początki
Apollodoros i Skiagraphia
tendencje prowadzące do rozwoju światłocienia rozpoczęły się w klasycznej Grecji, gdzie artysta Apollodoros został nazwany Apollodoros Skiagraphos, lub „malarz cieni.”Było to spowodowane wynalezieniem przez niego skiagrafii, czyli” malowania cieniem”, techniki wykorzystującej krzyżyki i gradacje tonu., Niestety, jak w przypadku większości klasycznego malarstwa greckiego, jego prace nie przetrwały, ale technika ta została powszechnie przyjęta w Atenach. Surviving w bardziej prymitywnej formie w całej epoce bizantyjskiej, skiagraphia została rozwinięta przez zastosowanie incidendo i martizando, opisane przez historyka sztuki Janis C. Bell jako, „layerings biały, brązowy, lub czarny w liniowych wzorów na jednolitym kolorze,” w późnym średniowieczu w Europie. Technika ta była często stosowana w iluminowanych manuskryptach.,
Renesans
podkreślając odrodzenie klasycznego antyku, artyści renesansu odkryli i opracowali techniki, które umożliwiły tworzenie naturalistycznych, ale wyidealizowanych postaci zamieszkujących przekonującą trójwymiarową przestrzeń. Moneta daniny Masaccio (1420) była wczesnym przykładem wykorzystania światłocienia do tworzenia figur wolumetrycznych, oświetlanych przez pojedyncze źródło światła poza płaszczyzną obrazową., Jednak Leonardo da Vinci w pełni rozwinął tę technikę, co widać w jego adoracji Trzech Króli (1481) i Dziewicy ze skał (1483-86). Jego figury i portrety, które wydawały się płynne i żywe światłem i cieniem, wywarły wpływ na późniejszych artystów, a także informowały o dalszym rozwoju drzeworytu światłocieniowego. Artyści renesansu północnoeuropejskiego również przyjęli tę technikę, szczególnie w sztuce religijnej, częściowo ze względu na wpływ XIV-wiecznej św. Brygidy Szwedzkiej., Jej słynna wizja Narodzenia Jezusa opisywała Dzieciątko Chrystusowe, spoczywające na ziemi, jego ciało emitujące światło, podczas gdy blond Dziewica Maryja, z udziałem Józefa, klęczała, aby się do niego modlić. Wizja stała się wzorem dla popularnego tematu, zwanego także adoracją dziecka.,
Sztuka baroku
podczas gdy Sztuka baroku odwróciła się od asymetrycznych kompozycji i rozbudowanej, czasem przesadzonej figuracji manieryzmu do klasycznych zasad renesansu, podkreślając anatomicznie poprawną figurację i przekonującą trójwymiarową przestrzeń, zrobiła to, aby podkreślić dramatyczne sceny, niemal teatralne scenerie i intensywną ekspresję indywidualistyczną., Caravaggio rozwinął światłocienie, rozwijając tenebryzm, używając kontrastów, ponieważ gest lub postać były intensywnie rozświetlone jak światło reflektorów w ciemnym otoczeniu. W sztuce religijnej, jak widać w jego przełomowej triadzie obrazów, przedstawiającej powołanie i Męczeństwo św. Mateusza dla kaplicy Contarelli w Rzymie, technika uzyskiwała wizualnie wyraźne momenty, gdy zwykła rzeczywistość została przerwana przez iluminację Boskości., W sztuce świeckiej, jak widać w jego Dawid z głową Goliata (1610), technika ta mogła przekazać głęboką i często tragiczną złożoność psychologiczną. Caravaggio był znany jako „najsłynniejszy artysta w Rzymie”, a jego użycie światłocienia tak wpłynęło na artystów w całej Europie, że termin ten był często używany synonimicznie z epoką., Jednak wielu mistrzów baroku nie tylko zastosowało tę technikę, ale uznało ją za istotny element w tworzeniu charakterystycznego indywidualnego stylu, czy to złote światło Rembrandta w Batszebie w jej kąpieli (1654), zachwyt kolorem i zmysłowością Petera Paula Rubensa w zejściu Marii Medyceuszy w Marsylii (1621-1625), czy Velázquez, gdzie cienie i światło stają się tajemnicą samej percepcji, jak w Las Meninas (1656).,
koncepcje i trendy
rysunek Światłocieniowy i drzeworyty
w renesansie artyści opracowali rysunek światłocieniowy, dodając biały dla efektów świetlnych i czarny dla efektów ciemnych. Wiele z tych dzieł, wraz z renesansowymi obrazami i rysunkami, było poszukiwanych jako reprodukcje, a w 1508 roku niemiecki artysta Hans Burgkmair wynalazł drzeworyty światłocieniowe., Początkowo drukował z bloczkiem linii, inked in black, do konturów linii i crosshatchingu, a następnie używał dodatkowych bloków, inked in tonal variations, do tworzenia cieniowania. Wycinając część bloku i pozostawiając obszar niezadrukowany, artyści tworzyli akcenty w monochromatycznych odbitkach, w których używano głównie brązu, czerni, szarości lub zieleni. Lucas Cranach Starszy, Niccolò Vicentino, Nicolò Boldrini i Andrea Andreani to tylko niektórzy z artystów, którzy przyjęli tę technikę, która również zaangażowała Rafaela, Parmigianino i Tycjana. Często następowały Innowacje., Ugo da Carpi stał się pierwszym włoskim artystą, który zastosował tę technikę około 1516 roku, a włoscy artyści Zwykle drukowali serię bloków tonalnych, podkreślając przejścia kolorów i pomijając czarne kontury bloku linii, preferowane przez północnych Europejczyków
Sfumato
, aby pokazać wpływ światła na zakrzywione powierzchnie i wzmocnić efekty światłocienia.Leonardo da Vinci doskonalił technikę sfumato, którą opisał jako „bez linii i granic, w sposób dymu lub poza płaszczyzną skupienia., Sfumato polegało na nakładaniu wielu cienkich warstw glazury, aby stworzyć miękkie przejścia tonalne i gradacje między światłem i cieniem oraz dodało subtelne przejścia do światłocienia. Później Giorgio Vasari przypisał swój wynalazek Janowi van Eyckowi i Rogerowi van der weydenowi, dwóm wczesnym renesansowym Europejczykom z północy, ale był już utożsamiany z da Vinci, który opanował technikę w Dziewicy ze skał (1483-1486) i Monie Lisie (1503-1506)., Technika ta wymagała sporej wiedzy fachowej, ponieważ współcześni naukowcy zauważyli, że szkliwo artysty było czasem tylko mikronem głębokości i wykonane z Bieli ołowiowej, do której dodano jeden procent vermillionu.
inni artyści przyjęli tę technikę, w tym Raphael, Correggio, fra Bartolommeo i Giorgione, a także wpłynęła na „Leonardeschi”, nazwę nadaną dużej liczbie artystów, którzy związali się z Leonardem lub pracowali w jego pracowni. Innowacje następowały, jak Raphael rozwijał to, co historyk sztuki współczesnej Marcia B., Hall zdefiniowany jako unione. Chcąc połączyć cechy tonalne sfumato i miękkie cienie ze swoją jasną paletą kolorów, użył stopniowych zmian kolorów, aby stworzyć mieszane krawędzie, jak widać w jego Alba Madonna (ok.
Tenebryzm
Tenebryzm, wywodzący się z tenebroso, włoskiego słowa oznaczającego „ciemny, Mroczny, ponury”, używał dramatycznych kontrastów między światłem a ciemnością, ponieważ obrazy z czarnymi obszarami i głębokimi cieniami były intensywnie oświetlane, często przez jedno źródło światła., Podczas gdy tenebryzm rozwijał się z światłocienia, w przeciwieństwie do tej techniki, nie dążył do większej trójwymiarowości, ale był kompozycyjny, wykorzystując głęboką ciemność jako rodzaj negatywnej przestrzeni, podczas gdy intensywne światło w innych obszarach tworzyło to, co nazwano ” dramatycznym oświetleniem.”
chociaż renesansowy artysta Albrecht Dürer oraz Manieryści Tintoretto i El Greco używali tej techniki wcześniej, tenebryzm jest zwykle utożsamiany z Caravaggio, który nie tylko opanował tę technikę, ale uczynił jej efekt” spotlight ” charakterystyczną cechą jego twórczości. Ze względu na dzieła takie jak Męczeństwo św., Mateusz (1600) stał się bardzo wpływowy, tak bardzo, że tenebristi, grupy artystów stosujących tę technikę, jak szkoła Utrechcka, znalazły się w Północnej Europie, Włoszech i Hiszpanii. Termin tenebryzm był często stosowany do dzieł Jusepe de Ribera, Francisco Ribalty i innych XVII-wiecznych hiszpańskich artystów. W tym samym czasie był związany z XVII-wieczną tradycją świec, określeniem opisującym nocne sceny oświetlane pojedynczą świecą, co widać w niektórych dziełach Gerrita van Honthorsta, Rembrandta i Georges ' a De La Tour.,
późniejsze zmiany
Po okresie baroku światłocienie było ugruntowaną techniką, stosowaną przez różnych artystów w następnych wiekach. Czołowi rokokowi artyści Fragonard, Watteau i Joseph Wright z Derby wykorzystywali światłocienie w przekazywaniu chwil intymności i zadumy. W okresie romantyzmu Géricault wykorzystał go do przedstawienia tragedii tratwy meduzy, podczas gdy Henry fusilli namalował nawiedzający koszmar, a Francisco Goya Trzeci maja przedstawił mrok politycznego terroru., Technika mogła być przekształcona w różne cele, które uczyniły ją ważnym narzędziem do tworzenia indywidualnego stylu w epoce nowożytnej.
w XX wieku Fotografia i filmowanie również dążyły do efektów światłocieniowych. Modernistyczni fotografowie, w tym Ansel Adams, Edward Weston i W. Eugene Smith, często używali światłocienia, ponieważ kontrast światła i cienia podkreślał formalne cechy obrazu. Inni fotografowie, którzy używali tej techniki, to Joseph Koudelka, Lothar Wolleh, Annie Leibovitz, Garry Winogrand i Ralph Gibson., Fotografia studyjna często wykorzystuje oświetlenie Rembrandta, technikę, która przy użyciu jednego światła z reflektorem lub dwóch źródeł światła ma na celu stworzenie światłocieniowych efektów portretów artysty, przełożonych na nowoczesne medium.
w filmie niemieccy ekspresjoniści podkreślali światłocienie, widoczne w gabinetach Dr Caligariego (1920) i Nosferatu (1922), a także w Metropolis Fritza Langa (1927).,
W Hollywood, Operator Gregg Toland po raz pierwszy użył światłocienia w filmie 9413: a Hollywood Extra (1928), a jego innowacje w latach 30. poinformowały gatunek filmowy noir i uczyniły go jednym z najbardziej poszukiwanych kamerzystów. Pracował z większością czołowych reżyserów, ale jest szczególnie znany z pracy nad długą podróżą do domu Johna Forda (1940) i obywatelem Kane' em Orsona Wellesa. Tworząc kompozycje głębokiego skupienia, Toland użył cienia jako urządzenia Dramatycznego i obrazowego, definiującego tło Od pierwszego planu., Wywarł wpływ na wielu innych autorów zdjęć filmowych, m.in. Vittorio Storaro, Vilmosa Zsigmonda i László Kovácsa.
inni hollywoodzcy filmowcy znani z używania światłocienia to William Dieterle, jak widać w jego Garbage of Notre Dame (1939) i Diabeł i Daniel Webster (1941). Technika ta była równie rozpowszechniona w Europie. Sven Nykvist, który pracował nad wieloma filmami Ingmara Bergmana, użył tak zwanego światłocieniowego realizmu, a rosyjski reżyser Andre Tarkovsky użył światłocienia w czarno-białych scenach, które zawarł w Stalkerze (1979).