La testa di Oloferne è capovolta. il suo volto si contorce in agonia. Judith spinge il ginocchio nella sua gabbia toracica mentre combatte selvaggiamente, spingendo il pugno contro lo sterno della sua serva. Mentre Giuditta taglia il collo di Oloferne, il sangue gli sgorga dalla gola e corre sulle lenzuola di lino bianco.,
Quasi 400 anni dopo, anche i cittadini stanchi del mondo moderno sono sorpresi da questa immagine—un dipinto del momento chiave della storia di Giuditta, la vedova ebrea che salva la città di Betulia dall’attaccare gli assiri uccidendo il loro comandante. Per i mecenati italiani dell’inizio del 17 ° secolo, con il loro gusto per l’immaginario drammatico, persino violento, il genere e la notorietà dell’artista hanno solo aumentato l’effetto del dipinto., Offuscata dallo scandalo e ostacolata da una società che prevedeva che le donne fossero monache o mogli, Artemisia Gentileschi divenne tuttavia la pittrice femminile più compiuta del suo tempo. Era, secondo l’iscrizione sull’incisione dell’artista Jerome David di lei, “Un miracolo nella pittura, più facilmente invidiato che imitato.”
In questi giorni, dopo secoli di abbandono, Artemisia è ovunque. Il New York Times l’ha chiamata “la ragazza’ it’ di questa stagione.,”Un nuovo romanzo popolare, La passione di Artemisia di Susan Vreeland, è stato pubblicato a gennaio, e il mese successivo, Lapis Blue Blood Red, una commedia su di lei, ha aperto off-Broadway. (Diversi libri accademici, un catalogo raisonne e altri due romanzi sono stati scritti anche dieci su di lei, e una delle sue opere anche figurato nella trama della serie Capolavoro Teatro Painted Lady interpretato da Helen Mirren. Nel 1997, è stata il soggetto di un film francese, Artemisia.,) Soprattutto, una mostra delle sue opere-e quelle del suo ancora una volta celebrato padre, Orazio—al Metropolitan Museum of Art di New York ha fatto molto per consolidare la sua reputazione di artista dinamica e originale, una delle pochissime pittrici del suo tempo abbastanza audaci da affrontare temi storici e allegorici.
“Orazio e Artemisia Gentileschi: Padre e figlia pittori in barocco Italia” dispone di 51 dipinti di Orazio e 35 di Artemisia., In mostra fino al 12 maggio al Met prima di trasferirsi al Saint LouisArt Museum (dal 14 giugno al 15 settembre), questa prima retrospettiva delle opere del padre e della figlia mette in evidenza le loro risposte divergenti alle influenze barocche.
Sebbene nel caso di Artemisia il riconoscimento sia atteso da tempo, la volitiva auto-promotrice ha avuto un notevole successo nella sua vita. Pittrice di duchi, principi, cardinali e re, fu la prima donna ammessa alla prestigiosa Accademia del Disegno., ” Mi sono vista onorata da tutti i re e governanti d’Europa ai quali ho inviato le mie opere, non solo con grandi doni, ma anche con le lettere più favorite, che conservo con me”, scrisse al suo amico l’astronomo Galileo nel 1635. Ma i suoi successi artistici hanno dovuto competere con un evento reale. All’età di 17 anni, fu violentata da un collega di suo padre. Il processo successivo, e la trascrizione di 300 pagine che è sopravvissuto, hanno plasmato la valutazione della storia dell’artista.,
Orazio Gentileschi fu uno dei primi pittori a rispondere ad una nuova estetica che scoppiò a Roma nel 1600, la settima estate di Artemisia. L’inaugurazione di un’unica commissione—le due opere di Caravaggio sulla vita di San Matteo—ha introdotto elementi chiave di un nuovo canone, chiamato in seguito Barocco. Fino a quell’estate, Orazio aveva sostenuto se stesso, la moglie e i quattro figli eseguendo commissioni piuttosto blande per varie pale d’altare e cappelle a Roma., Ma folgorato dalla visione di Caravaggio, Orazio, 37 anni, ha abbracciato con entusiasmo le narrazioni drammatiche dell’artista più giovane, i giochi dinamici di luci e ombre, le composizioni energiche e i primi piani della realtà, come la groppa di un cavallo o un cadavere in decomposizione. Caravaggio scandalizzò il mondo dell’arte dipingendo direttamente, in modo unidealizzato, da modelle dal vivo, alcune delle quali, si diceva, erano prostitute; i rivali sostenevano persino di aver usato il corpo di una donna annegata come modello per la sua Madre di Cristo irrigidita e scalza sul letto di morte.,
Orazio fece amicizia con Caravaggio e fece il giro con lui di taverne economiche. Ma forse a causa della testa calda dell’uomo più giovane e del “temperamento selvaggio” di Orazio, come lo definiva un contemporaneo, l’amicizia fu di breve durata. L’influenza di Caravaggio, tuttavia, non lo era. Per la magnifica Madonna col Bambino di Orazio (1609), disegnò come modelli una vicina della parrocchia di Santa Maria del Popolo, dove viveva all’epoca, e il suo bambino., La sua raffigurazione naturalistica della Madonna, senza aureola o gioielli, teneramente infermieristica, riflette l’influenza di Caravaggio e suggerisce un lato più morbido al personaggio di Orazio.
Artemisia aveva 12 anni nel 1605, anno in cui sua madre, Prudentia Montoni, morì di parto. Orazio inizialmente non nutriva ambizioni artistiche per la sua unica figlia—immaginando invece una vita da suora per lei. Ma l’ambizione e il talento di Artemisia si affermarono presto. All’età di 15 anni, sotto la tutela del padre, aveva iniziato ad assimilare i metodi di Caravaggio., Per il suo primo dipinto conosciuto, Susanna e gli anziani (1610), probabilmente ha usato un modello dal vivo, forse lei stessa riflessa in uno specchio. Rendendo una scena dalla storia biblica di Susanna, in cui due anziani bramano una giovane matrona, Artemisia raffigurava una donna nuda voluttuosa contorta in una posizione difensiva dalle avances di due lasceri cospiratori. L’opera si sarebbe rivelata fin troppo profetica.,
Sebbene Orazio mantenesse la figlia confinata nella sua casa, secondo l’usanza tra rispettabili romani del tempo, il domicilio Gentileschi funzionava anche come suo studio, con il suo costante traffico di modelle, colleghi e mecenati. La vicinanza agli uomini ha alimentato voci che hanno rovinato la reputazione della giovane Artemisia. Il 6 maggio 1611, i pettegolezzi si trasformarono in un vero danno. Dopo aver affidato la supervisione della figlia di 17 anni a un amico di famiglia, Orazio era lontano da casa quando il suo socio in affari, e collega pittore, Agostino Tassi entrò in casa e violentò Artemisia.,
A quel tempo, lo stupro era visto più come un crimine contro l’onore di una famiglia che come una violazione di una donna. Così, solo quando il Tassi sposato rinnegò la sua promessa di sposare Artemisia Orazio portò accuse contro di lui. Nel successivo processo di otto mesi, Artemisia testimoniò che stava dipingendo quando Tassi entrò nella stanza gridando: “Non tanto pittura, non tanto pittura.”Poi afferrò la tavolozza e i pennelli dalle sue mani e li gettò a terra. Ha combattuto e graffiato senza alcun risultato, infine attaccandolo con un coltello., Per stabilire la sua veridicità, le autorità hanno somministrato un primitivo test della macchina della verità – sotto forma di tortura con viti a testa zigrinata, una pratica comune all’epoca. Mentre le si stringevano le corde intorno alle dita, si diceva che avesse gridato a Tassi: “Questo è l’anello che mi dai, e queste sono le tue promesse.”
Deve aver superato il test; Tassi è stato condannato e condannato a un esilio di cinque anni da Roma (una punizione apparentemente mai applicata)., Per allontanare Artemisia da Roma e lo scandalo che ne derivava, Orazio le fece sposare un pittore fiorentino minore di nome Pierantonio Stiattesi. Poco dopo il matrimonio, gli sposi partirono per Firenze, dove Orazio aveva chiesto il patrocinio per sua figlia dalla granduchessa di Toscana. “diventa così abile che posso azzardarmi a dire che oggi non ha pari”, si era vantato con la duchessa. “In effetti, ha prodotto opere che dimostrano un livello di comprensione che forse anche i principali maestri della professione non hanno raggiunto.,”
Il lavoro di Artemisia a Firenze, dove perfezionò il suo senso del colore in autoritratti e dipinti come la Conversione abbagliante della Maddalena, segnerà il primo passo nel suo percorso verso la notorietà artistica. Quando lasciò Firenze nel 1620 o nel 1621, ancora alla fine degli anni’ 20, aveva dipinto almeno sette opere per l’influente Granduca Cosimo II de ‘ Medici e la sua famiglia. Ma come lei gli scrisse, “i problemi a casa e con la mia famiglia”,—la perdita di tre figli e l’apparente infedeltà del marito e le spese stravaganti-avevano preso il loro pedaggio.,
Desiderosa di un nuovo inizio, si trasferì a Roma e prese una casa in via del Corso con il marito e la figlia Prudentia (l’unica dei loro quattro figli a sopravvivere). Le difficoltà finanziarie e la gelosia del marito, tuttavia, continuarono a erodere il suo matrimonio. Una notte del 1622, dopo aver trovato un gruppo di spagnoli sulla sua porta di casa serenata sua moglie, Pierantonio avrebbe tagliato uno di loro in faccia. In seguito ha camminato su Artemisia e Prudentia (che sarebbe diventato anche un artista).,
La madre single trovò le commissioni difficili da trovare (i gusti romani erano cambiati mentre Artemisia era a Firenze). Nel 1627, con la speranza di un nuovo mecenatismo, si trasferì a Venezia, dove ricevette una commissione da Filippo IV di Spagna per dipingere un pezzo di accompagnamento alla Scoperta di Achille di Peter Paul Rubens e Anthony van Dyck. Due anni dopo, fuggendo dalla peste del 1630 (che spazzò via un terzo della popolazione di Venezia), Artemisia passò a Napoli, allora sotto il dominio spagnolo., Lì completò la prima pala d’altare della sua carriera e una commissione pubblica per una grande chiesa —onori che le erano sfuggiti forse a causa del suo genere. Nel corso degli anni, Artemisia si lamentava ripetutamente delle insidie di competere in un dominio esclusivamente maschile. ” Ti dispiace per me perché il nome di una donna solleva dubbi finché non si vede il suo lavoro”, scrive al suo ultimo grande mecenate, Don Antonio Ruffo, irritato dal dover contrattare sui prezzi e difendere costantemente il valore e l’originalità della sua arte. ” Se fossi un uomo”, dichiarò, ” Non posso immaginare che sarebbe andata così.,”
Orazio era rimasto a Roma quando Artemisia era partita per Firenze e si era guadagnato la reputazione di uno dei migliori pittori di quella città, vincendo commissioni per importanti pale d’altare e guadagnandosi il patrocinio della ricca famiglia Savelli. Nel 1621, su invito del nobile genovese Giovan Antonio Sauli, si trasferì a Genova, dove intraprese la fase più significativa della sua carriera, dipingendo una serie di composizioni sensuali per Sauli: una Maddalena penitente, una Danaë e il multifigurato Lot e le sue figlie., Fu qui che dipinse anche la sua magistrale Annunciazione. ” Queste sono splendide opere d’arte”, dice Judith Mann, curatrice della prima arte europea al Saint LouisArt Museum e cocurator della mostra in corso. “Ti fanno sussultare mentre entri nella stanza.”
Nell’Annunciazione di Orazio, una raffigurazione dell’angelo Gabriele inginocchiato davanti alla Vergine Maria, un’opulenta tenda rossa, lenzuola bianche croccanti e la delicata sciarpa dorata della Vergine catturano la luce. La disposizione formale delle figure di Orazio infonde al dipinto una solennità devozionale., Il dipinto suggerisce la divergenza stilistica tra padre e figlia dopo ogni sinistra Roma. Orazio ha temperato il dramma che ha imparato da Caravaggio con il suo senso di raffinatezza. Le sue composizioni più formali enfatizzano il colore e un’accurata resa di superficie e texture piuttosto che gesti drammatici. Artemisia ha creato un senso di immediatezza e ha usato dettagli rivelatori—come l’elegante braccialetto che circonda il braccio omicida di Judith-come contrappunto alle sue raffigurazioni grafiche, aumentando così il dramma.,
In Artemisia circa 1625-1627 Judith e la sua serva, una versione meno macabra della morte di Oloferne spesso citato come un caso di studio di alto barocco, Judith e il suo servo pausa, sembra sentire un rumore fuori tenda Oloferne’. L’interno ombroso è teatralmente illuminato da una singola candela. La mano di Judith protegge il suo viso dal bagliore, attirando l’attenzione sul guanto di ferro scartato di Oloferne. L’occhio dello spettatore viaggia verso l’oggetto nelle mani della serva: la testa mozzata di Oloferne.,
“I dipinti di ciò che non puoi vedere, ciò che non puoi sentire, abbondano nell’arte del 17 ° secolo”, afferma Keith Christiansen, curatore di dipinti italiani al Met e cocuratore della mostra. In un dipinto dello stesso tema fatto 20 anni prima, Orazio ha preso una virata diversa. Nella sua versione, le donne anche guardare fuori scena, ma il loro linguaggio del corpo è più stilizzato. Le pieghe dei loro abiti corrispondono, così come i loro profili, come se i due assassini fossero in una danza. “Artemisia prende spesso la strada di George Lucas, puntando all’effetto teatrale”, dice Christiansen., “Vuole che tu sia completamente respinto. Orazio comunica questo momento psicologico in modo formale, rendendo bella anche la brutta testa. Lui favorisce il tessuto; lei favorisce il sangue. E ‘ la scarpa morbida del suo stiletto.”
Dato il trauma iniziale di Artemisia, molti spettatori moderni vedono opere come Giuditta e la sua serva e, in particolare, Giuditta che uccide Oloferne, come pittura di vendetta. Ma gli studiosi non sono d’accordo sul significato dello stupro nel suo lavoro., Ricchi mecenati con un gusto per la violenza e l’erotismo possono aver avuto tanto a che fare con la sua materia come ricordi dolorosi (e Judith era un soggetto popolare con artisti maschi anche). Inoltre, come osserva Mann, meno di un quarto dei dipinti noti di Artemisia presentano donne vendicative. ” Non diamo ad Artemisia il suo dovuto se la vediamo in quel solco”, dice Mann. “Probabilmente ci manca molto a causa di questa aspettativa.”Mancano anche, ahimè, la maggior parte dei dipinti su cui è stata costruita la sua reputazione di ritrattista., Rimangono solo il Ritratto di un Gonfaloniere (magistrato civico) e alcuni autoritratti, come La Pittura. Nell’autoritratto come suonatrice di liuto, probabilmente dipinto mentre Artemisia era a Firenze, l’artista, dall’aspetto serenamente bello, si ritrae come musicista in elegante abito fiorentino.
quando Orazio compie 60 anni, il successo a Genova lo spinge a commercializzare le sue doti a Maria de’ Medici, regina madre di Francia e membro della più prestigiosa famiglia toscana., Fu su sua richiesta che si trasferì a Parigi nel 1624, dove eseguì dipinti per il suo Palais du Luxembourg. Il legame di Orazio con la regina madre pagò altri dividendi. Non molto tempo dopo che sua figlia Henrietta Maria sposò Carlo I d’Inghilterra, Orazio fu reclutato dal duca di Buckingham, che aveva incontrato al matrimonio, per venire alla corte del re inglese.
Il 62enne Orazio è stato installato in spaziosi quartieri londinesi, con generose spese di soggiorno e invitato a cene con i reali., Come l’unico pittore italiano e uno dei pochi artisti cattolici a Londra, ha trovato la sua strada nella cerchia della regina cattolica Henrietta Maria. Ben presto lo fece lavorare al progetto più ampio della sua carriera—il soffitto della sua casa a Greenwich—una rappresentazione di nove tele di figure allegoriche.
Nel 1638 o 1639, dopo aver evitato una convocazione di quattro anni da Carlo I e una supplica da suo padre, Artemisia si trasferì finalmente a Londra., I suoi tentativi di assicurarsi il lavoro da potenti connessioni in Italia erano falliti, e nonostante la spiacevole prospettiva di lavorare per un re protestante e la fatica del viaggio, aveva bisogno di soldi male.
I dettagli di ogni riunione con suo padre—sarebbero passati almeno 17 anni da quando si erano visti—sono persi. Nel febbraio 1639, Orazio morì all’età di 75 anni, dopo 13 anni di servizio alla corte di Carlo I, che lo onorò con un sontuoso funerale.,
Artemisia rimase a Londra per due anni, fino a quando le assicurazioni del lavoro la riportarono intorno al 1641 a Napoli, dove visse fino alla sua morte nel 1652 o ’53, producendo opere come Galatea e Diana al suo bagno per Don Antonio Ruffo. Quando le offrì meno del prezzo pattuito per la Diana, Artemisia si infuriò: “Penso che la tua più illustre Signoria non subirà alcuna perdita con me”, scrisse nel 1649, ” e che troverai lo spirito di Cesare in quest’anima di donna.,”
Nel 1653, poco dopo la morte di Artemisia, due noti poeti, Pietro Michiele e Gianfrancesco Loredan, quest’ultimo che le aveva scritto lettere d’amore, collaborarono alla pubblicazione di una poesia scritta con la sua voce: “Dipingendo i ritratti di questa e di quella, / acquisii infiniti meriti nel mondo. Nell’intagliare le corna che ho dato a mio marito, ho abbandonato il pennello e ho preso lo scalpello.,”
Anche se forse i sentimenti di un corteggiatore rifiutato, le linee catturano giustamente il dilemma storico di Artemisia: per secoli il suo talento è stato oscurato dalle voci e dallo scandalo che circondano la sua vita personale. Ora, lei sta ottenendo il riconoscimento che sentiva che meritava. ” Le opere”, dichiarò una volta, ” parleranno da sole.”