Holofernes’ head is upside down. su rostro se retuerce de agonía. Judith lleva su rodilla a su caja torácica mientras lucha salvajemente, empujando su puño contra el esternón de su sirvienta. Mientras Judith corta el cuello de Holofernes, la sangre brota de su garganta y corre hacia las sábanas de lino blanco.,

casi 400 años después, incluso los ciudadanos hastiados del mundo moderno se sorprenden por esta imagen, una pintura del momento clave en la historia de Judith, la viuda judía que salva a la ciudad de Betulia de atacar a los asirios asesinando a su comandante. Para los mecenas del arte italiano de principios del siglo XVII, con su gusto por las imágenes dramáticas, incluso violentas, el género y la notoriedad del artista solo aumentaron el efecto de la pintura., Empañada por el escándalo y obstaculizada por una sociedad que esperaba que las mujeres fueran monjas o esposas, Artemisia Gentileschi, sin embargo, se convirtió en la pintora más consumada de su tiempo. Ella era, según la inscripción en el grabado del artista Jerome David, » un milagro en la pintura, más fácilmente envidiada que imitada.»

en estos días, después de siglos de abandono, Artemisia está en todas partes. El New York Times la llamó «la chica de esta temporada»., Una nueva novela popular, La Pasión de Artemisia de Susan Vreeland, fue publicada en enero, y al mes siguiente, Lapis Blue Blood Red, una obra sobre ella, se estrenó fuera de Broadway. (Varios libros académicos, un catálogo raisonne y otras dos novelas también se han escrito diez sobre ella, y una de sus obras incluso figura en la trama de la serie de Teatro Masterpiece Painted Lady protagonizada por Helen Mirren. En 1997, fue objeto de una película francesa, Artemisia., Más importante aún, una exposición de sus obras—y las de su célebre padre, Orazio-en el Museo Metropolitano de arte de Nueva York ha contribuido en gran medida a consolidar su reputación como artista dinámica y original, una de las pocas pintoras de su tiempo lo suficientemente atrevidas como para abordar temas históricos y alegóricos.

«Orazio and Artemisia Gentileschi: Father and Daughter Painters in Baroque Italy» cuenta con 51 pinturas de Orazio y 35 de Artemisia., Expuesta hasta el 12 de mayo en el Met antes de trasladarse al Museo Saint LouisArt (del 14 de junio al 15 de septiembre), esta primera retrospectiva de las obras del Padre y la hija destaca sus respuestas divergentes a las influencias barrocas.

aunque en el caso de Artemisia el reconocimiento es desde hace mucho tiempo, la voluntariosa auto-promotora disfrutó de un éxito considerable en su propia vida. Pintora de duques, príncipes, cardenales y reyes, fue la primera mujer admitida en la prestigiosa Accademia del Disegno., «Me he visto honrada por todos los reyes y gobernantes de Europa a los que he enviado mis obras, no solo con grandes regalos, sino también con las cartas más favorecidas, que guardo conmigo», escribió a su amigo el astrónomo Galileo en 1635. Pero sus logros artísticos han tenido que competir con un evento de la vida real. A la edad de 17 años, fue violada por un colega de su padre. el juicio posterior, y la transcripción de 300 páginas que sobrevivió, han dado forma a la evaluación de la historia de la artista.,

Orazio Gentileschi fue uno de los primeros pintores en responder a una nueva estética que estalló en Roma en 1600, el séptimo verano de Artemisia. La presentación de un único encargo—las dos obras de Caravaggio sobre la vida de San Mateo—introdujo elementos clave de un nuevo canon, eventualmente llamado Barroco. Hasta ese verano, Orazio se había mantenido a sí mismo, a su esposa y a sus cuatro hijos ejecutando Encargos bastante sosos para varios retablos y capillas en Roma., Pero asombrado por la visión de Caravaggio, Orazio, de 37 años, abrazó con entusiasmo las narrativas dramáticas del artista más joven, los juegos dinámicos de luces y sombras, las composiciones energéticas y los primeros planos de la realidad, como la grupa de un caballo o un cadáver en descomposición. Caravaggio escandalizó al mundo del arte pintando directamente, de una manera no idealizada, a partir de modelos en vivo, algunos de los cuales, según el rumor, eran prostitutas; los rivales incluso afirmaron que había utilizado el cuerpo de una mujer ahogada como modelo para su madre de Cristo rígida y descalza en su lecho de muerte.,

Orazio se hizo amigo de Caravaggio e hizo rondas con él de tabernas baratas. Pero tal vez debido a la exaltación del joven y al propio «temperamento salvaje» de Orazio, como lo describió un contemporáneo, la amistad duró poco. La influencia de Caravaggio, sin embargo, no lo fue. Para la magnífica Virgen con el niño de Orazio (1609), designó como modelos a una vecina de la parroquia de Santa María del Popolo, donde vivía en ese momento, y a su hijo., Su representación naturalista de la Virgen, sin halo ni joyas, tiernamente cuidada, refleja la influencia de Caravaggio y sugiere un lado más suave del personaje de Orazio.

Artemisia tenía 12 años en 1605, el año en que su madre, Prudentia Montoni, murió en el parto. Orazio inicialmente no albergaba ambiciones artísticas para su única hija, imaginando una vida como monja para ella. Pero la ambición y el talento de Artemisia pronto se reafirmaron. Cuando tenía 15 años, bajo la tutela de su padre, había comenzado a asimilar los métodos de Caravaggio., Para su pintura más antigua conocida, Susanna and the Elders (1610), probablemente utilizó un modelo vivo, posiblemente ella misma reflejada en un espejo. Haciendo una escena de la historia bíblica de Susana, en la que dos ancianos codician a una joven matrona, Artemisia representa a una mujer desnuda voluptuosa retorcida en una postura defensiva por los avances de dos lecheros conspiradores. La obra sería demasiado profética.,

aunque Orazio mantuvo a su hija confinada en su casa, según la costumbre entre los romanos respetables de la época, el domicilio Gentileschi también funcionaba como su estudio, con su tráfico constante de modelos, colegas y clientes. La proximidad a los hombres alimentó rumores que empañaron la reputación de la joven Artemisia. El 6 de mayo de 1611, los chismes se convirtieron en lesiones reales. Después de haber confiado la supervisión de su hija de 17 años a un amigo de la familia, Orazio estaba lejos de la casa cuando su socio de negocios, y también pintor, Agostino Tassi entró en la casa y violó a Artemisia.,

en ese momento, la violación era vista más como un crimen contra el honor de una familia que como una violación de una mujer. Por lo tanto, solo cuando el casado Tassi renegó de su promesa de casarse con Artemisia Orazio presentó cargos contra él. En el juicio de ocho meses que siguió, Artemisia testificó que estaba pintando cuando Tassi entró en la habitación gritando, » no tanto pintura, no tanto pintura.»Luego agarró la paleta y los pinceles de sus manos y los tiró al suelo. Ella luchó y arañó en vano, finalmente lo atacó con un cuchillo., Para establecer su veracidad, las autoridades administraron una primitiva prueba de detector de mentiras, en forma de tortura con tornillos de pulgar, una práctica común en ese momento. Cuando las cuerdas se apretaron alrededor de sus dedos, se dijo que le gritó a Tassi: «este es el anillo que me das, Y estas son tus promesas.»

Ella debe haber pasado la prueba; Tassi fue condenado y sentenciado a cinco años de destierro de Roma (un castigo al parecer nunca forzada)., Para alejar a Artemisia de Roma y el consiguiente escándalo, Orazio arregló que se casara con un pintor florentino menor llamado Pierantonio Stiattesi. Poco después de la boda, los recién casados se fueron a Florencia, donde Orazio había pedido patrocinio para su hija a la gran duquesa de Toscana. – sé tan hábil que me atrevo a decir que hoy ella no tiene igual-se jactó ante la Duquesa. «De hecho, ha producido obras que demuestran un nivel de comprensión que tal vez incluso los principales maestros de la profesión no han alcanzado.,»

el trabajo de Artemisia en Florencia, donde perfeccionó su sentido del color en autorretratos y pinturas como la deslumbrante conversión de la Magdalena, marcaría el primer paso en su camino hacia el renombre artístico. Cuando dejó Florencia en 1620 o 1621, todavía a finales de sus 20 años, había pintado al menos siete obras para el influyente gran duque Cosme II de Médici y su familia. Pero como ella le escribió, «los problemas en casa y con mi familia», la pérdida de tres hijos y la aparente infidelidad y el gasto extravagante de su esposo, se habían cobrado su precio.,

ansiosa por un nuevo comienzo, se mudó a Roma y tomó una casa en la Via Del Corso con su esposo e hija Prudentia (la única de sus cuatro hijos que sobrevivió). La angustia financiera y los celos de su marido, sin embargo, continuaron erosionando su matrimonio. Una noche en 1622, después de encontrar a un grupo de españoles en su puerta serenata a su esposa, Pierantonio supuestamente cortó a uno de ellos en la cara. Más tarde abandonó a Artemisia y Prudentia (que también se convertiría en artista).,

la madre soltera encontró Encargos difíciles de conseguir (los gustos romanos habían cambiado mientras Artemisia estaba en Florencia). En 1627, con la esperanza de un nuevo patrocinio, se trasladó a Venecia, donde recibió un encargo de Felipe IV de España para pintar una pieza complementaria al descubrimiento de Aquiles de Pedro Pablo Rubens y Antonio van Dyck. Dos años más tarde, huyendo de la peste de 1630 (que acabó con un tercio de la población de Venecia), Artemisia se trasladó a Nápoles, entonces bajo el dominio español., Allí completó el primer retablo de su carrera y una comisión pública para una iglesia importante —honores que le habían eludido tal vez debido a su género. A lo largo de los años, Artemisia se quejaba repetidamente de las trampas de competir en un dominio exclusivamente masculino. «Te compadeces de mí porque el nombre de una mujer suscita dudas hasta que se ve su obra», escribió a su último gran mecenas, Don Antonio Ruffo, irritada por tener que regatear los precios y defender constantemente el valor y la originalidad de su arte. «Si yo fuera un hombre», declaró, » no puedo imaginar que hubiera resultado de esta manera.,»

Orazio se había quedado en Roma cuando Artemisia se fue a Florencia y se había ganado una reputación como uno de los mejores pintores de esa ciudad, ganando encargos para retablos importantes y ganando el patrocinio de la rica familia Savelli. En 1621, por invitación del noble Genovés Giovan Antonio Sauli, se trasladó a Génova, donde se embarcó en la fase más significativa de su carrera, pintando una serie de composiciones sensuales para Sauli: una Magdalena penitente, una Danaë y el lot multifigurado y sus hijas., Fue aquí donde pintó también su magistral Anunciación. «Estas son obras de arte impresionantes», dice Judith Mann, curadora de arte europeo temprano en el Museo Saint LouisArt y cocuradora de la exposición actual. «Te hacen jadear al entrar en la habitación.»

en la Anunciación de Orazio, una representación del ángel Gabriel arrodillado ante la Virgen María, una opulenta cortina roja, sábanas blancas crujientes y la delicada bufanda dorada de la Virgen captan la luz. La disposición formal de las figuras de Orazio infunde la pintura con una solemnidad devocional., La pintura sugiere la divergencia estilística entre padre e hija después de cada salida de Roma. Orazio atemperó el drama que aprendió de Caravaggio con su propio sentido del refinamiento. Sus composiciones más formales enfatizan el color y una representación precisa de la superficie y la textura en lugar de gestos dramáticos. Artemisia creó una sensación de inmediatez y utilizó detalles reveladores, como el elegante brazalete que rodea el brazo asesino de Judith, como contrapunto a sus representaciones gráficas, aumentando así el drama.,

en Artemisia circa 1625-1627 Judith y su criada, una versión menos espeluznante de la muerte de Holofernes a menudo citada como un estudio de caso del Alto Barroco, Judith y su criada hacen una pausa, pareciendo escuchar un ruido fuera de la tienda de Holofernes. El interior sombrío está teatralmente iluminado por una sola vela. La mano de Judith protege su cara del resplandor, llamando la atención sobre el guante de hierro desechado de Holofernes. El ojo del espectador viaja al objeto en manos de la criada: La cabeza cortada de Holofernes.,

«las pinturas de lo que no puedes ver, lo que no puedes oír, abundan en el arte del siglo XVII», dice Keith Christiansen, curador de pinturas italianas en el Met y cocurador de la exposición. En una pintura del mismo tema hecha 20 años antes, Orazio tomó un rumbo diferente. En su versión, las mujeres también parecen fuera del escenario, pero su lenguaje corporal es más estilizado. Los pliegues de sus vestidos coinciden, al igual que sus perfiles, como si los dos asesinos estuvieran en un baile. «Artemisia a menudo toma la ruta de George Lucas, con el objetivo de lograr un efecto teatral», dice Christiansen., «Ella quiere que seas completamente rechazado. Orazio comunica este momento psicológico de una manera formal, haciendo hermosa incluso la cabeza fea. Él favorece la tela; ella favorece la sangre. Es el zapato suave de su estilete.»

dado el trauma temprano de Artemisia, muchos espectadores modernos ven obras como Judith y su sirvienta y, más particularmente, Judith matando a Holofernes, como pintura de venganza. Pero los estudiosos no están de acuerdo sobre el significado de la violación en su trabajo., Los clientes ricos con un gusto por la violencia y el erotismo pueden haber tenido tanto que ver con su tema como con los recuerdos dolorosos (y Judith también era un tema popular entre los artistas masculinos). Además, como señala Mann, menos de una cuarta parte de las pinturas conocidas de Artemisia presentan mujeres vengativas. «No le damos a Artemisia la debida si la vemos en esa rutina», dice Mann. «Probablemente nos estamos perdiendo mucho debido a esa expectativa.»También faltan, por desgracia, la mayoría de las pinturas sobre las que se construyó su reputación como retratista., Solo el retrato de un Gonfaloniere (un magistrado cívico) y algunos autorretratos, como La Pittura, permanecen. En Autorretrato como intérprete de laúd, probablemente pintado mientras Artemisia estaba en Florencia, la artista, luciendo serenamente hermosa, se retrata a sí misma como una músico con un elegante vestido Florentino.

cuando orazio entró en sus 60 años, su éxito en Génova lo envalentonó para comercializar sus habilidades con María de Médici, la reina madre de Francia y miembro de la familia más prestigiosa de la Toscana., Fue a petición de ella que se trasladó a París en 1624, donde ejecutó pinturas para su Palais du Luxembourg. La conexión de Orazio con la reina madre pagó otros dividendos. Poco después de que su hija Enriqueta María se casara con Carlos I de Inglaterra, Orazio fue reclutado por el duque de Buckingham, a quien había conocido en la boda, para venir a la corte del rey inglés.

Orazio, de 62 años, fue instalado en amplios barrios de Londres, con generosos gastos de subsistencia e invitado a cenas con la realeza., Como el único pintor italiano y uno de los pocos artistas Católicos en Londres, encontró su camino en el círculo de la Reina Católica Enriqueta María. Pronto lo tuvo trabajando en el proyecto más extenso de su carrera—el techo de su casa en Greenwich—una representación de nueve lienzos de figuras alegóricas.

en 1638 o 1639, después de eludir una citación de cuatro años de Carlos I y una súplica de su padre, Artemisia finalmente se mudó a Londres., Sus intentos de obtener trabajo de poderosas conexiones en Italia habían fracasado, y a pesar de la desagradable perspectiva de trabajar para un rey protestante y la tensión del viaje, necesitaba dinero urgentemente.

los detalles de cualquier reunión con su padre—habrían pasado al menos 17 años desde que se habían visto—se pierden. En febrero de 1639, Orazio murió a la edad de 75 años, después de 13 años de servicio en la corte de Carlos I, quien lo honró con un funeral lujoso.,

Artemisia permaneció en Londres durante dos años, hasta que las garantías de trabajo la trajeron de vuelta alrededor de 1641 a Nápoles, donde vivió hasta su muerte en 1652 o ’53, produciendo obras como Galatea y Diana en su baño para Don Antonio Ruffo. Cuando le ofreció menos del precio acordado por la Diana, Artemisia se indignó: «creo que su ilustre Señorío no sufrirá ninguna pérdida conmigo», escribió en 1649, «y que encontrará el espíritu de César en esta alma de mujer.,»

en 1653, poco después de la muerte de Artemisia, dos conocidos poetas, Pietro Michiele y Gianfrancesco Loredan, el último de los cuales le había escrito cartas de amor, colaboraron en la publicación de un poema escrito en su voz: «al pintar los retratos de éste y aquel, adquirí un mérito infinito en el mundo./ Al tallar los cuernos que le di a mi marido, / abandoné el cepillo y tomé el cincel.,»

aunque quizás los sentimientos de un pretendiente rechazado, las líneas capturan acertadamente el dilema histórico de Artemisia: durante siglos su talento fue eclipsado por los rumores y el escándalo que rodeaba su vida personal. Ahora, ella está recibiendo el reconocimiento que sentía que se merecía. «Las obras», declaró una vez, » hablarán por sí mismas.”

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