Madame Lelica

Durante l’epoca barocca, nuovi sviluppi nella musica hanno avuto origine in Italia, dopo di che ci sono voluti fino a 20 anni prima che fossero ampiamente adottati nel resto della pratica della musica classica occidentale. Ad esempio, i compositori italiani passarono allo stile galant intorno al 1730, mentre compositori tedeschi come Johann Sebastian Bach continuarono in gran parte a scrivere in stile barocco fino al 1750.,>1680-1700

Primi di musica barocca (1580-1650)Modifica

La Camerata Fiorentina era un gruppo di umanisti, musicisti, poeti e intellettuali nel tardo Rinascimento di Firenze, che si sono riuniti sotto l’alto patronato del Conte Giovanni de’ Bardi, per discutere e guida tendenze nelle arti, in particolare la musica e la recitazione., In riferimento alla musica, hanno basato i loro ideali su una percezione del dramma musicale classico (specialmente greco antico) che valorizzava il discorso e l’orazione. Di conseguenza, rifiutarono l’uso dei loro contemporanei della polifonia (linee melodiche multiple e indipendenti) e della musica strumentale, e discussero di dispositivi musicali greci antichi come la monodia, che consisteva in un canto solista accompagnato da un kithara (un antico strumento a corde strummed). Le prime realizzazioni di queste idee, tra cui Dafne e L’Euridice di Jacopo Peri, segnarono l’inizio dell’opera, che fu un catalizzatore per la musica barocca.,

Per quanto riguarda la teoria musicale, l’uso più diffuso del basso figurato (noto anche come basso completo) rappresenta l’importanza crescente dell’armonia come base lineare della polifonia. L’armonia è il risultato finale del contrappunto, e il basso figurato è una rappresentazione visiva di quelle armonie comunemente impiegate nell’esecuzione musicale. Con basso figurato, numeri, alterazioni o simboli sono stati posti sopra la linea di basso che è stato letto da suonatori di strumenti a tastiera come suonatori di clavicembalo o organisti a canne (o liutisti)., I numeri, alterazioni o simboli indicati al tastierista quali intervalli devono essere riprodotti sopra ogni nota di basso. Il tastierista sarebbe improvvisare un accordo voicing per ogni nota di basso. I compositori iniziarono a interessarsi di progressioni armoniche e impiegarono anche il tritone, percepito come un intervallo instabile, per creare dissonanza (era usato nell’accordo di settima dominante e nell’accordo diminuito)., Un interesse per l’armonia era esistito anche tra alcuni compositori del Rinascimento, in particolare Carlo Gesualdo; Tuttavia, l’uso dell’armonia diretto verso la tonalità (un focus su una chiave musicale che diventa la “nota domestica” di un pezzo), piuttosto che la modalità, segna il passaggio dal Rinascimento al periodo barocco. Ciò ha portato all’idea che certe sequenze di accordi, piuttosto che semplici note, potessero fornire un senso di chiusura alla fine di un pezzo—una delle idee fondamentali che divenne nota come tonalità.,

Incorporando questi nuovi aspetti della composizione, Claudio Monteverdi favorì il passaggio dallo stile musicale rinascimentale a quello barocco. Ha sviluppato due stili individuali di composizione: l’eredità della polifonia rinascimentale (prima pratica) e la nuova tecnica del basso continuo del barocco (seconda pratica). Con basso continuo, un piccolo gruppo di musicisti suonava la linea di basso e gli accordi che formavano l’accompagnamento di una melodia., Il gruppo basso continuo userebbe in genere uno o più tastieristi e un liutista che suonasse la linea di basso e improvvisasse gli accordi e diversi strumenti bassi (ad esempio, viol basso, violoncello, contrabbasso) che suonassero la linea di basso. Con la scrittura delle opere L’Orfeo e L’incoronazione di Poppea, tra le altre, Monteverdi ha portato notevole attenzione a questo nuovo genere. Questo stile veneziano fu portato comodamente in Germania da Heinrich Schütz, il cui stile diversificato si evolse anche nel periodo successivo.

Le trame strumentali idiomatiche divennero sempre più importanti., In particolare, lo stile luthé—la rottura irregolare e imprevedibile delle progressioni cordali, in contrasto con il regolare schema degli accordi spezzati—indicato fin dai primi anni del xx secolo come stile brisé, è stato stabilito come consistenza coerente nella musica francese da Robert Ballard, nei suoi libri di liuto del 1611 e 1614, e da Ennemond Gaultier., Questa figurazione idiomatica del liuto fu poi trasferita al clavicembalo, ad esempio nella musica per tastiera di Louis Couperin e Jean-Henri D’Anglebert, e continuò ad essere un’importante influenza sulla musica per tastiera durante il xviii e l’inizio del XIX secolo (ad esempio, nella musica di Johann Sebastian Bach e Frédéric Chopin).

Musica barocca centrale (1630-1700)Modifica

L’ascesa della corte centralizzata è una delle caratteristiche economiche e politiche di quella che viene spesso etichettata come l’Età dell’assolutismo, personificata da Luigi XIV di Francia., Lo stile del palazzo, e il sistema di corte di buone maniere e le arti ha promosso divenne il modello per il resto d’Europa. Le realtà del crescente patronato della chiesa e dello stato hanno creato la domanda di musica pubblica organizzata, poiché la crescente disponibilità di strumenti ha creato la domanda di musica da camera, che è musica per un piccolo ensemble di strumentisti.

Un esempio preminente di compositore di corte è Jean-Baptiste Lully. Acquistò brevetti dalla monarchia per essere l’unico compositore di opere per il re francese e per impedire ad altri di mettere in scena opere., Ha completato 15 tragedie liriche e lasciato incompiuto Achille et Polyxène. Lully è stato uno dei primi esempi di un direttore d’orchestra; avrebbe battuto il tempo con un grande bastone per mantenere i suoi ensemble insieme.

Musicalmente, non stabilì la norma dominata dagli archi per le orchestre, che fu ereditata dall’opera italiana, e la disposizione in cinque parti tipicamente francese (violini, viole-in hautes-contre, tailles e quintes—e violini bassi) era stata utilizzata nel balletto dal tempo di Luigi XIII., Tuttavia, introdusse questo ensemble al teatro lirico, con le parti superiori spesso raddoppiate da registratori, flauti e oboi e il basso da fagotti. Trombe e bollitori sono stati spesso aggiunti per scene eroiche.

Il periodo barocco medio in Italia è definito dall’emergere degli stili vocali di cantata, oratorio e opera durante gli anni 1630, e da un nuovo concetto di melodia e armonia che elevò lo status della musica a uno di uguaglianza con le parole, che in precedenza erano state considerate preminenti., La florida, coloratura monodia del primo barocco ha lasciato il posto a un più semplice, più lucido stile melodico. Queste melodie sono state costruite da brevi idee delimitate cadenzialmente spesso basate su modelli di danza stilizzati tratti dalla sarabanda o dal courante. Anche le armonie potrebbero essere più semplici che nella monodia del primo barocco, per mostrare l’espressione in modo più leggero sulla corda e crescendi e diminuendi sulle note più lunghe., Le linee di basso di accompagnamento erano più integrate con la melodia, producendo un’equivalenza contrappuntistica delle parti che in seguito portò al dispositivo di un’anticipazione iniziale del basso della melodia dell’aria. Questa semplificazione armonica portò anche a un nuovo dispositivo formale di differenziazione del recitativo (una parte più parlata dell’opera) e dell’aria (una parte dell’opera che usava melodie cantate)., I più importanti innovatori di questo stile furono i romani Luigi Rossi e Giacomo Carissimi, che erano principalmente compositori di cantate e oratori, rispettivamente, e il veneziano Francesco Cavalli, che era principalmente un compositore d’opera. Più tardi importanti praticanti di questo stile includono Antonio Cesti, Giovanni Legrenzi e Alessandro Stradella.,

Arcangelo Corelli è ricordato come influente per i suoi successi sull’altro lato della tecnica musicale—come violinista che ha organizzato la tecnica del violino e la pedagogia—e nella musica puramente strumentale, in particolare la sua difesa e lo sviluppo del concerto grosso. Mentre Lully era sistemato a corte, Corelli è stato uno dei primi compositori a pubblicare ampiamente e ad avere la sua musica eseguita in tutta Europa., Come per la stilizzazione e l’organizzazione dell’opera di Lully, il concerto grosso è costruito su forti contrasti-sezioni alternate tra quelle suonate dall’intera orchestra e quelle suonate da un gruppo più piccolo. Le dinamiche erano “terrazzate”, cioè con una netta transizione dal forte al morbido e viceversa. Sezioni veloci e sezioni lente erano giustapposte l’una contro l’altra. Tra i suoi allievi c’è Antonio Vivaldi, che in seguito compose centinaia di opere basate sui principi delle sonate e dei concerti in trio di Corelli.,

A differenza di questi compositori, Dieterich Buxtehude non era una creatura di corte, ma era un musicista di chiesa, ricoprendo le cariche di organista e Werkmeister alla Marienkirche di Lubecca. I suoi compiti come Werkmeister coinvolti in qualità di segretario, tesoriere, e business manager della chiesa, mentre la sua posizione come organista incluso suonare per tutti i servizi principali, a volte in collaborazione con altri strumentisti o cantanti, che sono stati anche pagati dalla chiesa., Completamente al di fuori dei suoi doveri ufficiali della chiesa, organizzò e diresse una serie di concerti nota come Abendmusiken, che includeva rappresentazioni di opere sacre drammatiche considerate dai suoi contemporanei come l’equivalente di opere liriche.

Francia:

• Denis Gaultier
• Jean-Henri d”Anglebert
• Jacques Campione de Chambonnières
• Louis Couperin

Tardo barocco musica (1680-1750)Modifica

L’opera di georg Friedrich Händel, Johann Sebastian Bach e i loro contemporanei, quali Domenico Scarlatti, Antonio Vivaldi, Jean-Philippe Rameau, Georg Philipp Telemann, e altri avanzati Barocco al suo culmine.

• alias,certo grosso)
• Giuseppe Torelli (Solo concerto)

France:

• François Couperin
• André Campra

Wider adoptionEdit

Italy:

• Giovanni Bononcini
• Antonio Vivaldi
• Tomaso Albinoni
• Benedetto Marcello
• Francesco Geminiani
• Pietro Locatelli
• Giovanni Battista Pergolesi
• Nicola Porpora
• Giuseppe Tartini
• Francesco Maria Veracini

Proliferation:

• Erdmann Neumeister
• Estienne Roger, L’estro armonico
• Visiting Italy, e.,g. Johann Kuhnau, Johann David Heinichen, Gottfried Heinrich Stölzel
• Italians abroad, e.g. Domenico Scarlatti, Antonio Caldara, Antonio Lotti, Pietro Torri

France:

• Jean-Philippe Rameau
• Joseph Bodin de Boismortier
• French abroad: e.g., Louis Marchand

Europa Centrale:

• Johann Georg Pisendel
• Georg Philipp Telemann
• Johann Sebastian Bach
• Johann Friedrich Fasch
• Jan Dismas Zelenka
• Johann Joseph Fux
• Christoph Graupner
• Johann David Heinichen
• Sylvius Leopold Weiss
• Tedeschi all’estero, per esempio, George Frideric Händel, Johann Adolf Scheibe

Transizione Classica eraEdit

Galant musica:

• Johann Mattheson
• Jean-Marie Leclair
• Johann Joachim Quantz
• Johann Adolph Hasse
• Carl Heinrich Graun
• Giovanni Battista Sammartini
• Baldassare Galuppi

Bach anziano figli e alunni:

• Wilhelm Friedemann Bach
• Carl Philipp Emanuel Bach (empfindsamer Stil)
• Johann Gottlieb Goldberg

Mannheim scuola:

• Johann Stamitz