Biografia de Gustav Klimt
a Infância
Nascido para Ernst Klimt, um gravador de ouro que era originalmente da Boêmia, e Anna Finster, um aspirante, mas sem êxito artista musical, Gustav Klimt foi o segundo dos sete filhos criados na pequena subúrbio de Baumgarten, a sudoeste de Viena. A família Klimt era pobre, pois o trabalho era escasso nos primeiros anos do Império Habsburgo, especialmente para grupos étnicos minoritários, devido em grande parte à queda da Bolsa de valores de 1873.,
entre 1862 e 1884, os Klimts moviam-se frequentemente, vivendo em nada menos do que cinco endereços diferentes, sempre procurando moradia mais barata. Além das dificuldades financeiras, a família passou por muita tragédia em casa. Em 1874, Anna, a irmã mais nova de Klimt, morreu aos cinco anos de idade após uma longa doença. Pouco tempo depois, sua irmã Klara sofreu um colapso mental depois de sucumbir ao fervor religioso.em tenra idade, Klimt e seus dois irmãos, Ernesto e Jorge, exibiram dons artísticos óbvios., Gustav, no entanto, foi escolhido por seus instrutores como um relator excepcional enquanto frequentava a escola secundária. Em outubro de 1876, quando ele tinha quatorze anos, um parente o encorajou a fazer o exame de entrada para a Kunstgewerbeschule, a Escola Vienense de Artes e Ofícios, e ele passou com distinção. Mais tarde, ele disse que tinha a intenção de se tornar um mestre de desenho e tomar uma posição de ensino em um Burgerschule, o equivalente vienense do século XIX de uma escola secundária pública básica, que ele tinha frequentado.,Klimt começou seu treinamento formal em Viena, enquanto a cidade estava passando por mudanças significativas. Em 1858, o Imperador Franz Joseph I ordenou a destruição dos restos das antigas muralhas medievais que rodeava a parte central da cidade, deixando um grande espaço circular que foi reconstruída como uma série de avenidas conhecida como a Ringstrasse (“anel de rua”)., Ao longo dos trinta anos seguintes, a Ringstrasse ficou forrada com árvores e grandes casas burguesas de apartamentos, bem como muitos edifícios novos para abrigar várias instituições do Governo Civil e imperial, incluindo teatros, museus de arte, a Universidade de Viena, e o Edifício do Parlamento Austríaco. Juntamente com a recém-construída ferrovia municipal, a chegada de lâmpadas elétricas de rua, e engenheiros da cidade redirecionando o Rio Danúbio, a fim de evitar inundações, Viena estava entrando em uma Era Dourada de indústria, pesquisa e ciência, impulsionada por avanços modernos nestes campos., Uma coisa que Viena ainda não tinha, no entanto, era um espírito revolucionário para as artes.
formação e sucesso precoce
o currículo e os métodos de ensino de Kunstgewerbeschule eram bastante tradicionais para o seu tempo, algo que Klimt nunca questionou ou desafiou. Através de um treinamento intensivo em desenho, ele foi acusado de copiar fielmente decorações, desenhos e moldes de gesso de esculturas clássicas. Uma vez que ele provou a si mesmo a este respeito, só então ele foi autorizado a desenhar figuras da vida., Klimt impressionou seus instrutores desde o início, logo se juntando a uma classe especial com foco na pintura, onde ele mostrou talento considerável para pintar figuras ao vivo e trabalhar com uma variedade de ferramentas. O treinamento do jovem artista também incluiu estudos próximos das obras de Ticiano e Peter Paul Rubens. Klimt também teve acesso à riqueza de pinturas do Museu de Belas Artes de Viena pelo mestre espanhol Diego Velázquez, para cujo trabalho ele desenvolveu uma tal afeição que mais tarde na vida, Klimt comentou: “existem apenas dois pintores: Velázquez e I.,Klimt também se tornou um grande admirador de Hans Makart (o mais famoso pintor histórico vienense da época), e particularmente de sua técnica, que empregava efeitos dramáticos da luz e um amor evidente pela teatralidade e pela pompa. Em um ponto, enquanto ainda estudante, Klimt supostamente subornou um dos servos de Makart para deixá-lo entrar no estúdio do pintor para que Klimt pudesse estudar as últimas obras em progresso.,pouco antes de deixar a Kunstgewerbeschule, a aula de pintura de Klimt foi acompanhada por seu irmão mais novo Ernst e um jovem pintor chamado Franz Matsch, outro talentoso artista vienense que se especializou em obras decorativas em grande escala. Klimt e Matsch ambos terminaram seus estudos em 1883, e juntos os dois alugaram um grande estúdio em Viena. Apesar deste movimento e de seu sucesso inicial, Klimt manteve residência com seus pais e irmãs sobreviventes., Klimt e Matsch logo se tornaram artistas em alta demanda entre a elite cultural da cidade, incluindo proeminentes arquitetos, figuras da sociedade e funcionários públicos. Já em 1880, Klimt e Matsch foram recomendados por seu professor de pintura, Ferdinand Laufberger, para realizar uma comissão de quatro pinturas em nome de uma empresa de arquitetura vienense especializada em design de teatro.apesar da demanda, o pagamento pelos serviços de Klimt e Matsch não foi lucrativo., Quando Klimt, seu irmão Ernst, e Matsch foram entregues o trabalho para decorar a grande escadaria do novo Burgtheater, o trio descobriu que sua comissão não iria cobrir os custos de contratação de modelos, então eles alistaram amigos e família. Hoje é possível ver as irmãs de Klimt, Hermine e Johanna (juntamente com todos os três artistas) entre os espectadores no Teatro de Shakespeare, enquanto seu irmão Georg interpreta o Romeu moribundo. Aliás, este é o único auto-retrato sobrevivente de Klimt.,
período Maduro
até o final de 1892, tanto o pai de Ernst Klimt – Gustav – e seu irmão mais novo Ernst tinha morrido, este último de repente de uma luta de pericardite. Estas mortes afetaram profundamente Gustavo, que agora ficou financeiramente responsável por sua mãe, irmãs, viúva de seu irmão e sua filha. A viúva de seu irmão Ernesto, Helene Flöge – com quem ele havia se casado por apenas quinze meses-e sua família de classe média tinha casas na cidade e no campo, onde Klimt se tornou um convidado frequente., Klimt logo começou uma amizade íntima com a irmã de Helene, Emilie Flöge, que iria durar pelo resto de sua vida e fornecer a base para um de seus retratos mais famosos.o ritmo de trabalho de Klimt abrandou após a morte do seu irmão e pai. O artista também começou a questionar as convenções da pintura acadêmica, o que resultou em uma ruptura entre Klimt e seu parceiro de longa data Matsch. Em 1893, o Comitê Consultivo artístico do Ministério da Educação pediu a Matsch uma comissão para decorar o teto do recém-construído Grande Salão da Universidade de Viena., Klimt finalmente se juntou ao projeto (seja a pedido de Matsch ou do Ministério), mas esta colaboração seria a última entre os dois homens.Klimt foi convidado a produzir três grandes pinturas de teto para o Grande Salão da universidade, incluindo filosofia (1897-98), Medicina (1900-01) e jurisprudência (1899-1907). Para surpresa dos seus comissários, por estas pinturas Klimt optou por empregar um simbolismo altamente decorativo que é difícil de ler, marcando assim uma viragem significativa na sua atitude em relação à pintura e à arte em geral., Uma controvérsia significativa surgiu sobre as pinturas universitárias de Klimt, especialmente devido à nudez de algumas das figuras da medicina, e em parte às acusações de que o assunto era vago. As pinturas da Universidade nunca foram instaladas, e no rescaldo da controvérsia, Klimt resolveu nunca mais aceitar uma comissão pública.a obra de Klimt sobre as pinturas da Universidade de Viena coincidiu com um cisma mais amplo dentro da comunidade de arte de Viena., Em 1897, ele, juntamente com vários outros artistas e designers modernos, renunciou a sua participação na Kunstlerhaus, a associação de artistas de Viena, da qual Klimt era membro desde 1891. O Kunstlerhaus controlado o principal local para exposição de arte contemporânea na cidade, e Klimt e seus colegas modernistas se queixaram de que eles estavam sendo negados os mesmos privilégios de expor o trabalho lá porque o Kunstlerhaus, o que levou uma comissão sobre as obras apresentadas, favoreceu o melhor-vendendo conservador obras.,a coorte modernista reagrupou-se imediatamente para fundar a secessão de Viena (também conhecida como União Dos Artistas austríacos) em 1897. Juntamente com Klimt, o grupo incluía Josef Hoffmann, Koloman Moser e Joseph Maria Olbrich. Klimt foi nomeado presidente fundador da Secessão., Seus princípios fundadores, foram como segue: permitir que os jovens e não-convencionais de artistas, com uma tomada para mostrar o seu trabalho, expor Viena para as grandes obras de artistas estrangeiros (nomeadamente os Impressionistas franceses, que o Kunstlerhaus conseguiu fazer); e para publicar um periódico, eventualmente, intitulado Ver Sacrum (“nascente Sagrada”), que tomou seu nome da tradição Romana de cidades do envio de novas gerações de cidadãos em seus próprios para fundar um novo assentamento.,a secessão rapidamente estabeleceu Sua presença na cena artística da cidade através de uma série de Exposições, as quais Klimt desempenhou um grande papel na organização. Muitos deles apresentaram trabalhos de artistas estrangeiros contemporâneos que foram feitos membros correspondentes do grupo. As exposições receberam ampla aclamação do público e suscitaram surpreendentemente pouca controvérsia, dado que os vienenses tinham pouca ou nenhuma exposição à arte moderna., Em 1902, os secessionistas realizaram sua 14ª exposição, uma celebração do compositor Ludwig van Beethoven, para a qual Klimt pintou seu famoso friso de Beethoven, uma obra massiva e complexa que, paradoxalmente, não fez referência explícita a nenhuma das composições de Beethoven. Em vez disso, foi visto como uma alegoria complexa, lírica e altamente ornamentada do artista como Deus.,embora a secessão fosse dedicada à ideia da Gesamtkunstwerk, ou ao ambiente completamente e harmoniosamente projetado, ela tentou manter a arte acima do domínio das preocupações comerciais, o que se revelou problemático para seus membros, principalmente artistas decorativos, cujo trabalho na concepção de objetos úteis exigia uma saída comercial para ser bem sucedido. Em 1903, dois de seus membros proeminentes, Josef Hoffmann e Koloman Moser, formaram uma nova organização, a Wiener Werkstätte, dedicada à promoção e design de Artes decorativas e arquitetura para tais propósitos., Klimt, que era próximo de Hoffmann e Moser, posteriormente colaboraria em vários projetos do Werkstatte, mais notavelmente o friso gigante multi-Painel Da Árvore da vida pintado para o Palais Stoclet em Bruxelas, o maior Gesamtkuntswerk produzido pelo Werkstatte, entre 1905-10.em 1905, Klimt e vários de seus associados renunciaram à secessão de Viena devido a um desacordo sobre a associação do grupo com galerias locais, que não eram especialmente fortes em Viena, para comercializar sua arte., Apesar de terem seu próprio espaço de exposição, os secessionistas ainda eram perseguidos pela falta de uma localização sistemática para completar a venda de seu trabalho. O Klimtgruppe (como Klimt e seus partidários, incluindo Moser e Josef Maria Auchentaller eram conhecidos) propôs que a Secessão de compra Galeria Miethke, mas foram rejeitados por um voto quando a sugestão foi colocada antes da associação, como a oposição desejava manter a Secessão totalmente separado de interesses comerciais., A demissão do Klimtgruppe destruiu a secessão dos seus membros mais proeminentes a nível internacional; no entanto, nos anos em que se reinventou muitas vezes – muitas vezes coincidindo com mudanças na liderança – e hoje continua a ser a única sociedade artística austríaca dedicada à promoção da arte contemporânea.,
Final de Período e a Morte
Na década entre 1898 e 1908, enquanto trabalhava como um membro da Secessão e da comissão para a Universidade, Klimt, o estilo pessoal, que ricamente combinados de ambos os elementos pré-modernos e modernos eras, atingiu o seu pleno amadurecimento. Ele produziu vários de seus trabalhos mais famosos durante estes anos que juntos agora compõem sua “fase dourada”, chamada em grande parte devido ao uso extensivo de Klimt de folha de ouro., Estas pinturas incluem o campo das papoilas (1907), o beijo (1907-08), juntamente com os retratos Pallas Athene (1898), Judith i (1901), e Adele Bloch-Bauer I (1903-07). Apesar do respeito que lhes foi concedido hoje, a recepção na época nem sempre foi tão gentil: um crítico brincou ao ver Bloch-Bauer I pela primeira vez que era “mais blech do que Bloch” (“blech” na verdade é a palavra alemã para tin)., Se Klimt não gostou da resposta às suas pinturas, ficou provavelmente contente por os críticos nunca terem visto os seus esboços, pois Klimt era, de certa forma, o equivalente masculino do início do século XX da estereotipada Senhora dos gatos louca. Ele afirmou que a urina de gato era o melhor fixador, e assim seus esboços são muitas vezes cobertos nela.
Na última década de sua vida, Klimt, dividido muito de seu tempo entre seu estúdio e jardim em Heitzing, em Viena, e a casa de campo do Flöge família, onde ele e Emilie passaram muito tempo juntos., Embora houvesse inquestionavelmente um vínculo romântico entre eles, acredita-se que os dois nunca cederam ao desejo físico. Sua proximidade, no entanto, não suavizou a antipatia de Klimt por usar a linguagem escrita: em uma carta para Emilie, ele ficou tão frustrado que ele simplesmente escreveu: “para o inferno com as palavras!”Klimt foi igualmente conciso e pouco complacente ao discutir lugares que havia visitado; em uma visita à Itália, ele só podia relatar de volta para Emilie que “há muito que é patético em Ravena – os mosaicos são tremendamente esplêndidos.,”
durante estes verões Klimt produziu muitas de suas impressionantes pinturas (ainda frequentemente subestimadas) em paisagens plein, como o Parque (1909-10), muitas vezes a partir do ponto de vista de um barco a remos ou de um campo aberto. Klimt tinha dois amores: pintura e mulheres, e seu apetite por ambos era aparentemente insaciável. A vida pessoal de Klimt, sobre a qual ele se esforçou para ser discreto, tornou-se, como resultado, bastante famoso o assunto de especulações consideráveis entre críticos e historiadores, especialmente tendo em conta os numerosos retratos de Klimt de mulheres., Em muitos casos, nenhum consenso foi alcançado sobre o envolvimento de Klimt com certas mulheres individuais; enquanto muitos relatos juram por ligações íntimas de Klimt, outros – em parte devido à falta de provas concretas – duvidam de que havia qualquer envolvimento romântico entre Klimt e essas mesmas amas.apesar de Klimt não ter alterado o seu assunto durante os seus últimos anos, o seu estilo de pintura sofreu alterações significativas. Em grande parte acabando com o uso de folhas de ouro e Prata, e ornamentação em geral, o artista começou a usar misturas sutis de cor, tais como lilás, coral, salmão e amarelo., Klimt também produziu um número impressionante de desenhos e estudos durante este tempo, a maioria dos quais eram de nus femininos, alguns tão eróticos que até hoje eles são raramente exibidos. Ao mesmo tempo, muitos dos retratos posteriores de Klimt foram elogiados pela maior atenção do artista ao caráter e uma suposta nova preocupação com a semelhança. Estas características são evidentes em Adele Bloch-Bauer II (1912) e Mada Primavesi (1913), bem como o estranhamente erótico os amigos (C., 1916-17), que retrata o que parece ser um casal lésbico – um nu e o outro vestido – contra um cenário estilizado de pássaros e flores.em 11 de janeiro de 1918, Klimt sofreu um derrame, o que o deixou paralisado do lado direito. Acamado e não mais capaz de pintar ou mesmo esboçar, Klimt afundou-se em desespero e contraiu a gripe. Em 6 de fevereiro morreu, uma das vítimas mais famosas da pandemia de gripe daquele ano. Ele foi apenas um dos quatro grandes artistas de Viena a morrer naquele ano: Otto Wagner, Koloman Moser, e Egon Schiele todos sucumbiram, este último também uma vítima de gripe., No momento da sua morte, vários fios da arte moderna, incluindo Cubismo, Futurismo, Dada e construtivismo, tinham todos captado a atenção dos europeus criativos. O corpo de trabalho de Klimt era então considerado parte de uma época passada na pintura, que ainda se concentrava nas formas humanas e naturais, em vez de uma desconstrução, ou renúncia total, dessas mesmas coisas.,
O Legado de Gustav Klimt
Klimt, nunca se casou e nunca pintou um único auto-retrato se pretende como tal, e nunca alegou ser a revolucionar a arte de qualquer maneira. Klimt não viajou muito, mas deixou a Áustria em uma série de visitas a outros locais na Europa (embora em uma ocasião ele visitou Paris, ele deixou completamente impressionado)., Com a secessão inovadora, o principal objetivo de Klimt era chamar a atenção para os artistas vienenses contemporâneos e, por sua vez, chamar a sua atenção para o mundo muito mais amplo da arte moderna além das fronteiras da Áustria. Neste sentido, Klimt é responsável por ajudar a transformar Viena em um centro líder para a cultura e as artes na virada do século.a influência direta de Klimt sobre outros artistas e movimentos subsequentes foi bastante limitada., Muito da maneira como Klimt reverenciava Hans Makart, mas eventualmente se desviou do estilo de seu mentor, artistas vienenses mais jovens como Egon Schiele e Oskar Kokoschka reverenciaram Klimt no início, apenas para amadurecer em formas mais quasi-abstratas e expressionistas de pintura. Aos 17 anos, Schiele procurou Klimt e desenvolveu uma amizade com o mestre que se revela hoje em várias comparações entre suas obras; Cardeal e Freira de Schiele de 1912, por exemplo, é sem dúvida baseada no beijo de Klimt de 1907-08., Klimt introduzido Schiele de inúmeros proprietários de galerias, artistas e modelos, incluindo Valerie (Wally) Neuzil, com quem Schiele começaram um relacionamento em 1911, em todo o tempo os dois se mudaram juntos para Krumau, na Boêmia (hoje Cesky Krumlov, na República tcheca) – apesar de, em 1916 Neuzil retornou a Viena, a modelo novamente para Klimt. Tanto Schiele quanto Klimt produziram retratos da rica mecenas da avant-garde, Friederika Maria Beer-Monti, em 1914 e 1916, respectivamente; na verdade, inicialmente Klimt recusou a Comissão para o posterior retrato de Beer-Monti, porque Schiele já tinha completado o seu.,enquanto alguns críticos e historiadores afirmam que o trabalho de Klimt não deve ser incluído no cânone da Arte Moderna, sua obra – particularmente suas pinturas pós – datadas de 1900-permanece marcante por suas combinações visuais do antigo e do moderno, do real e do abstrato. Klimt produziu seu maior trabalho durante um tempo de expansão econômica, mudança social e introdução de ideias radicais, e esses traços são claramente evidentes em suas pinturas., Klimt criou um estilo altamente pessoal, e o Significado de muitas de suas obras não pode ser decifrado completamente sem o conhecimento de suas próprias relações pessoais com aqueles retratados e, devido à discrição cuidadosa de Klimt em sua vida privada, provavelmente nunca será totalmente compreendido. Outras obras são virtualmente inescrutáveis devido às disposições desconcertantes de seu conteúdo. Esta situação, no entanto, contribui indiscutivelmente para a estatura de Klimt, já que suas pinturas serão continuamente envoltas em algum tipo de mistério e convidarão inúmeras interpretações e intensa ruminação crítica.,Klimt alcançou uma espécie de imortalidade a partir da controvérsia que ele gerou a partir do conteúdo de suas obras na virada do século e do mistério em torno de suas relações com seus sitters, mas ele pode até ter superado isso muito depois de sua morte com os destinos de algumas de suas obras mais famosas., Várias das pinturas de Klimt entraram nas coleções de conhecedores judeus na década de 1930, e este fato, provavelmente combinado com o status de Klimt como um proeminente artista moderno, contribuiu para o seu confisco pelos nazistas depois de 1938 e sua colocação pós-guerra, se não destruída, em museus do estado. Enquanto isso, os proprietários originais e seus herdeiros – mais notavelmente a família Altmann, que tinha reivindicações a Adele Bloch-Bauer I de Klimt – desde então apresentaram ações judiciais para recuperar as pinturas PARA propriedade privada, alguns dos quais foram bem sucedidos., Tais eventos aumentaram consideravelmente o perfil da Klimt como artista, com a venda de algumas dessas obras recuperadas trazendo preços recorde.