Madame Lelica

la Camerata florentina fue un grupo de humanistas, músicos, poetas e intelectuales de la Florencia del Renacimiento tardío que se reunieron bajo el patrocinio del conde Giovanni de’ Bardi para discutir y guiar las tendencias en las artes, especialmente la música y el drama., En referencia a la música, basaron sus ideales en una percepción del drama musical clásico (especialmente el griego antiguo) que valoraba el discurso y la oración. En consecuencia, rechazaron el uso de sus contemporáneos de la polifonía (líneas melódicas múltiples e independientes) y la música instrumental, y discutieron dispositivos de la música griega antigua como la monodia, que consistía en un canto en solitario acompañado por un kithara (un antiguo instrumento de cuerda rasgueada). Las primeras realizaciones de estas ideas, incluyendo Dafne de Jacopo Peri y L’Euridice, marcaron el comienzo de la ópera, que fue un catalizador para la música barroca.,

en cuanto a la teoría musical, el uso más extendido del bajo figurado (también conocido como bajo completo) representa la importancia en desarrollo de la armonía como los fundamentos lineales de la polifonía. La armonía es el resultado final del contrapunto, y el bajo figurado es una representación visual de esas armonías comúnmente empleadas en la interpretación musical. Con el bajo figurado, los números, las alteraciones accidentales o los símbolos se colocaban sobre la línea de bajo que leían los instrumentistas de teclado, como los instrumentistas de clavicémbalo o los organistas de tubos (o lutenistas)., Los números, alteraciones accidentales o símbolos indican al teclista los intervalos que se deben tocar por encima de cada nota de bajo. El teclista improvisaba un acorde para cada nota de bajo. Los compositores comenzaron a preocuparse por las progresiones armónicas, y también emplearon el tritono, percibido como un intervalo inestable, para crear disonancia (se usaba en el acorde de séptima dominante y el acorde disminuido)., Un interés por la armonía también había existido entre ciertos compositores en el Renacimiento, notablemente Carlo Gesualdo; sin embargo, el uso de la armonía dirigida hacia la tonalidad (un enfoque en una clave musical que se convierte en la «nota casera» de una pieza), en lugar de la modalidad, marca el cambio del Renacimiento al período barroco. Esto llevó a la idea de que ciertas secuencias de acordes, en lugar de solo notas, podrían proporcionar una sensación de cierre al final de una pieza, una de las ideas fundamentales que se conoció como tonalidad.,

al incorporar estos nuevos aspectos de la composición, Claudio Monteverdi promovió la transición del estilo renacentista de la música al Barroco. Desarrolló dos estilos individuales de composición: la herencia de la polifonía renacentista (prima pratica) y la nueva técnica de bajo continuo del Barroco (seconda pratica). Con el bajo continuo, un pequeño grupo de músicos tocaba la línea de bajo y los acordes que formaban el acompañamiento de una melodía., El grupo de bajo continuo normalmente usaba uno o más teclistas y un laúd que tocaba la línea de bajo e improvisaba los acordes y varios instrumentos de bajo (por ejemplo, violonchelo, contrabajo) que tocaban la línea de bajo. Con la escritura de las óperas L’Orfeo y L’incoronazione di Poppea, entre otras, Monteverdi atrajo considerable atención a este nuevo género. Este estilo veneciano fue llevado fácilmente a Alemania por Heinrich Schütz, cuyo estilo diverso también evolucionó en el período posterior.

Las texturas instrumentales idiomáticas se hicieron cada vez más prominentes., En particular, el estilo luthé—la ruptura irregular e impredecible de progresiones de acordes, en contraste con el patrón regular de acordes rotos—referido desde principios del siglo XX como estilo brisé, fue establecido como una textura consistente en la música francesa por Robert Ballard, en sus libros de laúd de 1611 y 1614, y por Ennemond Gaultier., Esta figuración idiomática de laúd fue transferida más tarde al clavecín, por ejemplo en la música para teclado de Louis Couperin y Jean-Henri D’Anglebert, y continuó siendo una influencia importante en la música para teclado a lo largo de los siglos XVIII y XIX (en, por ejemplo, la música de Johann Sebastian Bach y Frédéric Chopin).

música barroca Media (1630-1700)editar

el ascenso de la corte centralizada es una de las características económicas y políticas de lo que a menudo se denomina La Era del absolutismo, personificada por Luis XIV de Francia., El estilo de Palacio y el sistema de corte de costumbres y artes que fomentó se convirtieron en el modelo para el resto de Europa. Las realidades del creciente patrocinio de la iglesia y el estado crearon la demanda de música pública organizada, como la creciente disponibilidad de instrumentos creó la demanda de música de cámara, que es música para un pequeño conjunto de instrumentistas.

Un ejemplo preeminente de un compositor de estilo cortesano es Jean-Baptiste Lully. Compró patentes de la monarquía para ser el único compositor de óperas para el rey francés y para evitar que otros tuvieran óperas en escena., Completó 15 tragedias líricas y dejó inacabado Achille et Polyxène. Lully fue uno de los primeros ejemplos de un director de orquesta; venció el tiempo con un gran personal para mantener sus conjuntos juntos.

musicalmente, no estableció la norma dominada por cuerdas para orquestas, que fue heredada de la ópera italiana, y la disposición a cinco partes característicamente Francesa (violines, violas-en hautes—contre, tailles y quintes-y violines Bajos) se había utilizado en el ballet desde la época de Luis XIII., Sin embargo, introdujo este conjunto en el teatro lírico, con las partes superiores a menudo dobladas por flautas y oboes, y el bajo por fagotes. Trompetas y timbales se añadían con frecuencia para escenas heroicas.

el período barroco medio en Italia se define por la aparición de los estilos vocales de cantata, oratorio y ópera durante la década de 1630, y un nuevo concepto de melodía y armonía que elevó el estatus de la música a uno de igualdad con las palabras, que anteriormente se habían considerado preeminentes., La Florida monodia de coloratura del Barroco temprano dio paso a un estilo melódico más simple y pulido. Estas melodías se construyeron a partir de ideas cortas, cadencialmente delimitadas, a menudo basadas en patrones de danza estilizados extraídos de la sarabande o la courante. Las armonías, también, podrían ser más simples que en la monodia barroca temprana, para mostrar la expresión de una manera más ligera en la cuerda y crescendos y diminuendos en notas más largas., Las líneas de bajo acompañantes estaban más integradas con la melodía, produciendo una equivalencia contrapuntística de las partes que más tarde llevó al dispositivo de una anticipación inicial de bajo de la melodía de aria. Esta simplificación armónica también llevó a un nuevo dispositivo formal de diferenciación de recitativo (una parte más hablada de la ópera) y aria (una parte de la ópera que usaba melodías cantadas)., Los innovadores más importantes de este estilo fueron los romanos Luigi Rossi y Giacomo Carissimi, que fueron principalmente compositores de cantatas y oratorios, respectivamente, y el Veneciano Francesco Cavalli, que fue principalmente un compositor de ópera. Más tarde importantes practicantes de este estilo incluyen Antonio Cesti, Giovanni Legrenzi, y Alessandro Stradella.,

Arcangelo Corelli es recordado como influyente por sus logros en el otro lado de la técnica musical—como violinista que organizó la técnica y la pedagogía del violín—y en la música puramente instrumental, particularmente su defensa y desarrollo del concierto grosso. Mientras que Lully estaba instalado en la corte, Corelli fue uno de los primeros compositores en publicar ampliamente y tener su música interpretada en toda Europa., Al igual que con la estilización y organización de la Ópera de Lully, el concierto grosso se basa en fuertes contrastes: las secciones se alternan entre las interpretadas por la orquesta completa y las interpretadas por un grupo más pequeño. Las dinámicas eran «aterrazadas», es decir, con una transición brusca de fuerte a suave y viceversa. Las secciones rápidas y lentas se yuxtaponían entre sí. Entre sus alumnos se encuentra Antonio Vivaldi, quien más tarde compuso cientos de obras basadas en los principios de las sonatas y conciertos de Corelli.,

en contraste con estos compositores, Dieterich Buxtehude no era una criatura de la corte, sino que era músico de Iglesia, ocupando los puestos de organista y Werkmeister en la Marienkirche en Lübeck. Sus deberes como Werkmeister implicaban actuar como secretario, tesorero y gerente de negocios de la iglesia, mientras que su posición como organista incluía tocar para todos los servicios principales, a veces en colaboración con otros instrumentistas o vocalistas, que también eran pagados por la Iglesia., Totalmente fuera de sus deberes eclesiásticos oficiales, organizó y dirigió una serie de conciertos conocida como el Abendmusiken, que incluía representaciones de obras dramáticas sagradas consideradas por sus contemporáneos como el equivalente de óperas.

Francia:

• Denis Gaultier
• Jean-Henri d’Anglebert
• Jacques Champion de Chambonnières
• Louis Couperin

Late baroque music (1680-1750)Edit

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