Biografie von Gustav Klimt
Kindheit
Geboren und Ernst Klimt, gold-Gravur, die ursprünglich aus Böhmen, und der Anna Finster, eine aufstrebende, aber erfolgloser musical-Darsteller, Gustav Klimt war das zweite von sieben Kindern, die in den kleinen Vorort Baumgarten, südwestlich von Wien. Die Familie Klimt war arm, da die Arbeit in den Anfangsjahren des Habsburger Reiches, insbesondere für ethnische Minderheiten, zum großen Teil aufgrund des Börsencrashs von 1873 knapp war.,
Zwischen 1862 und 1884 zogen die Klimts häufig um, lebten an nicht weniger als fünf verschiedenen Adressen und suchten immer günstigeren Wohnraum. Neben finanziellen Nöten erlebte die Familie zu Hause viel Tragödie. Im Jahr 1874 starb Klimts jüngere Schwester Anna im Alter von fünf Jahren nach langer Krankheit. Nicht lange danach erlitt seine Schwester Klara einen Nervenzusammenbruch, nachdem sie religiöser Inbrunst erlegen war.
Schon früh zeigten Klimt und seine beiden Brüder Ernst und Georg offensichtliche künstlerische Gaben., Gustav wurde jedoch von seinen Lehrern als außergewöhnlicher Zeichner während des Besuchs der Sekundarschule hervorgehoben. Im Oktober 1876, als er vierzehn war, ermutigte ihn ein Verwandter, die Aufnahmeprüfung für die Kunstgewerbeschule, die Wiener Kunstgewerbeschule, abzulegen, und er bestand mit Auszeichnung. Er sagte später, dass er beabsichtige, Zeichnermeister zu werden und eine Lehrstelle an einer Burgerschule einzunehmen, dem Wiener Äquivalent einer öffentlichen Grundschule aus dem 19.,
Klimt begann seine formale Ausbildung in Wien, während sich die Stadt in einem bedeutenden Wandel befand. Im Jahr 1858 befahl Kaiser Franz Joseph I. die Zerstörung der Überreste der alten mittelalterlichen Verteidigungsmauern, die den zentralen Teil der Stadt umgaben, und ließ einen großen kreisförmigen Raum zurück, der als eine Reihe breiter Boulevards, die als Ringstraße („Ringstraße“) bekannt sind, saniert wurde., In den nächsten dreißig Jahren wurde die Ringstraße von Bäumen und großen bürgerlichen Wohnhäusern gesäumt, sowie von vielen neuen Gebäuden, in denen verschiedene bürgerliche und kaiserliche Regierungsinstitutionen untergebracht waren, darunter Theater, Kunstmuseen, die Universität Wien und das österreichische Parlamentsgebäude. Zusammen mit der neu gebauten Stadtbahn, der Ankunft elektrischer Straßenlaternen und Stadtingenieuren, die die Donau umleiten, um Überschwemmungen zu vermeiden, trat Wien in ein goldenes Zeitalter der Industrie, Forschung und Wissenschaft ein, angetrieben von modernen Fortschritten in diesen Bereichen., Eine Sache, die Wien jedoch noch nicht hatte, war ein revolutionärer Geist gegenüber den Künsten.
Ausbildung und früher Erfolg
Der Lehrplan und die Lehrmethoden der Kunstgewerbeschule waren für ihre Zeit ziemlich traditionell, was Klimt nie in Frage stellte oder in Frage stellte. Durch eine intensive Ausbildung im Zeichnen wurde er beauftragt, Dekorationen, Designs und Gipsabdrücke klassischer Skulpturen originalgetreu zu kopieren. Sobald er sich in dieser Hinsicht bewährt hatte, durfte er erst dann Figuren aus dem Leben zeichnen., Klimt beeindruckte seine Lehrer von Anfang an und schloss sich bald einer Sonderklasse mit Schwerpunkt Malerei an, in der er beträchtliches Talent zeigte, lebende Figuren zu malen und mit einer Vielzahl von Werkzeugen zu arbeiten. Die Ausbildung des jungen Künstlers umfasste auch enge Studien zu den Werken von Tizian und Peter Paul Rubens. Klimt hatte auch Zugang zum Reichtum an Gemälden des Spanischen Meisters Diego Velázquez, für dessen Werk er eine solche Vorliebe entwickelte, dass Klimt später im Leben bemerkte: „Es gibt nur zwei Maler: Velázquez und I.,“
Klimt wurde auch ein großer Bewunderer von Hans Makart (dem berühmtesten Wiener Historienmaler dieser Zeit) und insbesondere seiner Technik, die dramatische Lichteffekte und eine offensichtliche Liebe zu Theatralik und Festzug einsetzte. An einem Punkt, als er noch Student war, soll Klimt einen von Makarts Dienern bestochen haben, um ihn in das Atelier des Malers zu lassen, damit Klimt die neuesten Arbeiten studieren konnte.,
Kurz vor seinem Ausscheiden aus der Kunstgewerbeschule schloss sich Klimt der Malklasse seines jüngeren Bruders Ernst und eines jungen Malers namens Franz Matsch an, einem weiteren begabten Wiener Künstler, der sich auf großformatige dekorative Arbeiten spezialisierte. Klimt und Matsch beendeten beide ihr Studium 1883 und mieteten zusammen ein großes Studio in Wien. Trotz dieses Umzugs und seines frühen Erfolgs unterhielt Klimt seinen Wohnsitz bei seinen Eltern und überlebenden Schwestern., Klimt und Matsch wurden bald zu Künstlern, die bei der kulturellen Elite der Stadt, darunter prominente Architekten, Persönlichkeiten der Gesellschaft und Beamte, sehr gefragt waren. Bereits 1880 empfahlen Klimt und Matsch ihrem Malerprofessor Ferdinand Laufberger, im Auftrag eines Wiener Architekturbüros, das sich auf Theatergestaltung spezialisiert hat, einen Auftrag für vier Gemälde zu vergeben.
Trotz der Nachfrage war die Bezahlung für Klimt und Matschs Leistungen nicht lukrativ., Als Klimt, sein Bruder Ernst und Matsch die Aufgabe übergaben, die große Treppe des neuen Burgtheaters zu schmücken, stellte das Trio fest, dass ihre Provision die Kosten für die Einstellung von Modellen nicht decken würde, und engagierte Freunde und Familie. Heute kann man Klimts Schwestern Hermine und Johanna (zusammen mit allen drei Künstlern) unter den Zuschauern in Shakespeares Theater sehen, während ihr Bruder Georg den sterbenden Romeo spielt. Dies ist übrigens das einzige erhaltene Selbstporträt von Klimt.,
Reifezeit
Ende 1892 waren sowohl der ältere Ernst Klimt – Gustavs Vater – als auch sein jüngerer Bruder Ernst gestorben, letzterer ganz plötzlich an einer Perikarditis. Diese Todesfälle betrafen Gustav zutiefst, der jetzt finanziell für seine Mutter verantwortlich war, Schwestern, Witwe des Bruders, und ihre kleine Tochter. Die Witwe seines Bruders Ernst, Helene Flöge , mit der er nur fünfzehn Monate verheiratet war, und ihre bürgerliche Familie hatten Häuser sowohl in der Stadt als auch auf dem Land, wo Klimt häufig zu Gast war., Klimt begann bald eine innige Freundschaft mit Helenes Schwester Emilie Flöge, die für den Rest seines Lebens andauern und die Grundlage für eines seiner berühmtesten Porträts bilden sollte.
Klimts Arbeitstempo verlangsamte sich nach dem Tod seines Bruders und Vaters. Der Künstler begann auch, die Konventionen der akademischen Malerei in Frage zu stellen, was zu einer Kluft zwischen Klimt und seinem langjährigen Partner Matsch führte. 1893 wandte sich das Künstlerische Beratende Komitee des Bildungsministeriums an Matsch, um die Decke des neu gebauten Großen Saals der Universität Wien zu schmücken., Klimt schloss sich schließlich dem Projekt an (ob auf Wunsch von Matsch oder des Ministeriums), aber diese Zusammenarbeit wäre die letzte zwischen den beiden Männern.
Klimt wurde gebeten, drei große Deckengemälde für die Große Halle der Universität zu produzieren, darunter Philosophie (1897-98), Medizin (1900-01) und Rechtswissenschaft (1899-1907). Zu seiner Überraschung entschied sich Klimt für diese Gemälde für eine sehr dekorative Symbolik, die schwer zu lesen ist, und markierte so eine bedeutende Wendung in seiner Einstellung zu Malerei und Kunst im Allgemeinen., Es kam zu erheblichen Kontroversen über Klimts Universitätsbilder, insbesondere aufgrund der Nacktheit einiger Figuren in der Medizin und teilweise aufgrund von Anschuldigungen, dass der Gegenstand vage war. Die Universitätsbilder wurden nie installiert, und nach der Kontroverse beschloss Klimt, nie wieder eine öffentliche Kommission zu akzeptieren.
Gründung der Wiener Secession
Klimts Arbeiten an den Gemälden der Universität Wien fielen mit einem breiteren Schisma innerhalb der Wiener Kunstgemeinschaft zusammen., 1897 verzichtete er zusammen mit mehreren anderen modernen Künstlern und Designern auf seine Mitgliedschaft im Kunstlerhaus, Wiens führendem Künstlerverband, dem Klimt seit 1891 angehört. Das Kunstlerhaus kontrollierte den Hauptort für die Ausstellung zeitgenössischer Kunst in der Stadt, und Klimt und seine Mitmodernisten beklagten sich, dass ihnen die gleichen Privilegien bei der Ausstellung von Werken dort verwehrt würden, weil das Kunstlerhaus, das einen Auftrag für dort ausgestellte Werke erhielt, die meistverkauften konservativen Werke begünstigte.,
Die modernistische Kohorte formierte sich sofort zur Gründung der Wiener Secession (auch bekannt als Union der österreichischen Künstler) im Jahr 1897. Zu der Gruppe gehörten neben Klimt auch Josef Hoffmann, Koloman Moser und Joseph Maria Olbrich. Klimt wurde zum Gründungspräsidenten der Secession ernannt., Seine Gründungsprinzipien waren folgende: jungen und unkonventionellen Künstlern eine Möglichkeit zu geben, ihre Werke zu zeigen; Wien den großen Werken ausländischer Künstler auszusetzen (nämlich den französischen Impressionisten, was das Kunstlerhaus nicht getan hatte); und eine Zeitschrift mit dem Titel Ver Sacrum („Heiliger Frühling“) zu veröffentlichen, die ihren Namen von der römischen Tradition der Städte erhielt, die jüngere Generationen ihrer Bürger auf eigene Faust entsandten, um eine neue Siedlung zu gründen.,
Durch eine Reihe von Ausstellungen, die Klimt maßgeblich mitorganisierte, etablierte sich die Secession schnell in der Kunstszene der Stadt. Viele von ihnen zeigten Arbeiten ausländischer zeitgenössischer Künstler, die zu korrespondierenden Mitgliedern der Gruppe wurden. Die Ausstellungen wurden von der Öffentlichkeit sehr geschätzt und lösten überraschend wenig Kontroversen aus, da die Wiener wenig bis gar keine Exposition gegenüber moderner Kunst hatten., Ausstellung, eine Feier des Komponisten Ludwig van Beethoven, für die Klimt seinen berühmten Beethovenfries malte, ein massives und komplexes Werk, das paradoxerweise keinen expliziten Bezug zu Beethovens Kompositionen nahm. Stattdessen wurde es als eine komplexe, lyrische und hoch verzierte Allegorie des Künstlers als Gott angesehen.,
Obwohl die Secession der Idee des Gesamtkunstwerks oder der vollständig und harmonisch gestalteten Umgebung gewidmet war, versuchte sie, die Kunst über dem Bereich kommerzieller Belange zu halten, was sich für ihre Mitglieder als problematisch erwies, insbesondere für dekorative Künstler, deren Arbeit bei der Gestaltung nützlicher Objekte einen kommerziellen Erfolg erforderte. Im Jahr 1903 gründeten zwei ihrer prominenten Mitglieder, Josef Hoffmann und Koloman Moser, eine neue Organisation, die Wiener Werkstätte, die sich der Förderung und Gestaltung dekorativer Kunst und Architektur für solche Zwecke widmete., Klimt, der sowohl Hoffmann als auch Moser nahe stand, arbeitete danach an mehreren Projekten der Werkstatt zusammen, insbesondere an dem riesigen mehrteiligen Lebensbaum-Fries für das Palais Stoclet in Brüssel, dem größten Gesamtkuntswerk der Werkstatt, zwischen 1905-10.
1905 traten Klimt und einige seiner Mitstreiter von der Wiener Secession zurück, weil sie sich nicht einig waren über die Verbindung der Gruppe mit lokalen Galerien, die in Wien nicht besonders stark waren, um ihre Kunst zu vermarkten., Trotz ihrer eigenen Ausstellungsfläche, Die Sezessionisten waren immer noch von einem Mangel an einem systematischen Ort verfolgt, um den Verkauf ihrer Arbeit abzuschließen. Die Klimtgruppe (wie Klimt und seine Unterstützer, darunter Moser und Josef Maria Auchentaller genannt wurden) schlug vor, die Galerie Miethke von der Sezession zu kaufen, wurde jedoch mit einer Stimme abgelehnt, als der Vorschlag vor die Mitgliedschaft gestellt wurde, da die Opposition die Sezession vollständig von kommerziellen Interessen trennen wollte., Der Rücktritt der Klimtgruppe entkernte die Sezession ihrer international prominentesten Mitglieder; dennoch hat sie sich in den Jahren, in denen sie sich viele Male neu erfunden hat – oft zeitgleich mit Führungswechseln – und ist heute die einzige österreichische Künstlergesellschaft, die sich der Förderung zeitgenössischer Kunst widmet.,
Spätperiode und Tod
Im Jahrzehnt zwischen 1898 und 1908 erreichte Klimt ‚ s persönlicher Stil, der Elemente sowohl der vormodernen als auch der modernen Epoche reich kombinierte, während seiner Arbeit als Mitglied der Sezession und in den Kommissionen für die Universität seine volle Reifung. Er produzierte einige seiner berühmtesten Werke in diesen Jahren, die zusammen jetzt seine „Goldene Phase“ umfassen, die größtenteils auf Klimts umfangreichen Einsatz von Blattgold zurückzuführen ist., Zu diesen Gemälden gehören das Mohnfeld (1907), der Kuss (1907-08) sowie die Porträts Pallas Athene (1898), Judith I. (1901) und Adele Bloch-Bauer I. (1903-07). Trotz des Respekts, der ihnen heute entgegengebracht wurde, war der Empfang damals nicht immer so freundlich: Ein Kritiker witzelte, als er Bloch-Bauer I zum ersten Mal sah, dass es „mehr blech als Bloch“ sei., Wenn Klimt die Reaktion auf seine Bilder nicht mochte, war er wahrscheinlich froh, dass Kritiker seine Skizzenbücher nie sehen konnten, da Klimt in gewisser Weise das männliche Äquivalent der stereotypen Crazy Cat Lady des frühen 20. Er behauptete, dass Katzenurin das beste Fixiermittel sei, und so sind seine Skizzenbücher oft darin enthalten.
In den letzten zehn Jahren seines Lebens teilte Klimt einen Großteil seiner Zeit zwischen seinem Atelier und Garten in Heitzing in Wien und dem Landhaus der Familie Flöge auf, wo er und Emilie viel Zeit miteinander verbrachten., Obwohl es zweifellos eine romantische Bindung zwischen ihnen gab, Es wird allgemein angenommen, dass die beiden niemals dem physischen Verlangen nachgingen. Ihre Nähe milderte jedoch nicht Klimts Abneigung gegen die Verwendung schriftlicher Sprache: In einem Brief an Emilie wurde er so frustriert, dass er einfach schrieb: „Zur Hölle mit Worten!“Klimt war ebenso knapp und unkompliziert, als er über Orte sprach, die er besucht hatte; Bei einem Besuch in Italien konnte er Emilie nur berichten, dass „in Ravenna vieles erbärmlich ist – die Mosaike sind enorm großartig.,“
Während dieser Sommer produzierte Klimt viele seiner atemberaubenden (aber häufig unterschätzten) en plein Air Landschaftsbilder, wie den Park (1909-10), oft aus dem Blickwinkel eines Ruderboots oder eines offenen Feldes. Klimt hatte zwei Lieben: Malerei und Frauen, und sein Appetit auf beides war scheinbar unersättlich. Klimts persönliches Leben, über das er sich diskret bemühte, ist infolgedessen unter Kritikern und Historikern, insbesondere angesichts der zahlreichen Frauenporträts Klimts, ziemlich berühmt geworden., In vielen Fällen, Es wurde kein Konsens über Klimts Beteiligung an bestimmten einzelnen Frauen erzielt; Während viele Berichte auf Klimts intime Verbindungen schwören, Andere – teilweise aufgrund des Mangels an harten Beweisen – bezweifeln, dass es eine romantische Beteiligung zwischen Klimt und denselben Sittern gab.
Während Klimt sein Thema in seinen letzten Jahren nicht veränderte, änderte sich sein malerischer Stil erheblich. Der Künstler verzichtete weitgehend auf die Verwendung von Blattgold und Silber und verzierte im Allgemeinen mit subtilen Farbmischungen wie Flieder, Koralle, Lachs und Gelb., Klimt produzierte in dieser Zeit auch eine erstaunliche Anzahl von Zeichnungen und Studien, von denen die meisten weibliche Akte waren, einige so erotisch, dass sie bis heute selten ausgestellt werden. Gleichzeitig wurden viele von Klimts späteren Porträts für die größere Aufmerksamkeit des Künstlers auf den Charakter und eine vermeintliche neue Sorge um das Gleichnis gelobt. Diese Merkmale zeigen sich in Adele Bloch-Bauer II (1912) und Mada Primavesi (1913), sowie die seltsam erotischen Die Freunde (c., 1916-17), die ein scheinbar lesbisches Paar – eines nackt und das andere bekleidet – vor einem stilisierten Hintergrund aus Vögeln und Blumen darstellt.Januar 1918 erlitt Klimt einen Schlaganfall, der ihn auf seiner rechten Seite gelähmt ließ. Bettlägerig und nicht mehr in der Lage zu malen oder sogar zu skizzieren, versank Klimt in Verzweiflung und zog sich eine Grippe zu. Am 6. Februar starb er, eines der berühmtesten Opfer der diesjährigen Grippepandemie. Er war nur einer von vier großen Wiener Künstlern, die in diesem Jahr starben: Otto Wagner, Koloman Moser und Egon Schiele erlag, letzterer auch ein Influenza-Opfer., Zum Zeitpunkt seines Todes hatten verschiedene Stränge der modernen Kunst, darunter Kubismus, Futurismus, Dada und Konstruktivismus, die Aufmerksamkeit kreativer Europäer auf sich gezogen. Klimts Werk galt damals als Teil einer vergangenen Ära in der Malerei, die sich immer noch auf menschliche und natürliche Formen konzentrierte und nicht auf eine Dekonstruktion oder einen völligen Verzicht auf genau diese Dinge.,
Das Erbe von Gustav Klimt
Klimt hat nie geheiratet; nie ein einziges Selbstporträt gemalt, das als solches gedacht war; und nie behauptet, die Kunst in irgendeiner Weise zu revolutionieren. Klimt reiste nicht ausgiebig, aber er verließ Österreich bei einer Reihe von Besuchen an anderen Orten in Europa (obwohl er einmal Paris besuchte, ließ er völlig unbeeindruckt)., Mit der bahnbrechenden Secession wollte Klimt in erster Linie auf zeitgenössische Wiener Künstler aufmerksam machen und ihrerseits auf die viel breitere Welt der modernen Kunst jenseits Österreichs Grenzen aufmerksam machen. In diesem Sinne trägt Klimt dazu bei, Wien um die Jahrhundertwende zu einem führenden Zentrum für Kultur und Kunst zu machen.
Klimts direkter Einfluss auf andere Künstler und nachfolgende Bewegungen war sehr begrenzt., Sehr in der Art, wie Klimt Hans Makart verehrte, aber schließlich vom Stil seines Mentors abweichte, verehrten jüngere Wiener Künstler wie Egon Schiele und Oskar Kokoschka Klimt schon früh, nur um zu quasi-abstrakteren und expressionistischeren Formen der Malerei zu reifen. Im Alter von 17 Jahren suchte Schiele Klimt und entwickelte eine Freundschaft mit dem Meister, die sich heute in mehreren Vergleichen zwischen ihren Werken zeigt; Schieles Kardinal und Nonne (Liebkosung) von 1912, zum Beispiel, basiert zweifellos auf Klimt Der Kuss (Liebhaber) von 1907-08., Klimt stellte Schiele zahlreichen Galeristen, Künstlern und Models vor, darunter Valerie (Wally) Neuzil, mit der Schiele 1911 eine Beziehung begann, als die beiden zusammen nach Krumau in Böhmen (heute Cesky Krumlov) zogen Tschechische Republik) – obwohl Neuzil 1916 nach Wien zurückkehrte, um wieder für Klimt zu modellieren. Sowohl Schiele als auch Klimt produzierten 1914 bzw. 1916 Porträts des wohlhabenden Avantgardepatrons Friederika Maria Beer-Monti; Tatsächlich lehnte Klimt zunächst den Auftrag für das spätere Porträt von Beer-Monti ab, weil Schiele sein bereits fertiggestellt hatte.,
Während einige Kritiker und Historiker behaupten, dass Klimts Werk nicht in den Kanon der modernen Kunst aufgenommen werden sollte, fällt sein Oeuvre – insbesondere seine Gemälde postdating 1900 – durch seine visuellen Kombinationen von Altem und Modernem, Realem und Abstraktem auf. Klimt produzierte sein größtes Werk in einer Zeit der wirtschaftlichen Expansion, des sozialen Wandels und der Einführung radikaler Ideen, und diese Merkmale zeigen sich deutlich in seinen Gemälden., Klimt schuf einen sehr persönlichen Stil, und die Bedeutung vieler seiner Werke kann ohne Kenntnis seiner persönlichen Beziehungen zu den Abgebildeten nicht vollständig entschlüsselt werden und wird aufgrund von Klimts sorgfältiger Diskretion in seinem Privatleben wahrscheinlich nie vollständig verstanden werden. Andere Werke sind aufgrund der verwirrenden Anordnungen ihres Inhalts praktisch unergründlich. Diese Situation trägt dennoch wohl zu Klimts Statur bei, da seine Bilder ständig in ein Geheimnis gehüllt sein werden und unzählige Interpretationen und intensive kritische Wiederkäuen einladen.,
Klimt hat eine Art Unsterblichkeit durch die Kontroverse erreicht, die er um die Jahrhundertwende aus dem Inhalt seiner Werke und dem Geheimnis um seine Beziehungen zu seinen Sittern hervorgerufen hat, aber er hat dies vielleicht sogar lange nach seinem Tod mit dem Schicksal einiger seiner berühmtesten Werke übertroffen., Einige von Klimts Gemälden gelangten in den 1930er Jahren in die Sammlungen jüdischer Kenner, und diese Tatsache, wahrscheinlich kombiniert mit Klimt ‚ s Status als prominenter moderner Künstler, trug zu ihrer Beschlagnahme durch die Nazis nach 1938 und ihrer Platzierung nach dem Krieg, wenn nicht zerstört, in staatlichen Museen bei. Inzwischen haben die ursprünglichen Eigentümer und ihre Erben – vor allem die Familie Altmann, die Ansprüche auf Klimts Adele Bloch-Bauer I erhoben – Klage eingereicht, um die Gemälde in Privatbesitz zurückzugewinnen, von denen einige erfolgreich waren., Solche Ereignisse haben Klimt ‚ s Profil als Künstler erheblich gesteigert, wobei der Verkauf einiger dieser wiederhergestellten Werke Rekordpreise brachte.