Madame Lelica

バロック時代を通じて、音楽の新しい発展はイタリアで始まり、その後、西洋のクラシック音楽の練習の残りの部分で広く採用されるまでに20年かかった。 例えば、イタリアの作曲家は1730年頃にガラント様式に切り替え、ヨハン-ゼバスティアン-バッハのようなドイツの作曲家は1750年までバロック様式で書き続けた。,>1680-1700 1730-1750

初期バロック音楽（1580-1650）編集

フィレンツェのカメラータは、芸術、特に音楽やドラマの動向を議論し、ガイドするためにカウントジョヴァンニ-デ-バルディの後援の下に集まった後期ルネサンスフィレンツェのヒューマニスト、ミュージシャン、詩人や知識人のグループでした。, 音楽に関しては、彼らは談話とオラーションを大切にする古典的な（特に古代ギリシャの）音楽ドラマの認識に彼らの理想を基にしていました。 したがって、彼らは同時代のポリフォニー（複数の独立した旋律ライン）と器楽曲の使用を拒否し、kithara（古代のかき鳴らされた弦楽器）を伴う独奏歌からなるmonodyのような古代ギリシャの音楽装置について議論した。 ヤコポ-ペリの”Dafne”や”L’Euridice”など、これらのアイデアの初期の実現は、バロック音楽の触媒であったオペラの始まりを示しました。,

音楽理論に関しては、フィギュアベース（徹底したベースとしても知られている）のより広範な使用は、ポリフォニーの線形基盤としての調和の重要性の発展を表している。 ハーモニーは対位法の最終結果であり、考え出された低音は演奏で一般に用いられるそれらのハーモニーの視覚表現である。 フィギュアベースでは、チェンバロ奏者やパイプオルガニスト（またはルーテニスト）などの鍵盤楽器奏者によって読み取られたベースラインの上に数字、臨時記号または記号が置かれた。, 数字、臨時記号または記号は、各ベースノートの上で演奏される間隔をキーボードプレイヤーに示しました。 キーボード奏者は、各ベースノートのためにボイシング和音を即興だろう。 作曲家は、高調波進行で自分自身について始め、また、不協和音を作成するために、不安定な間隔として認識されるトリトーンを採用しました（それはドミナントセブンスコードと減少したコードで使用されました）。, ルネサンス期の作曲家、特にカルロ-ジェズアルドの間にも和声への関心が存在していたが、調性（曲の”ホームノート”となる音楽の鍵に焦点を当てる）に向けられた和声の使用は、モダリティではなく、ルネサンスからバロック時代への移行を示している。 これは、和音の特定のシーケンスは、単なるノートではなく、作品の最後に閉鎖感を提供することができるという考えにつながった—調性として知られるようになった基本的なアイデアの一つ。,

作曲のこれらの新しい側面を取り入れることによって、クラウディオ*モンテヴェルディは、音楽のルネサンススタイルからバロック時代のそれへの移行を促進しました。 ルネサンスのポリフォニーの遺産（prima pratica）とバロックの新しいバッソ連続技法（seconda pratica）—彼は作曲の二つの個々のスタイルを開発しました。 バッソ-コンティニュオでは、小さなグループのミュージシャンがベースラインとメロディーの伴奏を形成する和音を演奏します。, Basso continuoグループは、通常、一つ以上のキーボード奏者とベースラインを演奏し、和音を即興するリュート奏者と、ベースラインを演奏するいくつかの低音楽器（例えば、bass viol、チェロ、ダブルベース）を使用する。 オペラ”L’Orfeo”や”l’incoronazione di Poppea”などの執筆により、モンテヴェルディはこの新しいジャンルにかなりの注目を集めた。 このヴェネツィア様式はHeinrich Schützによってドイツに手近に持ち込まれ、その多様な様式もその後の時代に進化しました。

慣用的な楽器のテクスチャはますます顕著になりました。, 特に、20世紀初頭からスタイル—ブリゼと呼ばれていたスタイル—ルテは、ロベール-バラード、1611年と1614年のリュート-ブック、エンヌモン-ゴルチエによってフランス音楽における一貫したテクスチャとして確立された。, この慣用的なリュートの構成は、後にルイ-クープランやジャン＝アンリ-ダングルベールの鍵盤音楽など、チェンバロに移され、18世紀から19世紀初頭にかけて鍵盤音楽に重要な影響を与え続けた（例えば、ヨハン-ゼバスティアン-バッハやフレデリック-ショパンの音楽）。

中世バロック音楽（1630-1700）編集

中央集権的な裁判所の台頭は、しばしばフランスのルイXIVによって擬人化された絶対主義の時代と呼ばれるものの経済的-政治的特徴の一つである。, 宮殿のスタイル、そして彼が育んだマナーと芸術の裁判所のシステムは、ヨーロッパの残りの部分のモデルとなりました。 教会と国家の後援の増加の現実は、楽器の可用性の増加が楽器奏者の小さなアンサンブルのための音楽である室内楽の需要を作り出したので、組織化

宮廷スタイルの作曲家の著名な例の一つは、Jean-Baptiste Lullyです。 彼はフランス王のためのオペラの唯一の作曲家であり、他の人がオペラを上演するのを防ぐために、君主制から特許を購入しました。, 彼は15の叙情詩を完成させ、未完成の”アキレ-エ-ポリクセーヌ”を残した。 ルリーは指揮者の初期の例であり、彼はアンサンブルを一緒に保つために大きなスタッフと一緒に時間を打つだろう。

音楽的には、イタリアのオペラから継承されたオーケストラのための弦が支配的な規範を確立しておらず、ルイXIIIの時代からバレエでは特徴的なフランスの五部構成（ヴァイオリン、ヴィオラ-イン-オート—コントレ、タイルとクインテス-サイズ、バス—ヴァイオリン）が使用されていた。, しかし、彼はこのアンサンブルをリリック劇場に導入し、上部はリコーダー、フルート、オーボエ、ベースはファゴットによって倍増することが多かった。 トランペットとケトルドラムは、英雄的な場面のために頻繁に追加されました。

イタリアの中期バロック期は、1630年代にカンタータ、オラトリオ、オペラの声楽スタイルの出現と、以前は卓越したとみなされていた言葉との平等の一つに音楽の地位を高めた新しいメロディとハーモニーの概念によって定義されている。, 初期バロックの華やかでcoloraturaモノディは、よりシンプルで洗練された旋律スタイルに道を譲った。 これらのメロディーを建設すから、cadentially区切りのアイデアに基づく図案化したダンスパターンからのsarabandeのcourante. ハーモニーは、あまりにも、弦と長いノートにクレッシェンドとディミニュエンドに軽い方法で表現を示すために、初期のバロック様式のモノディよりも簡, 付随するベースラインはメロディーとより統合され、後にアリアのメロディーの最初のベース期待の装置につながった部分の対位法同等性を生み出した。 この高調波の単純化はまた、recitative（オペラのより話された部分）とaria（歌われたメロディーを使用するオペラの一部）の差別化の新しい正式な装置につながった。, このスタイルの最も重要な革新者は、主にカンタータとオラトリオの作曲家であったローマ人のルイージ-ロッシとジャコモ-カリッシミと、主にオペラ作曲家であったヴェネツィア人のフランチェスコ-カヴァッリであった。 このスタイルの後の重要な実践者には、Antonio Cesti、Giovanni Legrenzi、Alessandro Stradellaが含まれます。,

アルカンジェロ—コレッリは、ヴァイオリンの技術と教育学を組織したヴァイオリニストとして、そして純粋な器楽曲、特に協奏曲グロッソの提唱と発展において、音楽技術の反対側における彼の業績に影響を与えたと記憶されている。 ルリーは宮廷で落ち着いていたのに対し、コレッリは広く出版し、彼の音楽をヨーロッパ全土で演奏した最初の作曲家の一人であった。, ルリーのオペラの様式化と編成と同様に、協奏曲グロッソは強いコントラストに基づいて構築されています—セクションは、フルオーケストラが演奏するものと小さなグループが演奏するものとの間で交互に。 ダイナミクスは、それが再びソフトと戻って大声からの急激な移行である、”テラス”でした。 速いセクションと遅いセクションが互いに並置されました。 彼の生徒の中には、後にコレッリのトリオソナタと協奏曲の原則に基づいて何百もの作品を作曲したアントニオ-ヴィヴァルディがいます。,

これらの作曲家とは対照的に、ディーテリヒ-ブクステフーデは宮廷の生き物ではなく、代わりにリューベックのマリエンキルヒェでオルガニストとヴェルクマイスターのポストを保持していた教会音楽家であった。 ヴェルクマイスターとしての彼の職務は、教会の秘書、会計、ビジネスマネージャーとしての役割を含んでいたが、オルガニストとしての彼の位置は、時には教会から支払われた他の楽器奏者または声楽家と協力して、すべての主要なサービスのために演奏することを含んでいた。, 彼の公式の教会の任務の完全に外で、彼はオペラと同等として彼の同時代によって見なされる神聖な劇的な作品の公演を含むAbendmusikenとして知られているコンサートシリーズを組織し、監督しました。

France:

• Denis Gaultier
• Jean-Henri d’Anglebert
• Jacques Champion de Chambonnières
• Louis Couperin

後期バロック音楽（1680-1750）Edit

ジョージ-フリデリック-ヘンデル、ヨハン-ゼバスティアン-バッハ、ドメニコ-スカルラッティ、アントニオ-ヴィヴァルディ、ジャン-フリデリック-ヘンデル、ヨハン-ゼバスティアン-バッハの作品。フィリップ-ラモー、ゲオルク-フィリップ-テレマンらは、バロック時代をクライマックスまで進めた。

• a.k.a.,特定の大きな）
• ジュゼッペ-トレッリ（コンサートのみ）

フランス：

• フランソワ-クーペラン
• アンドレ-カンプラ

より広い採用編集

イタリア：

• ジョヴァンニ-ボノンチーニ
• アントニオ-ヴィヴァルディ
• トマソアルビノーニ
• ベネデット-マルチェロ
• フランチェスコ-ジェミニアーニ
• ピーター-スミス
• ジョヴァンニ-バッティスタ-ペルゴレシ
• ニコラ-ポルポラ
• ジュゼッペ-タルティーニ
• フランチェスコ-マリア-ベラチーニ

増殖

• エルドマン-ノイマイスター
• エスティエンヌロジェ、l’estro Armonico
• イタリアを訪問し、そして。,G.Johann Kuhnau,Johann David Heinichen,Gottfried Heinrich Stölzel
• ドメニコ-スカルラッティ、アントニオ-カルダラ、アントニオ-ロッティ、ピーター-タワーズを含む海外のイタリア人

フランス：

• ジャン-フィリップ-ラモー
• ジョセフ-ボダン-ド-ボワモルティエ
• フランス, ルイ-マルシャン

中央ヨーロッパ：

• ヨハン-ゲオルク-ピーゼンデル
• ゲオルク-フィリップ-テレマン
• ヨハン-ゼバスティアン-バッハ
• ヨハン-フリードリヒ-ファッシュ
• ヤン-ディスマス-ゼレンカ
• ヨハン-ヨーゼフ-フックス
• クリストフ-グラウプナー
• ヨハン-ダヴィッドheinichen
• sylvius leopold Weiss
• 海外のドイツ人、例えば, ジョージ-フリデリック-ヘンデル、ヨハン-アドルフ-シェイベ

古典時代への移行

ギャラント音楽：

• ヨハン-マテソン
• ジャン-マリー-ルクレール
• ヨハン-ヨアヒム-クアンツ
• ヨハン-アドルフ-ハッセ
• カール-ハインリヒ-グラウン
• ジョヴァンニバッティスタ-サンマルティーニ
• Baldassare galuppi

バッハの息子と弟子：

• ヴィルヘルム-フリーデマン-バッハ
• カール-フィリップ-エマヌエル-バッハ
• ヨハン-ゴットリープ-ゴルトベルク

マンハイム学校：

• ヨハン-ゴットリープ-ゴルトベルク

ヨハン-ゴットリープ-ゴルトベルク