es una serie de pinturas donde los tonos de azul dominan cada pieza y el ambiente que impregna estas obras es de profunda melancolía.
si bien pueden parecer a veces sombrías y sentimentales, en toda la actualidad, las pinturas creadas durante el período azul de Picasso son expresiones profundamente poéticas de pobreza, fragilidad, depresión severa y vulnerabilidad.
muchos de los sujetos son los pobres y marginados de la sociedad. Las pinturas de esta serie son sombrías, pero contienen interminables capas de belleza y humanidad en su interior.,
teniendo en cuenta todas las diversas fases de la evolución de Picasso como artista, se podría argumentar que ningún otro período en la larga y fascinante carrera de Pablo Picasso contiene tanto peso emocional y complejidad humana de la misma manera que el período azul de Picasso (1901-1904).
sería una cosa muy inusual encontrar a una persona que nunca había oído hablar del artista español Pablo Picasso. Las obras de Picasso están tan extendidas en todo el mundo, y su influencia tan inmensa, que la mayoría de la gente tiene ciertas imágenes vienen a la mente cuando escuchan el nombre de Pablo Picasso.,
a menudo, las imágenes evocadas en la imaginación pueden ser retratos surrealistas, cubistas de varios objetos y caras interesantes. Para muchos, podrían pensar en la famosa pintura, Guernica, de 1937. Otros todavía pueden pensar en algo de antes de ese período cubista.
algo más ligero y suave, como una de las muchas obras del período de la Rosa de Picasso (1904-1906) cuando pintó obras tan notables como chico con una pipa en 1905 (Garçon à la pipe) y su retrato de Gertrude Stein en 1906.
el momento preciso y el lugar en el que comenzó el período Azul es incierto., Sin embargo, lo que se sabe es que sus inicios ocurren aproximadamente al mismo tiempo que Picasso experimentó un trauma personal que provocó una depresión profunda y duradera. El período Azul comenzó en España durante la primavera de 1901, o quizás en París ese mismo año. En febrero de 1901, Pablo Picasso estaba en medio de un viaje por España, y su amigo íntimo, estudiante de arte español y poeta Carlos Casagemas estaba en L’Hippodrome Café en París.,
Los dos jóvenes habían estado viajando juntos, pero Casagemas regresó a París solo, con el corazón roto debido a su amor no correspondido por una mujer casada llamada Germaine Gargallo Florentin. Una noche en París, mientras cenaba con Germaine y un grupo de amigos en L’Hippodrome, Casagemas se perdió en el alcohol. Alrededor de las nueve de la noche, sacó un revólver y disparó a Germaine antes de girar el arma contra sí mismo y dispararse a sí mismo en la cabeza. Por suerte, la bala sólo rozó la sien de Germaine y ella sobrevivió. Carlos Casagemas, de solo 20 años, no lo hizo.,
aunque Picasso no estuvo presente en la terrible evento que tuvo lugar en L’Hipódromo Café de la noche, el incidente dejó agitado, y la trágica pérdida de su amigo tuvo un impacto significativo en su arte, en los días y meses que siguieron. Picasso regresó a París y se hundió en una profunda depresión. Durmió en la habitación donde Casagemas se quedó, pasó tiempo con el mismo grupo de amigos, e incluso se involucró románticamente con Germaine.
no había manera de escapar de los constantes recordatorios de su amigo perdido. Un cambio dramático surgió en su obra., Más tarde fue citado diciendo :» Cuando me di cuenta de que Casagemas estaba muerto, empecé a pintar de azul.»Picasso creó varias pinturas monocromáticas en varios tonos de azul, calentadas esporádicamente por otros colores. Si bien estas piezas de tonos azules eran un reflejo fuerte y claro de la angustia interior, también ofrecían una visión de algo más.
Muchas de las obras del período azul de Picasso son duras representaciones de los miembros olvidados o descartados de la sociedad, muchos de los cuales recogió de las prisiones, calles y alcantarillas de París; mendigos, erizos de la calle y prostitutas., Una experiencia que tuvo una fuerte influencia en sus obras del período Azul fue una visita a una prisión de mujeres. Muchos de los sujetos son figuras solitarias: madres solitarias, ancianos, frágiles, ciegos y demacrados. Sin embargo, muchas otras son representaciones póstumas de su querido amigo fallecido, Carlos Casagemas.
La muerte de Casagemas (la mort de Casagemas) fue pintada en 1901, por lo tanto perteneciente al período azul de Picasso, pero carente de las variaciones dominantes, azul claro. Sin embargo, mientras el espectador mira el rostro del pobre Casagemas en reposo en su ataúd, la resonancia emocional es casi palpable., El duelo y el horror que el artista intenta procesar y exorcizar con su arte es inconfundible. Mientras que muchas de las pinturas con tonos azules más fuertes transmiten una especie de luto tranquilo, la muerte de Casagemas es un grito de dolor fuerte y angustiado.
en otro óleo de ese mismo año, evocación, El Entierro de Casagemas, el color azul se ha apoderado del lienzo. Dos escenas están teniendo lugar dentro de esta pintura. En la mitad inferior, está el rito mundano y terrenal de un entierro. Casagemas, enterrado en el suelo, está rodeado de dolientes., Sus cuerpos están encorvados, doblados, algunos tienen sus caras en sus manos mientras que otros se abrazan unos a otros en las expresiones físicas familiares de dolor. Arriba, los cielos se abren para dar la bienvenida a Casagemas. Un jinete crucificado a caballo, símbolo de la Ascensión del alma, se eleva a través de la escena, atrayendo la mirada del espectador hacia el brillante caballo blanco. Es una expresión conmovedora de los últimos deseos del artista para su amigo que ha fallecido.
varias de las obras del período Azul conmemoran Casagemas, pero quizás la más desafiante y fascinante de ellas es La Vie, o la vida, pintada en 1903., Enteramente compuesta en diferentes tonos azules, una mujer acuna a un bebé mientras se enfrenta a una joven desnuda abrazando a un hombre, que es una representación de Casagemas. Dos pinturas son visibles en el fondo, una que representa a una pareja En apuros, y otra debajo de un hombre solitario y arrugado, evidentemente el propio artista. Casagemas se adelanta, una mano haciendo un gesto hacia el niño. Mientras Picasso nunca hizo un esfuerzo para que la pintura entendiera, afirmando que » una pintura, para mí, habla por sí misma, ¿de qué sirve, después de todo, impartir explicaciones?,»sin embargo, hay algunos aspectos de la pieza que se pueden identificar claramente. Casagemas está activo, gesticulando y comunicándose. Él tiene un amante en la mujer desnuda sosteniéndolo cerca. Hay imágenes de cercanía y amor familiar, como si el artista hubiera estado imaginando un resultado diferente para su amigo, uno con los amantes y la familia, y la vida.
otra de las obras más famosas de Picasso del período Azul es la pintura, El Viejo guitarrista (1903). Triste y monocromático, el viejo guitarrista representa a un hombre delgado y demacrado encorvado sobre su gran guitarra., El color marrón del instrumento es el único contraste contra el azul que domina el resto del lienzo. Tal vez esto podría sugerir que la guitarra, destacándose del resto de la escena, es un punto brillante, un medio de consuelo en la vida del hombre solitario. Los ojos del Viejo están cerrados, lo que sugiere ceguera. Sin embargo, también simboliza una aversión a ver el mundo de la manera habitual, como si este mendigo, con su música, poseyera una visión que se extiende más allá del mundo mundano., La ceguera, o individuos aparentemente ciegos que fueron marginados o que de alguna manera sufrieron privaciones son un tema común que se extiende a lo largo de las obras del período azul de Picasso. Pinturas como The Blind Man’s Meal (1903) y The Frugal Repast (1904) exploran estados de ánimo e imágenes similares al viejo guitarrista.
una característica que es interesante notar sobre el viejo guitarrista es el rostro fantasmal de una mujer justo por encima de la oreja del guitarrista. A través de los tonos azul-grises del cabello del anciano, ella aparece, vagamente. Esto es en realidad un remanente de una obra abandonada de Picasso que pintó encima., La imagen fantasma provocó un examen adicional, y luego fue radiografiada, descubriendo que un retrato de una joven sentada amamantando a un bebé se escondía debajo de la pintura al óleo que trajo al viejo guitarrista a la existencia.
Si bien Casagemas en su ataúd marcó el comienzo del período azul de Picasso, se podría argumentar que el viejo guitarrista es el más icónico de esta fase en la carrera del artista., Representa perfectamente el azul monocromático que fue el sello distintivo de este período, Pero también el estado de ánimo y el tema; las formas aplanadas, la representación comprensiva de los oprimidos, la búsqueda de humanidad y belleza en temas que muchos miembros de la sociedad habrían considerado feos u olvidables conlleva una gran resonancia emocional. Y para el propio Picasso, esta pieza también puede haber tenido un significado particular, ya que marcó un punto de inflexión en su carrera algunos años después., En 1926, el viejo guitarrista fue adquirido por un Museo Americano en Chicago, por lo que es la primera adquisición de un museo de una pintura de Picasso por cualquier museo en el mundo para una colección permanente. Afortunadamente, fue solo el primero de muchos.
Al igual que muchos de sus predecesores y contemporáneos, Pablo Picasso produjo varios autorretratos a lo largo de su carrera. Todas estas similitudes son notables de estudiar, ya que cada una revela una progresión no solo en el estilo artístico y la madurez, sino una evolución similar dentro del propio artista como ser humano., Autorretrato 1901 ofrece una visión de Picasso durante el comienzo del período Azul. Si este período comenzó con la muerte de Casagemas, también se podría decir que el período se construyó sobre la base de este autorretrato.
en esta pintura, estamos mirando a un joven a la edad de 20 años. Sin embargo, la apariencia parece ser la de un hombre mucho mayor. El cuello alto de su abrigo de invierno está abotonado hasta la cara. Su rostro es pálido y demacrado, la expresión debajo de su escabrosa barba intensamente sombría., El retrato transmite la desolación de su vida durante esta época; la pobreza, el duelo y el duro y frío invierno parisino. Picasso expone y pone al descubierto sus dificultades y angustia emocional, pero mantiene un aire distintivo de dignidad, a pesar de la soledad y la tristeza que lleva.
lo que Pablo Picasso logró durante su periodo Azul fue algo que en su momento, era completamente inédito. Todas sus pinturas de 1901-1903 parecían casi como si hubiera comenzado a ver el mundo a través de gafas de color azul., Este fue el resultado de un ejercicio de creación de escenas en condiciones de poca luz, pero este colorido y sombreado también crea una mística macabra dentro de las pinturas, impartiendo un sentido de muerte y melancolía. A lo largo de su vida, Picasso creó pinturas y otras obras de arte en diferentes estilos. Muchos pueden agruparse según el estado de ánimo, el esquema de color, el tema, el uso del espacio y la composición, pero ningún otro grupo destaca más que los pertenecientes al período Azul., Aunque a menudo era capaz de emular el trabajo de aquellos artistas que admiraba, como El Greco o Van Gogh, Picasso logró producir obras de arte totalmente originales. Esta habilidad para imitar estilos y métodos de otros pintores mientras creaba su propia obra pionera era un rasgo único de Picasso.
en 1904, la evolución de Picasso como artista había entrado en una nueva fase, y comenzó su período de la rosa, que duró hasta 1906. Fue en este momento que sus pinturas comenzaron a tomar un tono más brillante, más alegre., En contraste con los estados de ánimo, el color y el tema de sus pinturas de la época azul, El período Rosa de Picasso representaba payasos, acróbatas, arlequines y artistas de circo. Esta serie de personajes cómicos se representan en tonos cálidos de naranja y rosa. Al comienzo del período de la Rosa, Picasso entró en una relación con un artista bohemio llamado Fernande Olivier., Este tono y estilo más ligero no solo estaba fuertemente influenciado por la calidez de su relación romántica, sino que también era un reflejo de su vida en París en ese momento, que era bulliciosa y viva con la colorida y bohemia cultura circense. De hecho, innumerables restos de esos personajes de la época rosa y el París creativo y bohemio de Picasso (especialmente la zona de Montmartre) todavía se pueden ver hoy mientras pasea por las calles.
uno podría imaginar la profunda depresión de Picasso que inspiró su período Azul había llegado y terminado con el comienzo del período Rosa., Lamentablemente, este no es el caso, ya que su estado emocional melancólico duró bastante tiempo, no se disipó completamente hasta cerca del comienzo de su período cubista. Si bien uno solo puede imaginar la intensidad de su luto y angustia al ver la serie de pinturas pertenecientes al período azul de Picasso, todavía hay algo universal en las imágenes renderizadas en esos tonos sombríos de azul con los que casi todos se pueden identificar. Los sentimientos de pérdida Y Soledad pueden ser entendidos por cualquiera., Estas pinturas no solo hablan de la tristeza individual, sino que el patetismo representado en las imágenes de mendigos, prostitutas y personas pobres, ciegas y desesperadas son un espejo crudo de la época en que Picasso vivía, y aunque probablemente no lo predijo, los oprimidos que todavía existen en tonos de azul hoy en día.