów były mniej widoczne, powołując się na technikę operatora Gordona Willisa jako na wpływ.,
Fight Club kręcono głównie w nocy, a Fincher kręcił dzienne ujęcia w zacienionych miejscach. Załoga wyposażyła piwnicę baru w niedrogie lampy robocze, aby stworzyć blask tła. Fincher unikał stylowej pracy z kamerą podczas kręcenia wczesnych scen walki w piwnicy i zamiast tego umieścił kamerę w stałej pozycji. W późniejszych scenach walki, Fincher przesunął kamerę z punktu widzenia odległego obserwatora do punktu widzenia wojownika.
sceny z Tylerem zostały upozorowane, aby ukryć, że postać jest mentalną projekcją nienazwanego narratora., Tyler nie został nakręcony w dwóch ujęciach z grupą ludzi, ani nie został pokazany w żadnych ujęciach przez ramię w scenach, w których Tyler daje narratorowi konkretne pomysły, aby nim manipulować. W scenach przed spotkaniem narratora z Tylerem, twórcy filmu umieścili obecność Tylera w pojedynczych klatkach dla uzyskania podprogowego efektu. Tyler pojawia się w tle i jest nieostry, jak „mały diabeł na ramieniu”. Fincher wyjaśnił podprogowe ramy: „nasz bohater tworzy Tyler Durden we własnym umyśle, więc w tym momencie istnieje tylko na peryferiach świadomości narratora.,”
podczas gdy Cronenweth ogólnie oceniał i eksponował materiał filmowy Kodak normalnie na Fight Club, zastosowano kilka innych technik, aby zmienić jego wygląd. Miganie zostało zaimplementowane na dużej części zewnętrznej fotografii nocnej, kontrast został rozciągnięty, aby był celowo brzydki, odbitka została dostosowana, aby była niedoświetlona, retencja srebra Enr Technicolor została użyta na wybranej liczbie odbitek w celu zwiększenia gęstości czerni, a materiały o wysokim kontraście zostały wybrane, aby stworzyć „schodkowy” wygląd na odbitce z brudną patyną.,
efekty Wizualneedytuj
Fincher zatrudnił opiekuna efektów wizualnych Kevina toda Hauga, który pracował dla niego przy grze, aby stworzyć efekty wizualne dla Fight Club. Haug przydzielił twórców efektów wizualnych i ekspertów do różnych obiektów, z których każdy zajmował się różnymi rodzajami efektów wizualnych: modelowaniem CG, animacją, komponowaniem i skanowaniem. Haug wyjaśnił: „wybraliśmy najlepszych ludzi do każdego aspektu pracy nad efektami, a następnie skoordynowaliśmy ich wysiłki. W ten sposób nigdy nie musieliśmy grać na słabościach placówki.,”Fincher zwizualizował perspektywę narratora poprzez” oko umysłu ” i ustrukturyzował krótkowzroczne ramy dla filmowej publiczności. Fincher wykorzystał również previsualizowany materiał filmowy z trudnymi ujęciami z jednostki głównej i efektami wizualnymi jako narzędzie do rozwiązywania problemów, aby uniknąć błędów podczas rzeczywistego filmowania.
scena otwierająca Fight Club, która reprezentuje sieć neuronową mózgu, w której procesy myślowe są inicjowane przez impuls strachu narratora. Sieć została zmapowana za pomocą systemu L i narysowana przez ilustratora medycznego.,
tytułowa Sekwencja filmu jest 90-sekundową kompozycją efektów wizualnych, która przedstawia wnętrze mózgu narratora na mikroskopowym poziomie; kamera wycofuje się na zewnątrz, zaczynając od jego centrum strachu i podążając za procesami myślowymi zainicjowanymi przez jego impuls strachu. Sekwencja, zaprojektowana częściowo przez Finchera, była początkowo budżetowana oddzielnie od reszty filmu, ale sekwencja została nagrodzona przez studio w styczniu 1999 roku., Fincher zatrudnił Digital Domain i jego kierownika ds. efektów wizualnych Kevina Macka, który zdobył Oscara za efekty wizualne za film What Dreams May Come, za sekwencję z 1998 roku. Firma zmapowała komputerowo wygenerowany mózg za pomocą systemu L, a projekt został szczegółowo opisany za pomocą renderingu przez medyczną ilustratorkę Katherine Jones. Sekwencja cofania z wnętrza mózgu Na Zewnątrz czaszki obejmowała neurony, potencjały działania i mieszek włosowy., Haug wyjaśnił licencję artystyczną, którą Fincher wziął ze zdjęcia: „podczas gdy chciał, aby przejście mózgu wyglądało jak fotografia mikroskopu elektronowego, to spojrzenie musiało być połączone z odczuciem nocnego nurkowania—mokrego, przerażającego i z niską głębią ostrości.”Płytka Głębia ostrości została osiągnięta dzięki procesowi ray tracingu.,
inne efekty wizualne obejmują wczesną scenę, w której kamera miga obok ulic miasta, aby zbadać niszczący sprzęt projektu Mayhem leżący na podziemnych parkingach; Sekwencja była trójwymiarową kompozycją prawie 100 fotografii Los Angeles i Century City autorstwa fotografa Michaela Douglasa Middletona. Ostatnią scenę rozbiórki budynków biurowych kart kredytowych zaprojektował Richard Baily z Image Savant; Baily pracował nad sceną przez ponad czternaście miesięcy.,
Scena przedstawia punkt zwrotny, który zapowiada nadchodzące pęknięcie i odwrócenie” dość subiektywnej rzeczywistości”, która istniała wcześniej w filmie. Fincher wyjaśnił: „nagle to tak, jakby projekcjonista przegapił zmianę, widzowie muszą zacząć patrzeć na film w zupełnie nowy sposób.,”
ScoreEdit
Fincher obawiał się, że zespoły doświadczone w pisaniu partytur filmowych nie będą w stanie połączyć ze sobą tematów, więc szukał zespołu, który nigdy nie nagrywał dla filmu. Ścigał Radiohead, ale wokalista Thom Yorke odmówił, gdy wracał do zdrowia po stresie związanym z promowaniem ich albumu OK Computer. Fincher zamiast tego zlecił duetowi Dust Brothers produkującemu breakbeat, którzy stworzyli postmodernistyczną partyturę obejmującą pętle perkusyjne, elektroniczne zadrapania i skomputeryzowane sample., Michael Simpson, wykonawca Dust Brothers, wyjaśnił konfigurację filmu: „Fincher chciał odkryć nowe możliwości dzięki wszystkiemu, co dotyczy filmu, a nietradycyjna partytura pomogła to osiągnąć.”Kulminacja i napisy końcowe zawierają utwór” Where Is My Mind?”przez Pixies.