comienzos
Apollodoros y Skiagraphia
las tendencias que conducen al desarrollo del claroscuro comenzaron en la Grecia clásica, donde el artista Apollodoros fue apodado Apollodoros Skiagraphos, o «pintor de sombras.»Esto se debió a su invención de skiagraphia, o «pintura de sombras», una técnica que usaba sombreado cruzado y gradaciones de tono., Desafortunadamente, como es el caso de la mayoría de la pintura griega clásica, su trabajo no ha sobrevivido, pero la técnica fue ampliamente adoptada en Atenas. Sobreviviendo en una forma más rudimentaria a lo largo de la era bizantina, skiagraphia se desarrolló aún más mediante el uso de incidendo y martizando, descritos por el historiador del arte Janis C. Bell como, «capas de blanco, marrón o negro en patrones lineales sobre un color uniforme», en la Baja Edad Media en Europa. La técnica se empleó a menudo en manuscritos iluminados.,
El Renacimiento
haciendo hincapié en el renacimiento de la antigüedad clásica, los artistas renacentistas redescubrieron y desarrollaron técnicas que permitieron crear figuras naturalistas pero idealizadas que habitaban un espacio tridimensional convincente. El dinero del tributo de Masaccio (1420) fue un ejemplo temprano de empleo del claroscuro para crear figuras volumétricas, iluminadas por una sola fuente de luz fuera del plano pictórico., Sin embargo, le quedó a Leonardo Da Vinci desarrollar plenamente la técnica, como se ve en su adoración de los magos (1481) y la Virgen de las rocas (1483-86). Sus figuras y retratos, que parecían fluidos y vivos con luz y sombra, influyeron en los artistas posteriores y también informaron el desarrollo posterior de la xilografía claroscura. Los artistas del renacimiento del Norte de Europa también adoptaron la técnica, particularmente para el arte religioso, en parte debido a la influencia de la Santa Brígida de Suecia del siglo XIV., Su famosa visión de la Natividad de Jesús describe al Niño Jesús, descansando en el suelo, su cuerpo emitiendo luz, mientras una rubia Virgen María, atendida por José, se arrodilla para rezarle. La visión se convirtió en el modelo para el sujeto popular, también llamado la adoración del niño.,
Arte Barroco
mientras que el arte barroco se alejó de las composiciones asimétricas y la figuración extenuada, a veces exagerada, del Manierismo a los principios clásicos del Renacimiento, enfatizando la figuración anatómicamente correcta y el espacio tridimensional convincente, lo hizo para enfatizar las escenas dramáticas, los escenarios casi teatrales y la intensa expresión individualista., En lugar de las sutiles transiciones de color y luz de Leonardo, Caravaggio llevó el claroscuro más allá desarrollando el tenebrismo, utilizando contrastes, como un gesto o una figura intensamente iluminada como si fuera un foco en un entorno oscuro. En el arte religioso, como se ve en su tríada de cuadros, que representa la llamada y el martirio de San Mateo para la Capilla Contarelli en Roma, la técnica hizo visualmente claros momentos en que la realidad ordinaria fue interrumpida por la iluminación de lo divino., En el arte secular, como se ve en su David con la cabeza de Goliat (1610), la técnica podría transmitir una profunda y a menudo trágica complejidad psicológica. Caravaggio era conocido como el» artista más famoso de Roma», y su uso del claroscuro influyó tanto en los artistas de toda Europa que, posteriormente, el término se ha utilizado a menudo como sinónimo de la época., Sin embargo, muchos maestros barrocos no solo emplearon la técnica sino que la encontraron un elemento esencial en la creación de un estilo individual distintivo, ya fuera la luz dorada de Rembrandt en Betsabé en su baño (1654), el deleite en el color y la sensualidad de Peter Paul Rubens en el desembarco de María de Médici en Marsella (1621-1625), o Velázquez donde las sombras y la luz se convierten en el misterio de la percepción misma como en Las Meninas (1656).,
Conceptos y Tendencias
el Claroscuro de Dibujo y grabados en madera
En el Renacimiento, los artistas desarrollaron los claroscuros de dibujo, ya que agregó blanco para los efectos de luces y negro para la oscuridad efectos. Muchas de estas obras, junto con pinturas renacentistas y dibujos al Aguado, fueron demandadas como reproducciones, y, en 1508, el artista alemán Hans Burgkmair inventó grabados en xilografía de claroscuro., Primero imprimió con un bloque de líneas, entintado en negro, para líneas de contorno y cruce, y luego usó bloques adicionales, entintado en variaciones tonales, para crear sombreado. Al cortar parte del bloque y dejar un área sin imprimir, los artistas crearon reflejos en las impresiones monocromáticas, que utilizaron principalmente marrón, negro, gris o verde. Lucas Cranach el viejo, Niccolò Vicentino, Nicolò Boldrini y Andrea Andreani fueron solo algunos de los artistas que adoptaron la técnica, que también involucró a Rafael, Parmigianino y Tiziano. Las innovaciones siguieron a menudo., Ugo da Carpi se convirtió en el primer artista italiano a adoptar la técnica alrededor de 1516, y los artistas italianos generalmente se imprimen con una serie de tono de bloques, haciendo hincapié en las transiciones de color y dejando fuera de la línea del bloque de contornos negros favorecido por los Europeos del Norte
Sfumato
Para mostrar los efectos de la luz sobre superficies curvas y mejorar los efectos de claroscuro, de Leonardo da Vinci perfeccionado la técnica del sfumato, que él describe como «sin líneas o fronteras, en la forma de humo o más allá del plano de enfoque.,»Es decir,» desaparecer como el humo, » sfumato implicó la aplicación de múltiples capas delgadas de esmalte para crear transiciones tonales suaves y gradaciones entre la luz y la sombra y añadió transiciones sutiles al claroscuro. Más tarde, Giorgio Vasari atribuyó su invención a Jan van Eyck y Roger van der Weyden, dos europeos del Norte del Renacimiento temprano, pero ya se identificó con Da Vinci, quien dominó la técnica en su Virgen de las rocas (1483-1486) y la Mona Lisa (1503-1506)., La técnica requería una experiencia significativa, ya que los científicos modernos han discernido que los esmaltes del artista a veces solo tenían una profundidad de un micrón, y estaban hechos de plomo blanco al que se le había agregado un uno por ciento de bermellón.
Otros artistas adoptado la técnica, incluyendo a Rafael, Correggio, Fra Bartolommeo, y Giorgione, y que también influyó en la «Leonardeschi», el nombre dado a la gran cantidad de artistas que se asocian con Leonardo o trabajado en su estudio. La innovación siguió, ya que Rafael desarrolló lo que la historiadora del arte contemporáneo Marcia B., Sala definida como unione. Buscando combinar las cualidades tonales de sfumato y las sombras suaves con su paleta de colores brillantes, utilizó cambios graduales de color para crear bordes mezclados, como se ve en su Madonna Alba (C. 1510) celebrada por su color vibrante y unidad fluida.
Tenebrism
Tenebrism, derivado de la tenebroso, una palabra italiana que significa «oscuro, tenebroso, sombrío,» que se utiliza dramáticos contrastes entre la luz y la oscuridad, como pinturas con áreas negras y profundas sombras sería iluminación intensa, a menudo por una sola fuente de luz., Si bien el tenebrismo se desarrolló a partir del claroscuro, a diferencia de esa técnica, no se esforzó por una mayor tridimensionalidad, sino que fue compositivo, utilizando la oscuridad profunda como una especie de espacio negativo, mientras que la luz intensa en otras áreas creó lo que se ha llamado «iluminación dramática».
aunque el artista renacentista Albrecht Dürer y los manieristas Tintoretto y El Greco usaron la técnica anteriormente, el tenebrismo generalmente se identifica con Caravaggio, quien no solo dominó la técnica sino que hizo de su efecto de «foco» una característica definitoria de su trabajo. Debido a obras como El Martirio de San, Matthew (1600) llegó a ser ampliamente influyente, tanto es así que tenebristi, grupos de artistas que emplean la técnica como la Escuela de Utrecht, se encontraron en todo el norte de Europa, Italia y España. El término tenebrismo se aplicó a menudo a las obras de Jusepe de Ribera, Francisco Ribalta y otros artistas españoles del siglo XVII. Al mismo tiempo, se asoció con la «tradición de la luz de las velas» del siglo XVII, un término que describe escenas nocturnas iluminadas por una sola vela, como se ve en algunas obras de Gerrit van Honthorst, Rembrandt y Georges de La Tour.,
desarrollos posteriores
después del período barroco, el claroscuro fue una técnica establecida, empleada por varios artistas en los siglos siguientes. Los principales artistas Rococó Fragonard, Watteau y Joseph Wright de Derby, emplearon el claroscuro para transmitir momentos de intimidad privada y ensoñación. En el período romántico, Géricault lo empleó para transmitir la tragedia de la balsa de la Medusa, mientras que Henry Fusilli pintó La pesadilla inquietante, y el tercero de mayo de Francisco Goya retrató la oscuridad del terror político., La técnica se podía dar vuelta a diversos propósitos que la hicieron una herramienta importante para crear un estilo individual en la era moderna.
en el siglo XX, la fotografía y el cine también lucharon por los efectos de claroscuro. Los fotógrafos modernistas, incluidos Ansel Adams, Edward Weston y W. Eugene Smith, a menudo usaban claroscuro, ya que el contraste de la luz y la sombra enfatizaba las cualidades formales de la imagen. Otros fotógrafos que han utilizado la técnica incluyen a Joseph Koudelka, Lothar Wolleh, Annie Leibovitz, Garry Winogrand y Ralph Gibson., La fotografía de estudio a menudo emplea la iluminación Rembrandt, una técnica que, utilizando una luz con un reflector o dos fuentes de luz, está destinada a crear los efectos de claroscuro de los retratos del artista, traducidos a un medio moderno.
en el cine, los expresionistas alemanes enfatizaron el claroscuro, como se ve en el gabinete del Dr. Caligari (1920) y Nosferatu (1922), así como metrópolis de Fritz Lang (1927).,
en Hollywood, el director de fotografía Gregg Toland utilizó por primera vez el claroscuro en The Life and Death of 9413: a Hollywood Extra (1928) y sus innovaciones en la década de 1930 informaron el género del cine negro y lo convirtieron en uno de los camarógrafos más buscados. Trabajó con la mayoría de los directores principales, pero es particularmente conocido por su trabajo en The Long Voyage Home (1940) de John Ford y Citizen Kane de Orson Welles. Al crear composiciones de enfoque profundo, Toland utilizó la sombra como un dispositivo dramático y pictórico, definiendo el fondo desde el primer plano., Influyó en muchos otros directores de fotografía, entre ellos Vittorio Storaro, Vilmos Zsigmond y László Kovács.
otros cineastas de Hollywood conocidos por su uso del claroscuro incluyen a William Dieterle, como se ve en su Jorobado de Notre Dame (1939) y el diablo y Daniel Webster (1941). La técnica fue igualmente prevalente en Europa. Sven Nykvist, que trabajó en muchas de las películas de Ingmar Bergman, utilizó lo que se ha llamado claroscuro realismo, y el cineasta ruso Andre Tarkovsky utilizó claroscuro en las escenas en blanco y negro que incluyó en Stalker (1979).