Madame Lelica

Quando pensi a fotografi famosi, quali nomi ti vengono in mente per primi? Ansel Adams, Henri Cartier Bresson, Robert Capa, Dorothea Lange, Man Ray? Tutti questi nomi appartengono a personaggi molto importanti che hanno lasciato un segno indelebile nel mondo della fotografia. Questi fotografi sono molto diversi in termini di generi e soggetti preferiti – ciò che li collega è il fatto che sono ancora ben noti in tutto il mondo e molti fotografi professionisti e appassionati di fotografia guardano le loro immagini.,

Elenco dei fotografi famosi

Inizieremo con Henri Cartier Bresson perché è forse il fotografo famoso più conosciuto. Includeremo fotografi ritrattisti e documentaristi, oltre a molti nomi importanti della fotografia di strada, della moda e della fotografia di paesaggio.

Henri Cartier Bresson

“Scattare una fotografia significa allineare la testa, l’occhio e il cuore. E ‘ un modo di vivere.,”

— Henri Cartier Bresson—

Questo fotografo francese è un vero re della fotografia di strada. Ha fatto scene di vita quotidiana memorabili grazie alle sue incredibili fotografie di strada.

Cartier Bresson è stato testimone di eventi che hanno cambiato il mondo, dalla guerra civile spagnola alla morte di Gandhi, catturando “momenti decisivi” nella vita della gente comune. Nato nel 1908 in un villaggio fuori Parigi, Henri Cartier Bresson è considerato uno dei grandi fotografi del xx secolo. Doveva ereditare l’azienda tessile di famiglia, ma l’artista in erba aveva altre idee., A causa della mancanza di accesso ai materiali di pittura, è stato spinto a iniziare a scattare fotografie delle persone che ha incontrato.

Per realizzare i candidi scatti per i quali è conosciuto, Cartier Bresson si è mescolato con l’ambiente circostante, non ha mai usato un flash e ha coperto la sua fotocamera Leica cromata con del nastro nero per renderla meno appariscente.

Quando è morto nel 2004, ha lasciato dietro di sé mezzo milione di negativi presi nel corso di 50 anni in più di 40 paesi. Le opere più amate di Cartier-Bresson erano istantanee di persone comuni, che facevano cose ordinarie, che andavano nella loro vita quotidiana.,

L’espressione ”momento decisivo” è ancora usata molto spesso in fotografia.

Ansel Adams

“Ci sono sempre due persone in ogni immagine: il fotografo e lo spettatore.”

—Ansel Adams—

Ansel Adams è nato nel 1902 ed era noto per le sue immagini in bianco e nero del West americano. È considerato il più importante fotografo paesaggista e ambientalista del xx secolo. Ha raffigurato l’Occidente americano in modo maestoso.,

Adams aveva quattordici anni quando visitò lo Yosemite National Park per la prima volta con la sua famiglia. In seguito descrisse la sua prima visione: “Lo splendore di Yosemite mi irruppe addosso ed era glorioso. Arcobaleni di colore vivo, lampi di fulmini e rotoli di tuono. Una meraviglia dopo l’altra discese. C’era luce ovunque, e per me iniziò una nuova era.”

Durante quel soggiorno, suo padre gli regalò la sua prima macchina fotografica, una Brownie box camera Eastman Kodak, e iniziò la sua vita come fotografo. Più tardi, ha spesso usato fotocamere di grande formato.,

Ansel Adams aveva una profonda comprensione della qualità specifica della luce che cadeva su un luogo specifico in un momento specifico, che lo portò a sviluppare il sistema di zone, che determinava la relazione tra esposizione, sviluppo e densità risultanti del negativo fotografico. Lo scopo del sistema non era tecnico, ma piuttosto espressivo, e lo usò per visualizzare una fotografia finita prima che l’esposizione fosse fatta.

La maggior parte del grande lavoro di Adams come fotografo fu completato nel 1950., Nella sua vita successiva, ha speso la maggior parte della sua energia come fotografo reinterpretando il suo lavoro precedente.

Ansel Adams è ancora uno dei più noti fotografi di paesaggio.

Robert Capa

“Se le tue fotografie non sono abbastanza buone, non sei abbastanza vicino.”

—Robert Capa—

Robert Capa è stato un fotografo di guerra ungherese-americano ed è considerato il più grande fotografo di combattimento e avventura della storia.,

Nella seconda guerra mondiale coprì gran parte dei combattimenti più pesanti in Africa, Sicilia e Italia per la rivista Life. Le sue fotografie dell’invasione della Normandia divennero alcune delle più memorabili della seconda guerra mondiale.

Robert Capa è noto per aver ridefinito il fotogiornalismo di guerra e le immagini di strada. Era anche un eccellente fotografo di documentari. Il suo lavoro proveniva dalle trincee in contrasto con la prospettiva più lunga delle braccia che era il precedente.

Nel 1954 andò in missione per la rivista Life nel Sud-est asiatico dove accompagnò un reggimento francese., Mentre attraversava una zona pericolosa sotto il fuoco, il quarantenne Capa lasciò la sua jeep per fotografare il nemico che avanzava quando calpestò una mina e fu ucciso.

Robert Capa è stato uno dei più famosi fotografi di guerra di tutti i tempi.

Dorothea Lange

“La fotografia prende un istante fuori dal tempo, alterando la vita tenendola ferma.,”

—Dorothea Lange—

Dorothea Lange nacque alla fine del 19 ° secolo da tedeschi-americani istruiti e prosperi di prima generazione. È stata una delle migliori fotografe documentarie americane che hanno usato la sua arte per documentare la sofferenza umana causata dalla Grande Depressione del 1930. Per come la vedeva, la fotografia non era fine a se stessa, ma un mezzo per esplorare il mondo per migliorarlo.,

Dorothea Lange era a suo agio con tutti quelli che incontrava, ma in particolare con i down-and-outers, la popolazione silenziosa e invisibile che soffriva di circostanze al di fuori della loro comprensione o controllo. Queste persone si fidavano di lei, e lei le guardava e le mostrava con compassione e rispetto.

La sua fotografia più famosa, un ritratto in bianco e nero noto come la “Madre migrante”, è stata soprannominata la “Gioconda” della fotografia dell’era della depressione.,

Lange era un commentatore culturale che ha usato la macchina fotografica per registrare con precisione, ma non ha mai interferito con gli avvenimenti politici del tempo.

La sua ”Madre Migrante” rimane ancora una delle fotografie più conosciute in tutto il mondo. La fotografia di ritratto non sarebbe la stessa senza Lange e il suo lavoro.

Edward Weston

“I miei occhi non sono altro che esploratori in una ricerca preliminare, perché l’occhio della fotocamera può cambiare completamente la mia idea.,”

—Edward Weston—

Edward Weston nacque a Highland Park, Illinois, nel 1886. Suo padre, un ostetrico, gli comprò la sua prima macchina fotografica, una Kodak Bulls-Eye No. 2, per il suo 16 ° compleanno. Il regalo è arrivato con una nota che includeva i consigli utili; “Non essere troppo lontano dall’oggetto che desideri prendere, o sarà molto piccolo”.,

Weston è diventato un importante fotografo americano e meglio conosciuto per le sue immagini accuratamente composte, fortemente focalizzate e in scala tonale di dune di sabbia, paesaggi, verdure, forme di roccia e nudi semi-astratti, che hanno prodotto alcune delle immagini più famose e iconiche del mondo. Nel suo lavoro, ha aiutato le persone a vedere la fotografia come un’arte.

Le immagini più celebri di Weston erano le dune di sabbia, con le loro forme quasi nere raggiunte in alcune parti attraverso l’ombra, e le dune quasi bianche raggiunte in altre attraverso la luce brillante, causando l’astrazione delle immagini.,

Il tipo di fotografie in cui Weston si è specializzato è chiamato “fotografia diritta”, dove non vengono fatti effetti insoliti per cambiare l’immagine della fotografia. Il suo lavoro è sorprendente nella sua semplicità.

Steve McCurry

“Se vuoi essere un fotografo prima esci di casa.,”

—Steve McCurry—

Steve McCurry è un fotografo americano, nato a Filadelfia nel 1950, e per più di trent’anni è stato uno dei più prolifici fotografi di documentari/viaggi al mondo. È riconosciuto universalmente come uno dei migliori creatori di immagini di oggi. La sua” ragazza afghana ” è certamente una delle immagini ritratto più influenti.

È un maestro nel lavorare con il colore, e il modo in cui contrasta i colori di sfondo e primo piano è qualcosa che richiede anni di pratica fotografica. Questo è evidente anche nella sua ”ragazza afghana”.,

Utilizzando la ripetizione del colore McCurry ha sviluppato uno stile universalmente riconoscibile.

La sua composizione di linee e superfici è una delle componenti vitali che rende le sue foto uniche, e quando le persone guardano il suo lavoro, i loro occhi ruotano attorno all’immagine, portandoli a studiare le sue immagini per molto tempo.

Il ”momento incustodito” è un termine che McCurry ha coniato e utilizza per descrivere il momento perfetto per scattare una fotografia, quel momento in cui le persone sono al loro più disinteressato, quella frazione di secondo in cui sembrano essere ignari del resto del mondo.,

Richard Avedon

“Odio le macchine fotografiche. Interferiscono, sono sempre in mezzo. Vorrei poter lavorare con i miei occhi da solo.”

—Richard Avedon—

Richard Avedon è nato a New York nel 1923 ed è considerato uno dei fotografi più influenti della fine del 20 ° secolo, e il fotografo di ritratti e moda numero uno. È meglio conosciuto per i suoi ritratti semplici e suggestivi di tutti, dalle star del cinema ai politici ai minatori di carbone impoveriti.,

Lo stile di Avedon era duro, in-your-face e drammatico, che era un riflesso delle sue insicurezze e della paura della morte.

I suoi ritratti hanno una cosa in comune: sono semplici. “Eliminando le distrazioni”, ha detto, ” Sei sempre concentrato sulla cosa giusta – il soggetto.”

Ha lavorato prima come fotografo per i Marines mercantili, scattare foto di identificazione. Si è poi trasferito alla moda, girando per Harper’s Bazaar e Vogue, chiedendo che le sue modelle trasmettessero emozione e movimento, un allontanamento dalla norma della fotografia di moda immobile.,

Il suo lavoro di definizione del marchio e le lunghe associazioni con Calvin Klein, Revlon, Versace e decine di altre aziende hanno portato ad alcune delle più note campagne pubblicitarie della storia americana.

Quando è morto nel 2004, il suo necrologio ha dichiarato che ha contribuito a definire l’immagine, lo stile e la cultura dell’America negli ultimi 50 anni.

Man Ray

“Fotograferei un’idea piuttosto che un oggetto, un sogno piuttosto che un’idea.,”

—Man Ray—

Man Ray nacque nel 1890 come Emmanuel Radnitzky a Filadelfia, da immigrati ebrei russi. Era un fotografo, scultore, pittore e regista americano, famoso per la sua tecnica fotografica senza fotocamera soprannominata “rayographs.”Era un artista profondamente innovativo che desiderava con fervore rivoluzionare l’arte.

Era interessato ad ottenere effetti insoliti e creava Rayografie, che venivano fatte senza l’uso di una macchina fotografica, esponendole direttamente a carte sensibilizzate alla luce su cui venivano posizionati vari oggetti.,

Sebbene Ray abbia lavorato con vari mezzi artistici, è più noto per la sua innovazione fotografica nota come solarizzazione, un processo di registrazione di un’immagine su un negativo che inverte le ombre e l’esposizione alla luce.

Sebbene sia nato negli Stati Uniti, ha trascorso la maggior parte della sua carriera in Francia, dove ha giocato una parte integrante sia nei movimenti Dada che surrealisti. Il movimento Dada consisteva in artisti che rifiutavano la logica, la ragione e l’estetismo della moderna società capitalista e esprimevano sciocchezze, irrazionalità e protesta anti-borghese nelle loro opere.,

Man Ray ha creato alcune delle opere più famose del periodo e ha lasciato un’eredità che si estende ben oltre gli anni in cui è stato attivo.

Alfred Stieglitz

“la Fotografia è la mia passione, la ricerca della verità, la mia ossessione.”

– Alfred Stieglitz—

Alfred Stieglitz nacque il 1 gennaio 1864 a Hoboken, nel New Jersey, da una famiglia di immigrati ebrei tedeschi., A 18 anni decide di andare a Berlino per studiare ingegneria meccanica, ma scopre la sua passione per la fotografia, un fenomeno nuovo e in crescita nella comunità artistica.

Ha raccolto libri sull’argomento ed è diventato un autodidatta. Ben presto divenne uno dei principali sostenitori della scuola pittorica di fotografia. Il suo obiettivo nella vita era quello di rendere la fotografia una forma d’arte accettata.

Credendo che la fotografia fosse un’arte, Alfred Stieglitz la studiò e la praticò con passione., Amava parlare di fotografia troppo e sempre voluto diffondere la parola su quanto grande è stato e come è stato fatto.

Stieglitz era davvero grande nell’idea di “pre-visualizzazione”, nel senso di pre-visualizzare la tua fotografia nella tua mente prima di scattare. Poi, dopo aver fatto una foto di una scena, si dovrebbe stampare come si pre-visualizzato nella vostra mente.

Stieglitz ha messo tutta la sua vita sulla linea per contribuire a promuovere la fotografia. La fotografia moderna potrebbe non essere in giro se non fosse per lui.,

Robert Frank

“Quando le persone guardano le mie foto voglio che si sentano come fanno quando vogliono leggere una riga di una poesia due volte.”

—Robert Frank—

Robert Frank è nato a Zurigo, in Svizzera, nel 1924. Ha viaggiato per il mondo prima di stabilirsi definitivamente a New York nel 1947. Il suo primo lavoro fotografico è stato nella fotografia di moda con la rivista Harper’s Bazaar.

Nel 1955, ha deciso di documentare l’America come la vedeva. Il suo viaggio su strada di fondo per catturare l’America è diventato uno dei viaggi su strada più influenti e ripetuti nella storia fotografica.,

In ogni luogo si fermò, ha cercato di ottenere un senso per il sapore della vita delle persone visitando luoghi ordinari—il locale Woolworth, caffetterie, cimiteri, parchi, banche, alberghi, e uffici postali, che gli ha fornito l’opportunità di osservare una serie di americani senza attirare troppa attenzione su di sé.

Divenne noto per il suo libro del 1959 “The Americans”, una raccolta di fotografie in bianco e nero scure, granulose e prive di nostalgia.,

È diventato uno dei fotografi più influenti della metà del 20 ° secolo, a causa dei suoi rendering ironici della vita americana.

Robert Frank, molto semplicemente, ha cambiato il modo in cui il mondo guarda all’America.

Robert Doisneau

“Se sapessi fare una buona fotografia, lo farei ogni volta.”

—Robert Doisneau—

Robert Doisneau è nato nel 1912, a Gentilly, in Francia, ed è stato un fotografo noto per il suo modo poetico di catturare la vita nella sua città natale, Parigi., Le sue fotografie spesso fanno paragoni con Monet, Renoir e Manet, che hanno immortalato la città attraverso la loro arte quasi 100 anni prima.

Ha lavorato prima come fotografo pubblicitario e poi come fotografo industriale, e poi ha fatto pubblicità e riviste, tra cui la fotografia di moda per la rivista Vogue.

“Le mie fotografie sono completamente soggettive”, ha detto una volta. “Afferrano quella’ irregolarità ‘ che va contro l’ordine delle cose. Mostrano al mondo come vorrei che fosse.,”

Doisneau è ben noto per la sua capacità di commentare la società e gli individui attraverso sfumature fotografiche e understatement.

Morì all’età di 81 anni, lasciando dietro di sé 450.000 negativi e oltre 20 libri che riflettevano la sua duratura ricerca della vita quotidiana.

Annie Leibovitz

“Non si smette di vedere. Uno non smette di inquadrare. Non si spegne e si accende. E ‘ sempre acceso.,”

– Annie Leibovitz—

La fotografa americana Annie Leibovitz è nata nel 1949 a Waterbury, Connecticut. È rinomata per i suoi ritratti drammatici, eccentrici e iconici di una grande varietà di celebrità. Il suo stile distintivo è un’immagine nitida e ben illuminata.

Nel 1967, mentre era ancora studentessa al San Francisco Art Institute, ricevette il suo primo incarico commerciale dalla rivista Rolling Stone per fotografare John Lennon., Tre anni dopo, Leibovitz è diventata la fotografa principale della pubblicazione, indirizzando le sue energie verso una presentazione unica delle principali personalità della musica rock contemporanea. Rimase lì al Rolling Stone per un decennio.

Nel 1983 è entrata a far parte dello staff di Vanity Fair, che ha ampliato il suo pool di soggetti per includere stelle del cinema, atleti e personaggi politici.

Ha iniziato a lavorare come fotografa pubblicitaria nel 1986, ottenendo clienti come Honda, American Express e the Gap. Le sue immagini commerciali erano drammatiche e complesse, piuttosto che casuali.,

Annie Leibovitz continua a girare copertine di riviste e attualmente gira tenendo conferenze sulla sua lunga carriera nel giornalismo e nelle arti.

Diane Arbus

“Lavoro per imbarazzo. Con questo voglio dire che non mi piace organizzare le cose. Se mi trovo di fronte a qualcosa, invece di organizzarlo, mi arrangio.”

— Diane Arbus—

Arbus è nato il 14 marzo 1923, a New York City., Era uno dei fotografi più distintivi del 20 ° secolo, noto per i suoi ritratti inquietanti e soggetti off-beat. Le sue fotografie erano immagini agghiaccianti provocatorie di crossdressers, prostitute, bambini tristi e solitari, e nani che fissavano assente nella sua macchina fotografica, guardando un po ” sorpreso. Voleva fotografare bruttezza ed esplorare mondi altri fotografi evitato. Ha creato immagini che ci hanno costretto a guardarle mentre ci schernivano per distogliere lo sguardo.,

Arbus ha trovato il successo con il lavoro di moda, ma presto si è ramificata per scattare immagini crude e insolite delle persone che ha visto mentre viveva a New York. Si rese conto che nessuna fotografia è veramente oggettiva e che le tue fotografie sono più un riflesso di te stesso che del soggetto. È stata una delle prime fotografe con questo approccio.

Dopo anni di depressione, si suicidò nel suo appartamento di New York il 26 luglio 1971.,

Cindy Sherman

“L’ancora deve stuzzicare con la promessa di una storia che lo spettatore prude per essere raccontata.”

—Cindy Sherman—

Cindy Sherman è stata una famosa fotografa nata nel 1954 nel New Jersey. Il suo lavoro consiste principalmente di autoritratti, raffigurando se stessa in molti contesti diversi e come vari personaggi immaginati.,

Attraverso queste penetranti fotografie di se stessa mascherata da personaggi inventati, è diventata una delle artiste più influenti della sua generazione. Anche se lei serve come il suo modello, le sue fotografie non sono autoritratti; piuttosto, sono indagini sulla nostra identità nella cultura americana attraverso stereotipi che sono profondamente radicati nella nostra coscienza collettiva.

Il suo lavoro fotografico è radicato nella trasformazione, padroneggiando perfettamente l’arte dell’inganno mentre si immerge in una nuova ambientazione e tema ad ogni scatto.,

Per più di 40 anni, Sherman è apparsa in quasi tutti i suoi lavori, ma mai come se stessa. Con l’aiuto di trucco scenico, protesi, parrucche, costumi e, più recentemente, strumenti digitali, si è trasformata in centinaia di personaggi, tra cui trasformarsi in un gattino sessuale, tossicodipendente, clown terrificanti, Madonne rinascimentali, matrone della società, diva invecchiata e persino un cadavere.

Quando Sherman sta girando, è completamente da sola, in qualità di fotografa, modella, truccatrice, parrucchiera e cliente.,

Eliot Porter

“Le fotografie sono credute più delle parole; quindi possono essere usate in modo persuasivo per mostrare a persone che non si sono mai prese la briga di guardare ciò che c’è.”

—Eliot Porter—

Eliot Furness Porter è nato nel 1901 nel sobborgo di Chicago di Winnetka, Illinois. Era un fotografo americano noto per le sue immagini a colori dettagliate e squisite di uccelli e paesaggi ed è uno dei rari fotografi che hanno imparato sia la fotografia in bianco e nero che a colori.,

Si formò come ingegnere all’Harvard College e come medico alla Harvard Medical School, e insegnò biochimica ad Harvard fino al 1939 quando abbandonò la medicina per iniziare a usare la fotografia per studiare i misteri più profondi della vita all’aria aperta.

Ha esplorato nuovi modi di presentare il mondo naturale e i suoi contributi artistici e tecnici alla fotografia di uccelli e paesaggi hanno trasformato questi generi.

Ha imparato ciò che è noto tecnicamente come il processo di trasferimento della tintura, permettendogli di realizzare stampe ingrandite a colori brillanti da pellicole a colori esposte all’interno della sua macchina fotografica.,

Imogen Cunningham

“Quale delle fotografie è la mia preferita? Quella che prendero ‘ domani.”

—Imogen Cunningham—

Cunningham nacque nel 1883 a Portland, Oregon. Come molti fotografi famosi, il suo fascino per la forma d’arte è iniziato presto e ha comprato la sua prima macchina fotografica quando aveva 18 anni.,

Cunningham non era solo interessato alla fotografia come forma d’arte, voleva conoscere la chimica della fotografia, ed è stato dedicato ad acquisire una piena comprensione della scienza dietro la sua arte.

A questo punto, aveva già espresso un interesse nel fotografare le persone. In effetti, durante tutta la carriera dell’artista, c’è una continua oscillazione tra il soggetto dei fiori e delle piante e quello delle persone.,

Cunningham è stata definita la “Nonna della fotografia” per il suo ruolo fondamentale nel divulgare il mezzo nei suoi primi anni e per aver spostato con successo la pratica nel regno delle belle arti.

Cunningham ha lavorato come fotografa quasi fino alla sua morte nel 1976. Aveva 93 anni quando e ‘ morta a San Francisco.

Frans Lanting

“Sta a noi fotografi dare voce al mondo naturale.,”

—Frans Lanting—

Frans Lanting, nato nel 1951, è stato salutato come uno dei grandi fotografi naturalistici del nostro tempo. È un mago che mescola luce artificiale e naturale e si fonde con la maestosità della natura. Ha documentato la fauna selvatica e il nostro rapporto con la natura in ambienti dall’Amazzonia all’Antartide.

Il suo lavoro influente appare in libri, e riviste, ed è stato commissionato dalla National Geographic Society, dove ha servito come fotografo-in-residence.,

È stato descritto come avere la mente di uno scienziato, il cuore di un cacciatore e gli occhi di un poeta. Lanting dice: “C’è un’interazione che continua tra gli animali e me. Se non capisci cosa stai fotografando, stai solo guardando la superficie delle cose.”

Paul Strand

“Se il fotografo non è uno scopritore, allora, non è un artista.”

—Paul Strand—

Paul Strand era un fotografo e un regista dagli Stati Uniti., Era nato nel 1890 a New York City. Ha iniziato a seguire corsi di fotografia a sedici anni. L’anno successivo ha dichiarato la sua intenzione di diventare ” un artista nella fotografia.”

Il punto di svolta nella vita di Strand è venuto quando ha scoperto le capacità di fondo delle fotocamere di grande formato che divenne noto come ” straight photography.”Le sue foto si sono spostate dalle scene soft-focus della scena moderna di New York per concentrarsi sulle espressioni dell’esistenza oggettiva.

L’occhio di Strand per le persone era notevole., I suoi intimi ritratti di strada, che ha scattato con un obiettivo nascosto, sono rinomati per ritrarre l’alienazione della vita moderna.

Nel corso della sua carriera, si è dimostrato non solo un incredibile ritratto, natura morta e fotografo astratto, ma anche un pioniere nello sviluppo di libri di fotografia.

Questo pioniere nato a New York ha contribuito a forgiare il percorso della fotografia dal documentario all’arte, e ha vagato per il pianeta nella sua ricerca per capire luoghi e culture.

Strand morì nel 1976 all’età di 85 anni.,

Don McCullin

“La fotografia per me non è guardare, è sentire. Se non riesci a sentire quello che stai guardando, allora non riuscirai mai a far sentire agli altri qualcosa quando guardano le tue foto.”

—Don McCullin—

Sir Donald McCullin è un fotoreporter britannico, riconosciuto per la sua fotografia di guerra e immagini di conflitti urbani. Egli esamina la parte inferiore della società, raffigurante la sofferenza dei poveri, gli oppressi, e le persone svantaggiate.,

McCullin è stato gravemente ferito in Cambogia, imprigionato in Uganda e aveva una taglia sulla sua testa in Libano. Questo fotografo di guerra ha sfidato proiettili e bombe, non solo per ottenere il colpo perfetto, ma per aiutare i soldati morenti e civili feriti.

Sally Mann

“l’Arte è raramente il risultato di un vero e proprio genio; piuttosto, è il prodotto di un duro lavoro e le abilità apprese e tenacemente praticata da persone normali.,”

—Sally Mann—

Sally Mann è nata nel 1951, a Lexington, Virginia. Nel 1983, utilizzando la sua centenaria macchina fotografica 8 × 10 pollici, ha girato immagini di grande formato, in bianco e nero di cui potenti immagini dell’infanzia, della sessualità e della morte erano spesso considerate controverse.

È stata acclamata per le sue tecniche minuziose, che prevedono di disegnare mentalmente ogni fotografia, scartando dozzine di scatti prima di lavorare estesamente nella camera oscura per ottenere l’effetto desiderato.,

Nel 1990, Sally Mann trasformò l’album di foto di famiglia sentimentale in alcune opere d’arte sconcertanti, divisive e in ultima analisi indimenticabili. Per la sua serie chiamata “Famiglia immediata”, ha sparato ai suoi tre figli in posizioni vulnerabili.

Crede che la censura delle sue fotografie di famiglia abbia provocato molte persone perché illuminavano luoghi che la maggior parte di noi preferisce mantenere comodamente fioca.,

A metà degli anni 1990, Mann ha iniziato a fotografare paesaggi su wet plate collodion 8×10 pollici negativi in vetro e utilizzato la stessa 100-year-old 8×10 formato bellows view camera che aveva usato per tutti i precedenti corpi di lavoro.

Nel 2018, Sally Mann ha esposto 115 fotografie di studi di figure, paesaggi e vedute architettoniche che esplorano i temi della memoria, del desiderio, della morte e dei legami della famiglia, tutte girate nel Sud americano.,

Michael Kenna

“Niente è sempre lo stesso due volte perché tutto è sempre andato per sempre, eppure ogni momento ha infinite possibilità fotografiche.”

—Michael Kenna-

Michael Kenna (British, n. 1953) è un fotografo nato a Widnes, in Inghilterra, ed è meglio conosciuto per le sue fotografie di paesaggi in bianco e nero che sono stati descritti come, “isole di serenità e tranquillità in un mondo rumoroso e caotico.,”

Kenna spesso scatta fotografie all’alba o vicino al tramonto, ed è stato citato come dicendo: “Non puoi sempre vedere ciò che è altrimenti evidente durante il giorno . . . con lunghe esposizioni, è possibile fotografare ciò che l’occhio umano è incapace di vedere.”

Kenna ha costruito un corpo di lavoro che si concentra sulla rappresentazione di un paesaggio privo di figure umane; eppure l’impronta di una presenza umana è lì in modo strano, spettrale . . . nelle tracce gli esseri umani lasciano alle spalle.,

Ha anche svolto una notevole quantità di lavoro commerciale per aziende come Audi, Rolls Royce, Volvo, Sprint, l’Ente turistico spagnolo e Dom Perignon.

Kenna è uno di quegli artisti che è affascinato e appassionato dall’alchimia della stampa. Per lui, un lavoro non si ferma a scattare una fotografia ma si estende alla perfetta corrispondenza tra l’immagine e la stampa.,

Peter Lindbergh

“Sebbene gli umani vedano la realtà a colori, per me il bianco e nero è sempre stato collegato alla verità più profonda dell’immagine, al suo significato più nascosto.”

—Peter Lindbergh—

Peter Lindbergh, nato nel 1944, è stato uno dei più influenti fotografi di moda e ritrattisti tedeschi dell’era moderna., Ha aperto la strada a un naturale, casuale, realistico, look unretouched che nettamente contrastato l ” artificiale, pesantemente truccato, e aerografato styling prevalente in riviste patinate per gran parte del 20 ° secolo.

Un fotografo iconico dei primi anni ‘ 90 per la rivista Vogue, mentre scattava immagini di Linda Evangelista, Cindy Crawford, Naomi Campbell e Christy Turlington, ha inaugurato la nuova era per la fotografia di moda e ha dato il via all’intero fenomeno delle top model. Utilizzando la fotografia in bianco e nero è stata la chiave per creare la top model.,

La fotografia di Peter Lindbergh va oltre il suo lavoro di moda e ritratto, è stato anche un fotografo pubblicitario di successo, e quando ha scattato il calendario Pirelli 2017, ha scattato 37.000 immagini di 15 soggetti in sette giorni, tra Berlino, New York, Los Angeles e Londra.

Lindbergh è morto inaspettatamente il 4 settembre 2019, all’età di 74 anni, dopo decenni di capovolgimento del panorama della moda e della definizione di bellezza con la sua macchina fotografica.,

Sebastião Salgado

“Non credo che una persona abbia uno stile. Ciò che le persone hanno è un modo di fotografare ciò che è dentro di loro. In una frazione di secondo quando si blocca la realtà, ciò che è dentro sta venendo fuori.”

—Sebastião Salgado—

Sebastião Ribeiro Salgado è un fotoreporter e documentarista brasiliano il cui lavoro esprime con forza la sofferenza dei senzatetto e degli oppressi.,

Ha iniziato come economista e poi si è rivolto alla fotografia quando ha capito che la fotografia aveva più potere dei giornali per informare le persone sul mondo. Scoprì che la fotografia era un linguaggio incredibile che non aveva bisogno di alcuna traduzione perché la fotografia poteva essere letta in qualsiasi lingua.

Crede che l’ideologia o lo “stile” che hai in fotografia dovrebbe riguardare meno la fotocamera con cui scatti, il soggetto che fotografi o se i tuoi scatti sono in bianco e nero.

Sebastião Salgado, che ha 76 anni, ha recentemente scritto una lettera in Brasile., Ha esortato il paese a salvare le tribù amazzoniche dal Covid-19. Li avvertì che il virus poteva decimare queste popolazioni indigene.

Conclusione

La nostra lista di fotografi famosi potrebbe certamente includere più nomi – non è stato facile sceglierli, ma abbiamo cercato di includere quelli con un corpo di lavoro davvero maestoso. Se ci sono altri nomi importanti che pensi che dovremmo menzionare in questa lista di fotografi famosi, faccelo sapere nei commenti qui sotto.,

Ulteriori letture:

• Questo è ciò che questi famosi fotografi in realtà significava con queste citazioni
• 7 Famosi fotografi di ritratti che dovresti conoscere
• Una storia della fotografia e come ha plasmato il mondo
• 12 Momenti estremamente importanti nella storia della fotografia