Biografía de Gustav Klimt
infancia
nacido DE Ernst Klimt, un grabador de oro que era originario de Bohemia, y Anna Finster, una aspirante a intérprete musical, Gustav Klimt fue el segundo de siete hijos criados en el pequeño suburbio de Baumgarten, al suroeste de Viena. La familia Klimt era pobre, ya que el trabajo era escaso en los primeros años del Imperio de los Habsburgo, especialmente para los grupos étnicos minoritarios, debido en gran parte a la caída del mercado de valores de 1873.,
entre 1862 y 1884, los Klimts se mudaron con frecuencia, viviendo en no menos de cinco direcciones diferentes, siempre buscando viviendas más baratas. Además de las dificultades financieras, la familia experimentó muchas tragedias en casa. En 1874 la hermana menor de Klimt, Anna, murió a la edad de cinco años después de una larga enfermedad. No mucho después, su hermana Klara sufrió un colapso mental después de sucumbir al fervor religioso.
a una edad temprana, Klimt y sus dos hermanos Ernst y Georg exhibieron evidentes dones artísticos., Gustav, sin embargo, fue señalado por sus instructores como un dibujante excepcional mientras asistía a la escuela secundaria. En octubre de 1876, cuando tenía catorce años, un familiar le animó a tomar el examen de ingreso para la Kunstgewerbeschule, la escuela vienesa de Artes y Oficios, y aprobó con distinción. Más tarde dijo que tenía la intención de convertirse en maestro de dibujo y tomar un puesto de profesor en una Burgerschule, el equivalente vienés del siglo XIX de una escuela secundaria pública básica, a la que había asistido.,
Klimt comenzó su formación formal en Viena mientras la ciudad estaba experimentando un cambio significativo. En 1858, el emperador Francisco José I ordenó la destrucción de los restos de las antiguas murallas defensivas medievales que rodeaban la parte central de la ciudad, dejando un gran espacio circular que fue reconstruido como una serie de amplios bulevares conocidos como la Ringstrasse («calle del anillo»)., Durante los siguientes treinta años, la Ringstrasse se alineó con árboles y grandes casas de apartamentos burgueses, así como muchos edificios nuevos para albergar varias instituciones gubernamentales cívicas e imperiales, incluidos teatros, museos de arte, la Universidad de Viena y el edificio del Parlamento austriaco. Junto con el ferrocarril municipal de Nueva Construcción, la llegada de farolas eléctricas y los ingenieros de la ciudad que desviaban el río Danubio para evitar inundaciones, Viena estaba entrando en una edad de oro de la industria, la investigación y la ciencia, impulsada por los avances modernos en estos campos., Una cosa que Viena todavía no tenía, sin embargo, era un espíritu revolucionario hacia las artes.
Formación y Principios de Éxito
La Kunstgewerbeschule del plan de estudios y los métodos de enseñanza eran bastante tradicionales para su tiempo, algo Klimt nunca cuestionado o rechazado. A través de un entrenamiento intensivo en dibujo, se le encargó copiar fielmente decoraciones, diseños y moldes de yeso de esculturas clásicas. Una vez que se probó a sí mismo en este sentido, solo entonces se le permitió dibujar figuras de la vida., Klimt impresionó a sus instructores desde el principio, pronto se unió a una clase especial con un enfoque en la pintura, donde mostró un talento considerable para pintar figuras vivas y trabajar con una variedad de herramientas. La formación del joven artista también incluyó estudios de cerca de las obras de Tiziano y Peter Paul Rubens. Klimt también tuvo acceso a la riqueza de pinturas del maestro español Diego Velázquez en el Museo de Bellas Artes de Viena, por cuya obra desarrolló una afición tal que más tarde en la vida, Klimt comentó: «solo hay dos pintores: Velázquez y yo.,»
Klimt también se convirtió en un gran admirador de Hans Makart (el pintor histórico vienés más famoso de la época), y particularmente de su técnica, que empleaba efectos dramáticos de luz y un evidente amor por la teatralidad y la pompa. En un momento dado, mientras aún era estudiante, Klimt sobornó a uno de los sirvientes de Makart para que lo dejara entrar en el estudio del pintor para que Klimt pudiera estudiar las últimas obras en progreso.,
poco antes de dejar la Kunstgewerbeschule, a la clase de pintura de Klimt se unieron su hermano menor Ernst y un joven pintor llamado Franz Matsch, otro talentoso artista vienés que se especializó en obras decorativas a gran escala. Klimt y Matsch terminaron sus estudios en 1883, y juntos alquilaron un gran estudio en Viena. A pesar de este movimiento y su éxito temprano, Klimt mantuvo la residencia con sus padres y hermanas sobrevivientes., Klimt y Matsch pronto se convirtieron en artistas de gran demanda entre la élite cultural de la ciudad, incluidos arquitectos prominentes, figuras de la sociedad y funcionarios públicos. Ya en 1880, Klimt y Matsch fueron recomendados por su profesor de pintura, Ferdinand Laufberger, para llevar a cabo una comisión de cuatro pinturas en nombre de una firma de arquitectura vienesa especializada en diseño teatral.
a pesar de la demanda, el pago por los servicios de Klimt y Matsch no era lucrativo., Cuando Klimt, su hermano Ernst y Matsch recibieron el trabajo de decorar la gran escalera del nuevo Burgtheater, el trío descubrió que su comisión no cubriría los costos de contratación de modelos, por lo que reclutaron amigos y familiares. Hoy en día se puede ver a las hermanas de Klimt Hermine y Johanna (junto con los tres artistas) entre los espectadores en el teatro de Shakespeare, mientras que su hermano Georg interpreta al moribundo Romeo. Por cierto, este es el único autorretrato sobreviviente de Klimt.,
Período de Madurez
a finales de 1892, tanto el senior de Ernst Klimt Gustav padre y su hermano Ernst había muerto, el último de repente de un episodio de pericarditis. Estas muertes afectaron profundamente a Gustav, que ahora era financieramente responsable de su madre, hermanas, viuda de su hermano y su hija. La viuda de su hermano Ernst, Helene Flöge-con quien había estado casado por solo quince meses-y su familia de clase media tenían casas tanto en la ciudad como en el campo, donde Klimt se convirtió en un huésped frecuente., Klimt pronto comenzó una amistad íntima con la hermana de Helene, Emilie Flöge, que duraría el resto de su vida y proporcionaría la base para uno de sus retratos más famosos.
El ritmo de trabajo de Klimt se ralentizó tras la muerte de su hermano y su padre. El artista también comenzó a cuestionar las convenciones de la pintura académica, lo que resultó en una ruptura entre Klimt y su compañero de mucho tiempo Matsch. En 1893, el Comité asesor artístico del Ministerio de Educación se acercó a Matsch para una comisión para decorar el techo del recién construido gran salón de la Universidad de Viena., Klimt finalmente se unió al proyecto (ya sea a petición de Matsch o del Ministerio), pero esta colaboración sería la última entre los dos hombres.
Se le pidió a Klimt que produjera tres grandes pinturas de techo para el Gran Salón de la universidad, incluyendo filosofía (1897-98), Medicina (1900-01) y Jurisprudencia (1899-1907). Para sorpresa de sus comisarios, para estas pinturas Klimt optó por emplear un simbolismo altamente decorativo y difícil de leer, marcando así un giro significativo en su actitud hacia la pintura y el arte en general., Surgió una controversia significativa sobre las pinturas universitarias de Klimt, especialmente debido a la desnudez de algunas de las figuras de la medicina, y en parte a las acusaciones de que el tema era vago. Las pinturas de la Universidad nunca se instalaron, y a raíz de la controversia, Klimt decidió no volver a aceptar una comisión pública.
fundar la secesión de Viena
El trabajo de Klimt sobre las pinturas de la Universidad de Viena coincidió con un cisma más amplio dentro de la comunidad artística de Viena., En 1897, junto con otros artistas y diseñadores modernos, renunció a su Membresía en la Kunstlerhaus, la principal asociación de artistas de Viena, de la que Klimt había sido miembro desde 1891. La Kunstlerhaus controlaba el lugar principal para exhibir arte contemporáneo en la ciudad, y Klimt y sus compañeros modernistas se quejaron de que se les negaban los mismos privilegios de exhibir trabajo allí porque la Kunstlerhaus, que tomó un encargo de las obras expuestas allí, favoreció las obras conservadoras mejor vendidas.,
la cohorte Modernista se reagrupó inmediatamente para fundar la secesión de Viena (también conocida como la Unión de artistas austriacos) en 1897. Junto con Klimt, El grupo incluía a Josef Hoffmann, Koloman Moser y Joseph Maria Olbrich. Klimt fue nombrado presidente fundador de la Secesión., Sus principios fundacionales fueron los siguientes: proporcionar a los artistas jóvenes y no convencionales una salida para mostrar su trabajo; exponer a Viena a las grandes obras de artistas extranjeros (a saber, los impresionistas franceses, lo que la Kunstlerhaus no había logrado hacer); y publicar un periódico, finalmente titulado Ver Sacrum («primavera sagrada»), que tomó su nombre de la tradición romana de ciudades que enviaban a las generaciones más jóvenes de sus ciudadanos por su cuenta para fundar un nuevo asentamiento.,
la Secesión rápidamente estableció su presencia dentro de la escena artística de la ciudad a través de una serie de exposiciones, que Klimt jugó un papel importante en la organización. Muchos de ellos presentaron obras de artistas contemporáneos extranjeros que se convirtieron en miembros correspondientes del grupo. Las exposiciones recibieron una amplia aclamación del público y suscitaron sorprendentemente poca controversia, dado que los vieneses tenían poca o ninguna exposición al arte moderno., En 1902, los secesionistas realizaron su 14A exposición, una celebración del compositor Ludwig van Beethoven, para la que Klimt pintó su famoso friso de Beethoven, una obra masiva y compleja que, paradójicamente, no hizo referencia explícita a ninguna de las composiciones de Beethoven. En cambio, fue visto como una alegoría compleja, lírica y altamente ornamentada del artista como Dios.,
aunque la Secesión se dedicó a la idea del Gesamtkunstwerk, o el entorno completo y armoniosamente diseñado, intentó mantener el arte por encima del ámbito de las preocupaciones comerciales, lo que resultó problemático para sus miembros, especialmente para los artistas decorativos, cuyo trabajo en el diseño de objetos útiles exigía una salida comercial para tener éxito. En 1903, dos de sus miembros prominentes, Josef Hoffmann y Koloman Moser, formaron una nueva organización, la Wiener Werkstätte, dedicada a la promoción y diseño de artes decorativas y arquitectura para tales fines., Klimt, que era cercano tanto a Hoffmann como a Moser, colaboraría posteriormente en varios de los proyectos del Werkstatte, sobre todo el gigantesco friso multi-panel del árbol de la vida pintado para el Palais Stoclet en Bruselas, el mayor Gesamtkuntswerk producido por el Werkstatte, entre 1905-10.
en 1905, Klimt y varios de sus asociados renunciaron a la secesión de Viena debido a un desacuerdo sobre la Asociación del grupo con galerías locales, que no eran especialmente fuertes en Viena, para comercializar su arte., A pesar de tener su propio espacio de exposición, los Escisionistas todavía estaban lastradas por la falta de una ubicación sistemática para completar la venta de su trabajo. El Klimtgruppe (como se conocía a Klimt y sus partidarios, incluidos Moser y Josef Maria Auchentaller) propuso que la Secesión comprara la galería Miethke, pero fueron rechazados por un voto cuando la sugerencia fue presentada ante los miembros, ya que la oposición deseaba mantener la Secesión completamente separada de los intereses comerciales., La dimisión del Klimtgruppe destripó la secesión de sus miembros más destacados internacionalmente; sin embargo, en los años desde que se ha reinventado muchas veces – a menudo coincidiendo con cambios en el liderazgo – y hoy sigue siendo la única sociedad dirigida por artistas Austriacos dedicada a la promoción del arte contemporáneo.,
período tardío y muerte
en la década entre 1898 y 1908, mientras trabajaba como miembro de la Secesión y en las comisiones para la Universidad, el estilo personal de Klimt, que combinaba ricamente elementos de las eras pre-modernas y modernas, alcanzó su plena maduración. Produjo varias de sus obras más famosas durante estos años que juntas ahora componen su «fase Dorada», llamada en gran parte debido al uso extensivo de la hoja de oro de Klimt., Estas pinturas incluyen campo de amapolas (1907), El Beso (1907-08) junto con los retratos Pallas Athene (1898), Judith i (1901), y Adele Bloch-Bauer I (1903-07). A pesar del respeto que se les otorga hoy, la recepción en ese momento no siempre fue tan amable: un crítico bromeó al ver a Bloch-Bauer I por primera vez que era «más blech que Bloch» («blech» en realidad es la palabra alemana para estaño)., Si a Klimt no le gustaba la respuesta a sus pinturas, probablemente se alegró de que los críticos nunca llegaran a ver sus cuadernos de bocetos, ya que Klimt era de alguna manera el equivalente masculino de principios del siglo XX de la estereotipada dama gato loca. Afirmó que la orina de gato era el mejor fijador, por lo que sus cuadernos de bocetos a menudo están cubiertos con ella.
en la última década de su vida, Klimt dividió gran parte de su tiempo entre su estudio y jardín en Heitzing, en Viena, y la casa de campo de la familia Flöge, donde él y Emilie pasaron mucho tiempo juntos., Aunque había incuestionablemente un vínculo romántico entre ellos, se cree ampliamente que los dos nunca cedieron al deseo físico. Su cercanía, sin embargo, no suavizó la aversión de Klimt por el uso del lenguaje escrito: en una carta a Emilie, se frustró tanto que simplemente escribió: «¡al diablo con las palabras! Klimt fue igualmente conciso y descomplimentario al hablar de los lugares que había visitado; en una visita a Italia, solo pudo informar a Emilie que «hay mucho que es patético en Rávena – los mosaicos son tremendamente espléndidos.,»
durante estos veranos Klimt produjo muchas de sus impresionantes (pero frecuentemente subestimadas) pinturas de paisajes en plein air, como el Parque (1909-10), a menudo desde el punto de vista de un bote de remos o un campo abierto. Klimt tenía dos amores: la pintura y las mujeres, y su apetito por ambos era aparentemente insaciable. La vida personal de Klimt, sobre la que se esforzó por ser discreto, se ha convertido en un tema de considerable especulación entre críticos e historiadores, especialmente dados los numerosos retratos de mujeres de Klimt., En muchos casos, no se ha llegado a un consenso sobre la participación de Klimt con ciertas mujeres individuales; mientras que muchos informes juran por las relaciones íntimas de Klimt, otros – en parte debido a la falta de pruebas contundentes – dudan de que hubo alguna participación Romántica entre Klimt y esas mismas modelos.
mientras que Klimt no alteró su tema durante sus últimos años, su estilo pictórico sufrió cambios significativos. En gran medida, eliminando el uso de pan de oro y plata, y la ornamentación en general, el artista comenzó a usar sutiles mezclas de color, como lila, coral, Salmón y amarillo., Klimt también produjo un número asombroso de dibujos y estudios durante este tiempo, la mayoría de los cuales eran de desnudos femeninos, algunos tan eróticos que hasta el día de hoy rara vez se exhiben. Al mismo tiempo, muchos de los retratos posteriores de Klimt han sido elogiados por la mayor atención del artista al carácter y una supuesta nueva preocupación por la semejanza. Estas características son evidentes en Adele Bloch-Bauer II (1912) y Mada Primavesi (1913), así como en el extrañamente erótico The Friends (C., 1916-17), que retrata lo que parece ser una pareja lesbiana – una desnuda y la otra vestida – contra un fondo estilizado de pájaros y flores.
el 11 de enero de 1918, Klimt sufrió un derrame cerebral, que lo dejó paralizado en su lado derecho. Postrado en cama y ya no era capaz de pintar o incluso dibujar, Klimt se hundió en la desesperación y contrajo la gripe. El 6 de febrero murió, una de las víctimas más famosas de la pandemia de gripe de ese año. Fue uno de los cuatro grandes artistas vieneses que murieron ese año: Otto Wagner, Koloman Moser y Egon Schiele sucumbieron, este último también víctima de la gripe., En el momento de su muerte, varias corrientes del arte moderno, incluyendo el cubismo, el futurismo, el Dadá y el constructivismo, habían captado la atención de los europeos creativos. La obra de Klimt se consideraba entonces parte de una época pasada en la pintura, que todavía se centraba en las formas humanas y naturales en lugar de una deconstrucción, o renuncia absoluta, de esas mismas cosas.,
El Legado de la obra de Gustav Klimt
Klimt nunca se casó, nunca pintado de un solo auto-retrato destinados como tales; y nunca he pretendido ser revolucionar el arte de alguna manera. Klimt no viajó mucho, pero dejó Austria en una serie de visitas a otros lugares de Europa (aunque en la única ocasión que visitó París, se fue completamente impresionado)., Con la innovadora Secesión, el objetivo principal de Klimt era llamar la atención sobre los artistas vieneses contemporáneos y, a su vez, llamar su atención sobre el mundo mucho más amplio del arte moderno más allá de las fronteras de Austria. En este sentido, Klimt es responsable de ayudar a transformar Viena en un centro líder para la cultura y las artes en el cambio de siglo.
la influencia directa de Klimt en otros artistas y movimientos posteriores fue bastante limitada., De la misma manera que Klimt veneraba a Hans Makart, pero finalmente se desvió del estilo de su mentor, los artistas vieneses más jóvenes como Egon Schiele y Oskar Kokoschka veneraron a Klimt desde el principio, solo para madurar en formas de pintura más casi abstractas y expresionistas. A la edad de 17 años, Schiele buscó a Klimt, y desarrolló una amistad con el maestro que se revela hoy en varias comparaciones entre sus obras; Cardenal y monja de Schiele (caricia) de 1912, por ejemplo, se basa sin duda en el beso (amantes) de Klimt de 1907-08., Klimt presentó a Schiele a numerosos galeristas, artistas y modelos, incluyendo a Valerie (Wally) Neuzil, con quien Schiele comenzó una relación en 1911 alrededor del momento en que los dos se mudaron juntos a Krumau, en Bohemia (ahora Cesky Krumlov, en la República Checa), aunque en 1916 Neuzil regresó a Viena para modelar de nuevo para Klimt. Tanto Schiele como Klimt produjeron retratos de la rica mecenas de vanguardia Friederika Maria Beer-Monti, en 1914 y 1916, respectivamente; de hecho, inicialmente Klimt declinó el encargo para el retrato posterior de Beer-Monti porque Schiele ya había completado el suyo.,
mientras que algunos críticos e historiadores sostienen que la obra de Klimt no debe incluirse en el canon del Arte Moderno, su obra – particularmente sus pinturas posteriores a 1900-sigue siendo sorprendente por sus combinaciones visuales de lo antiguo y lo moderno, lo real y lo abstracto. Klimt produjo su mayor obra durante una época de expansión económica, cambio social y la introducción de ideas radicales, y estos rasgos son claramente evidentes en sus pinturas., Klimt creó un estilo muy personal, y el significado de muchas de sus obras no se puede descifrar completamente sin el conocimiento de sus propias relaciones personales con los representados y, debido a la cuidadosa discreción de Klimt en su vida privada, probablemente nunca se comprenderá completamente. Otras obras son prácticamente inescrutables debido a la desconcertante disposición de su contenido. Sin embargo, esta situación contribuye a la estatura de Klimt, ya que sus pinturas estarán continuamente envueltas en algún tipo de misterio e invitarán a innumerables interpretaciones e intensas reflexiones críticas.,
Klimt ha logrado una especie de inmortalidad a partir de la controversia que generó a partir del contenido de sus obras en el cambio de siglo y el misterio que rodea sus relaciones con sus modelos, pero incluso puede haber superado esto mucho después de su muerte con los destinos de algunas de sus obras más famosas., Varias de las pinturas de Klimt entraron en las colecciones de conocedores judíos en la década de 1930, y este hecho, probablemente combinado con el estatus de Klimt como un destacado artista moderno, contribuyó a su confiscación por los Nazis después de 1938 y a su colocación, si no destruida, en museos estatales. Mientras tanto, los propietarios originales y sus herederos, sobre todo la familia Altmann, que tenía reclamaciones sobre Adele Bloch – Bauer I de Klimt, han presentado demandas para recuperar las pinturas para propiedad privada, algunas de las cuales han tenido éxito., Tales eventos han elevado considerablemente el perfil de Klimt como artista, con la venta de algunas de estas Obras recuperadas trayendo precios récord.