Madame Lelica

a barokk korszakban a zene új fejleményei Olaszországból származtak, majd 20 évig tartott, mielőtt széles körben elfogadták őket a nyugati klasszikus zenei gyakorlatban. Például az olasz zeneszerzők 1730 körül váltottak a galant stílusra, míg a német zeneszerzők, mint például Johann Sebastian Bach, nagyrészt barokk stílusban folytatták az írást 1750-ig.,>1680-1700

Korai barokk zene (1580-1650)Edit

A Firenzei Camerata volt egy csoport, a humanisták, zenészek, költők, értelmiség, a késő Reneszánsz Firenze, aki összegyűjtött védnöksége alatt Gróf Giovanni de’ Bardi, hogy beszéljétek meg, majd útmutató trendek, a művészetek, különösen a zene, dráma., A zenére utalva eszméiket a klasszikus (különösen az ókori görög) zenei dráma felfogására alapozták, amely a diskurzust és a szónoklatot értékelte. Ennek megfelelően elutasították kortársaik polifónia (több, egymástól független dallamos vonal) és hangszeres zene használatát, és olyan ókori görög zenei eszközöket tárgyaltak, mint a monody, amely egy szólóéneklésből állt, amelyet egy kithara kísért (egy ősi strummed vonós hangszer). E gondolatok korai felismerései, köztük Jacopo Peri Dafne – ja és L ‘ Euridice-je, az opera kezdetét jelentették, amely a barokk zene katalizátora volt.,

ami a zeneelméletet illeti, a figurált basszus (más néven alapos basszus) szélesebb körű használata a harmónia fejlődő fontosságát képviseli, mint a polifónia lineáris alapját. A harmónia az ellenpont végeredménye, a figurális basszus pedig a zenei előadásban általánosan alkalmazott harmóniák vizuális ábrázolása. A figurált basszus, számok, véletlenek vagy szimbólumok kerültek a basszusvonal fölé, amelyet a billentyűs hangszeresek olvastak, mint például a csembaló játékosok vagy a pipe orgonisták (vagy lutenisták)., A számok, véletlenek vagy szimbólumok jelzik a billentyűzet játékosnak, hogy milyen időközönként kell lejátszani az egyes basszushangok felett. A billentyűzet lejátszó improvizálni egy akkord hangot minden basszus jegyzet. A zeneszerzők harmonikus progressziókkal kezdtek foglalkozni, és az instabil intervallumként érzékelt Tritont is alkalmazták disszonancia létrehozására(a domináns hetedik akkordban és a csökkent akkordban használták)., Érdeklődését a harmónia is létezett között bizonyos szerzők a Reneszánsz, nevezetesen Carlo Gesualdo; Azonban a használata harmónia irányul, tonalitás (a hangsúly zenei kulcsfontosságú lesz a “haza megjegyzés” egy darab), ahelyett, modalitás, jelek a shift a Reneszánsz, a Barokk. Ez azt a gondolatot eredményezte, hogy az akkordok bizonyos szekvenciái, nem csak jegyzetek, egy darab végén lezárhatják a lezárás érzését—az egyik alapvető ötlet, amely tonalitás néven vált ismertté.,

a kompozíció ezen új aspektusainak beépítésével Claudio Monteverdi elősegítette a reneszánsz zenei stílusról a barokk korszakra való áttérést. Két egyedi kompozíciós stílust fejlesztett ki: a reneszánsz polifónia örökségét (prima pratica) és a barokk új basso continuo technikáját (seconda pratica). A basso continuo-val a zenészek egy kis csoportja játszotta a basszusgitárt és az akkordokat, amelyek egy dallam kíséretét képezték., A basso continuo csoport általában egy vagy több billentyűzet, játékosok egy lant játékos, aki játszani a bassline, majd improvizálok az akkordokat, illetve több bass eszközök (pl., bass viol, cselló, nagybőgő), amely játszani a bassline. Többek között a L ‘Orfeo és a L’ incoronazione di Poppea operák írásával Monteverdi jelentős figyelmet fordított erre az új műfajra. Ezt a velencei stílust Heinrich Schütz hozta Németországba, akinek változatos stílusa a következő időszakra is fejlődött.

az idiomatikus hangszeres textúrák egyre hangsúlyosabbá váltak., Különösen a stílus luthé—a rendszertelen, kiszámíthatatlan, hogy szakít az akkord progresszió, ellentétben a hagyományos mintázat tört akkordok—említett mivel a 20. század elején, mint stílus brisé, jött létre, mint egységes szerkezetű, a francia zene: Robert Ballard, a lant könyvek 1611, majd 1614, valamint a Ennemond Gaultier., Ez az idiomatikus lantfigura később átkerült a csembalóra, például Louis Couperin és Jean-Henri D ‘ Anglebert billentyűs zenéjére, és a 18.és a 19. század elején (például Johann Sebastian Bach és Frédéric Chopin zenéjében) továbbra is jelentős hatást gyakorolt a billentyűzetzenére.

Középbarokk zene (1630-1700)Edit

a centralizált bíróság felemelkedése az egyik gazdasági és politikai jellemzője annak, amit gyakran az abszolutizmus korának neveznek, amelyet XIV., A palota stílusa, valamint az általa támogatott udvari modor-és művészeti rendszer Európa többi részének mintájává vált. A növekvő egyházi és állami mecenatúra valósága megteremtette a szervezett közzene iránti igényt, mivel a hangszerek egyre növekvő elérhetősége megteremtette a kamarazene iránti igényt, amely egy kis hangszerelő együttes zenéje.

az udvari stílus egyik kiemelkedő példája Jean-Baptiste Lully. A monarchiától szabadalmat vásárolt, hogy a francia király egyetlen operaszerzője legyen, és megakadályozza, hogy mások operákat rendezzenek., 15 lírai tragédiát fejezett be és befejezetlen Achille et Polyxène-t hagyott hátra. Lully volt egy korai példa a karmester; ő verte az időt egy nagy személyzet tartani a együttesek együtt.

zeneileg nem határozta meg az olasz operától örökölt zenekarok vonós-uralmi normáját, és a jellegzetes francia ötrészes (hegedű, hegedű-hautes—contre, tailles és quintes méretű-és basszusgitár) a balettben XIII., Ő azonban bemutatta ezt az együttest a lírai színháznak, a felső részeket gyakran felvevőkkel, fuvolákkal és oboákkal, a basszusgitárokat pedig basszusgitárokkal duplázta meg. A trombitákat és a kettledrumokat gyakran adták a hősies jelenetekhez.

A középső Barokk Olaszországban határozza meg, hogy kialakult az ének stílusok kantáta, oratórium, opera alatt a 1630s, valamint egy új fogalom, a dallam, a harmónia, hogy emelkedett az állapot, hogy a zene az egyik egyenlőség a szavakat, ami korábban volt tekinthető kiemelkedő., A Korai barokk virágos, koloratura monódiája egyszerűbb, csiszoltabb dallamstílust adott. Ezek a dallamok rövid, kadenciálisan körülhatárolt ötletekből épültek, amelyek gyakran a sarabande vagy a courante stilizált táncmintáin alapulnak. A harmóniák is egyszerűbbek lehetnek, mint a Korai barokk monódiában, hogy a húron, a crescendón és a diminuendón a hosszabb hangokon könnyebben jelenjenek meg., A kísérő basszusvonalak jobban integrálódtak a dallamhoz, ami ellentétes egyenértékűséget eredményezett azon részek számára, amelyek később az aria dallam kezdeti basszushangjának eszközéhez vezettek. Ez a harmonikus egyszerűsítés a recitatív (az opera beszédesebb része) és az aria (az operának az énekelt dallamokat használó része) differenciálódásának új formális eszközéhez is vezetett., Ennek a stílusnak a legfontosabb újítói Luigi Rossi és Giacomo Carissimi rómaiak voltak, akik elsősorban kantáták és oratóriumok zeneszerzői voltak, illetve a Velencei Francesco Cavalli, aki elsősorban operaszerző volt. A stílus későbbi fontos gyakorlói közé tartozik Antonio Cesti, Giovanni Legrenzi és Alessandro Stradella.,

Arcangelo Corelli emlékeznek, mint befolyásos az ő eredményeit a másik oldalon a zenei technika—mint egy hegedűs, aki szervezett hegedű technika, pedagógia—, valamint a tisztán hangszeres zene, különösen a támogatása, fejlesztése, a concerto grosso. Míg Lully az udvarban raboskodott, Corelli egyike volt az első zeneszerzőknek, akik széles körben publikáltak, és zenéjét egész Európában előadták., Lully stílusához és az opera szervezéséhez hasonlóan a concerto grosso is erős kontrasztokra épül-váltakoznak a teljes zenekar által játszott részek, valamint egy kisebb csoport által játszott részek. A dinamika “teraszos” volt,vagyis éles átmenet a hangosról a lágyra, majd vissza. A gyors szakaszokat és a lassú szakaszokat egymás mellé helyezték. Tanítványai között van Antonio Vivaldi, aki később több száz művet komponált a Corelli trió sonatas és concerti elvei alapján.,

ellentétben ezekkel a zeneszerzőkkel, Dieterich Buxtehude nem udvari teremtmény volt, hanem egyházi zenész, aki orgonista és Werkmeister posztjait töltötte be a lübecki Marienkirche-ben. Werkmeister feladatai között szerepelt az egyház titkára, pénztárosa és üzleti vezetője, míg orgonista pozíciója az összes fő szolgáltatásért játszott, néha más hangszerészekkel vagy énekesekkel együttműködve, akiket az egyház is fizetett., Hivatalos egyházi feladatain kívül egy Abendmusiken néven ismert koncertsorozatot szervezett és rendezett, amely kortársai által az operák egyenértékének tekintett Szent drámai művek előadásait is magában foglalta.

Franciaország:

• Denis Gaultier
• Jean-Henri d ‘ Anglebert
• Jacques Champion de Chambonnières
• Louis Couperin

késő barokk zene (1680-1750)Szerkesztés

A munka, Händel, Johann Sebastian Bach, valamint a kortársak, beleértve Domenico Scarlatti, Antonio Vivaldi, Jean-Philippe Rameau, Georg Philipp telemann műveivel, mások fejlett a Barokk korszak, hogy a tetőpontját.

• más néven.,bizonyos nagy)
• Giuseppe Torelli (koncert Csak)

Franciaország:

• François Couperin
• André Campra

Szélesebb adoptionEdit

Olaszország:

• Bononcini, Giovanni
• Antonio Vivaldi
• Tomaso Albinoni
• Benedetto Marcello
• Francesco Geminiani
• Peter Smith
• Giovanni Battista Pergolesi
• Nicola Porpora
• Giuseppe Tartini
• Francesco Maria Veracini

Elterjedése

• Erdmann Neumeister
• Estienne Roger, L’estro armonico
• Látogatás Olaszország, pedig.,g. Johann Kuhnau, Johann David Heinichen, Gottfried Heinrich Stölzel
• olaszok külföldön, köztük Domenico Scarlatti, Antonio Caldara, Antonio Lotti, Peter Towers

Franciaország:

• Jean-Philippe Rameau
• Joseph Bodin de Boismortier
• francia külföldön: pl., Louis Marchand

Közép-Európa:

Átmenet Klasszikus eraEdit

Galant zene:

• Johann Mattheson
• Jean-Marie Leclair
• Johann Joachim Quantz
• Johann Adolph Hasse
• Carl Heinrich Graun
• Giovanni Battista Sammartini
• Baldassare Galuppi

Bach idősebbik fia, a tanulók:

• Wilhelm Friedemann Bach
• Carl Philipp Emanuel Bach (empfindsamer Stil)
• Johann Gottlieb Goldberg

Mannheimi iskola:

• Johann Stamitz