Origini
Apollodoros e Skiagraphia
le Tendenze portano allo sviluppo di chiaroscuro iniziato nella Grecia classica, dove l’artista Apollodoros stato soprannominato Apollodoros Skiagraphos, o “ombra pittore.”Ciò era dovuto alla sua invenzione della skiagraphia, o “pittura delle ombre”, una tecnica che utilizzava tratteggio incrociato e gradazioni di tono., Sfortunatamente, come nel caso della maggior parte della pittura greca classica, il suo lavoro non è sopravvissuto, ma la tecnica è stata ampiamente adottata ad Atene. Sopravvivere in un più rudimentale forma durante il periodo Bizantino, skiagraphia è stato ulteriormente sviluppato con l’uso di incidendo e martizando, descritto dallo storico dell’arte Janis C. Bell, “sovrapposizioni di colore bianco, marrone o nero in modelli lineari su un colore uniforme,” nel tardo Medioevo in Europa. La tecnica è stata spesso impiegata in manoscritti miniati.,
Il Rinascimento
Sottolineando la rinascita dell’antichità classica, gli artisti rinascimentali hanno riscoperto e sviluppato tecniche che hanno permesso di creare figure naturalistiche ma idealizzate che abitano uno spazio tridimensionale convincente. Il Denaro del tributo di Masaccio (1420) fu un primo esempio di utilizzo del chiaroscuro per creare figure volumetriche, illuminate da un’unica fonte luminosa esterna al piano pittorico., Tuttavia, rimase a Leonardo da Vinci di sviluppare pienamente la tecnica, come si vede nella sua Adorazione dei Magi (1481) e La Vergine delle Rocce (1483-86). Le sue figure e i suoi ritratti, che sembravano fluidi e vivi di luci e ombre, influenzarono gli artisti successivi e informarono anche il successivo sviluppo della xilografia in chiaroscuro. Anche gli artisti del Rinascimento nordeuropeo adottarono la tecnica, in particolare per l’arte religiosa, in parte a causa dell’influenza di Santa Brigida di Svezia del xiv secolo., La sua famosa visione della Natività di Gesù descriveva il Cristo Bambino, appoggiato a terra, il suo corpo che emetteva luce, mentre una bionda Vergine Maria, assistita da Giuseppe, si inginocchiava per pregarlo. La visione divenne il modello per il soggetto popolare, chiamato anche l’Adorazione del Bambino.,
Arte Barocca
Mentre l’arte Barocca si allontanavano dalle composizioni asimmetriche e extenuated, a volte esagerati, la figurazione del Manierismo ai principi classici del Rinascimento, sottolineando anatomicamente corretta figurazione e convincente spazio tridimensionale, lo ha fatto per sottolineare scene drammatiche, quasi teatrale impostazioni e intensa espressione individualistica., Piuttosto che le sottili transizioni di colore e luce di Leonardo, Caravaggio ha portato avanti il chiaroscuro sviluppando il tenebrismo, usando i contrasti, come un gesto o una figura era intensamente illuminata come da un riflettore in un ambiente buio. Nell’arte religiosa, come si vede nella sua innovativa triade di quadri, raffiguranti la chiamata e il martirio di San Matteo per la Cappella Contarelli a Roma, la tecnica rendeva visivamente chiari i momenti in cui la realtà ordinaria veniva interrotta dall’illuminazione del divino., Nell’arte profana, come si vede nel suo Davide con la Testa di Golia (1610), la tecnica poteva trasmettere una profonda e spesso tragica complessità psicologica. Caravaggio era conosciuto come “l’artista più famoso di Roma”, e il suo uso del chiaroscuro influenzò così gli artisti di tutta Europa che, successivamente, il termine è stato spesso usato come sinonimo con l’epoca., Tuttavia, molti maestri barocchi non solo impiegarono la tecnica, ma la trovarono un elemento essenziale nella creazione di uno stile individuale distintivo, sia che si trattasse della luce dorata di Rembrandt in Bathsheba at Her Bath (1654), della delizia di Peter Paul Rubens per il colore e la sensualità nello sbarco di Maria de Medici a Marsiglia (1621-1625), o di Velázquez dove ombre e luce diventano il mistero della percezione stessa come in Las Meninas (1656).,
Concetti e tendenze
Disegno in chiaroscuro e xilografie
Nel Rinascimento, gli artisti svilupparono il disegno in chiaroscuro, aggiungendo il bianco per gli effetti di luce e il nero per gli effetti scuri. Molte di queste opere, insieme a dipinti rinascimentali e disegni di lavaggio, erano richieste come riproduzioni e, nel 1508, l’artista tedesco Hans Burgkmair inventò stampe in chiaroscuro xilografia., Ha prima stampato con un blocco di linea, inchiostrato in nero, per le linee di contorno e il crosshatching, e poi ha usato blocchi aggiuntivi, inchiostrati in variazioni tonali, per creare ombreggiature. Tagliando parte del blocco e lasciando un’area non stampata, gli artisti hanno creato punti salienti nelle stampe monocromatiche, che utilizzavano principalmente marrone, nero, grigio o verde. Lucas Cranach il Vecchio, Niccolò Vicentino, Nicolò Boldrini e Andrea Andreani furono solo alcuni degli artisti che adottarono la tecnica, che coinvolse anche Raffaello, Parmigianino e Tiziano. Le innovazioni spesso seguivano., Ugo da Carpi, è diventato il primo artista italiano ad adottare la tecnica intorno al 1516, e di artisti italiani in genere stampati con una serie di tono blocchi, sottolineando le transizioni di colore e lasciando fuori la linea del blocco nero contorni favorito dagli Europei del Nord
Sfumato
Per mostrare gli effetti della luce su superfici curve e potenziare gli effetti di chiaroscuro, Leonardo da Vinci perfezionato la tecnica dello sfumato, che ha descritto come “senza linee o bordi, alla maniera di fumo o al di là del piano di messa a fuoco.,”Che significa” svanire come il fumo”, sfumato ha comportato l’applicazione di più sottili strati di smalto per creare transizioni e gradazioni tonali morbide tra luce e ombra e ha aggiunto sottili transizioni al chiaroscuro. Più tardi, Giorgio Vasari accreditò la sua invenzione a Jan van Eyck e Roger van der Weyden, due europei del Nord del primo Rinascimento, ma era già identificato con da Vinci, che padroneggiò la tecnica nella sua Vergine delle Rocce (1483-1486) e La Gioconda (1503-1506)., La tecnica richiedeva una notevole esperienza, poiché gli scienziati moderni hanno discernuto che gli smalti dell’artista erano a volte solo un micron di profondità, e fatti di bianco di piombo a cui era stato aggiunto l’uno per cento di vermiglio.
Altri artisti adottarono la tecnica, tra cui Raffaello, Correggio, Fra Bartolommeo e Giorgione, e influenzò anche i “Leonardeschi”, il nome dato al gran numero di artisti che si associarono a Leonardo o lavorarono nel suo studio. Innovazione seguita, come Raffaello ha sviluppato ciò che la storica dell ” arte contemporanea Marcia B., Sala definita unione. Cercando di combinare le qualità tonali e le ombre morbide di sfumato con la sua tavolozza di colori brillanti, ha usato graduali cambiamenti di colore per creare bordi miscelati, come si vede nella sua Alba Madonna (c. 1510) celebrata per il suo colore vibrante e l’unità fluente.
Tenebrism
Tenebrism, derivato dal tenebroso, una parola italiana che significa “scuro, tenebroso, cupo,” usato drammatici contrasti tra luce e buio, come dipinti con aree nere e profonde ombre sarebbero intensamente illuminato, spesso da una singola fonte di luce., Mentre il tenebrismo si è sviluppato dal chiaroscuro, a differenza di quella tecnica, non ha cercato una maggiore tridimensionalità, ma è stato compositivo, usando l’oscurità profonda come una sorta di spazio negativo, mentre la luce intensa in altre aree ha creato quella che è stata chiamata “illuminazione drammatica.”
Sebbene l’artista rinascimentale Albrecht Dürer e i manieristi Tintoretto ed El Greco usassero la tecnica in precedenza, il tenebrismo è solitamente identificato con Caravaggio, che non solo padroneggiava la tecnica ma faceva del suo effetto” spotlight ” una caratteristica distintiva del suo lavoro. A causa di opere come il Martirio di S., Matteo (1600) egli divenne ampiamente influente, tanto che tenebristi, gruppi di artisti che impiegano la tecnica come la scuola di Utrecht, sono stati trovati in tutto il Nord Europa, Italia, e Spagna. Il termine tenebrismo è stato spesso applicato alle opere di Jusepe de Ribera, Francisco Ribalta, e altri artisti spagnoli del 17 ° secolo. Allo stesso tempo, è stato associato con il 17 ° secolo “tradizione a lume di candela,” un termine che descrive scene notturne illuminate da una sola candela, come si vede in alcune opere di Gerrit van Honthorst, Rembrandt, e Georges de La Tour.,
Sviluppi successivi
Seguendo il periodo barocco, il chiaroscuro fu una tecnica consolidata, impiegata da vari artisti nei secoli successivi. I principali artisti rococò Fragonard, Watteau, e Joseph Wright of Derby, impiegato chiaroscuro nel trasmettere momenti di intimità privata e fantasticheria. Nel periodo romantico, Géricault lo impiegò per trasmettere la tragedia della zattera della Medusa, mentre Henry Fusilli dipinse l’incubo inquietante e Il terzo maggio di Francisco Goya raffigurò l’oscurità del terrore politico., La tecnica potrebbe essere rivolta a scopi diversi che lo hanno reso uno strumento importante per creare uno stile individuale nell’era moderna.
Nel xx secolo, la fotografia e il cinema si sforzarono anche per gli effetti chiaroscurali. I fotografi modernisti, tra cui Ansel Adams, Edward Weston e W. Eugene Smith, usavano spesso il chiaroscuro, poiché il contrasto tra luce e ombra enfatizzava le qualità formali dell’immagine. Altri fotografi che hanno utilizzato la tecnica includono Joseph Koudelka, Lothar Wolleh, Annie Leibovitz, Garry Winogrand e Ralph Gibson., La fotografia in studio utilizza spesso l’illuminazione di Rembrandt, una tecnica che, utilizzando una luce con un riflettore o due sorgenti luminose, ha lo scopo di creare gli effetti chiaroscurali dei ritratti dell’artista, tradotti in un mezzo moderno.
Nel film gli espressionisti tedeschi enfatizzarono il chiaroscuro, come si vede nel Gabinetto del dottor Caligari (1920) e Nosferatu (1922), così come Metropolis di Fritz Lang (1927).,
A Hollywood, il direttore della fotografia Gregg Toland ha usato per la prima volta il chiaroscuro in The Life and Death of 9413: a Hollywood Extra (1928) e le sue innovazioni negli anni ‘ 30 hanno influenzato il genere noir e lo hanno reso uno dei cameramen più ricercati. Ha lavorato con la maggior parte dei registi principali, ma è particolarmente noto per il suo lavoro su The Long Voyage Home di John Ford (1940) e Citizen Kane di Orson Welles. Creando composizioni a fuoco profondo, Toland ha usato l’ombra come un dispositivo drammatico e pittorico, definendo lo sfondo dal primo piano., Ha influenzato molti altri registi, tra cui Vittorio Storaro, Vilmos Zsigmond e László Kovács.
Altri registi hollywoodiani noti per il loro uso del chiaroscuro includono William Dieterle, come si vede nel suo Il gobbo di Notre Dame (1939) e Il diavolo e Daniel Webster (1941). La tecnica era ugualmente prevalente in Europa. Sven Nykvist, che ha lavorato a molti film di Ingmar Bergman, ha usato quello che è stato chiamato realismo chiaroscurale, e il regista russo Andre Tarkovsky ha usato il chiaroscuro nelle scene in bianco e nero che ha incluso in Stalker (1979).