Madame Lelica

EntwicklungEdit

Der Roman Fight Club von Chuck Palahniuk wurde 1996 veröffentlicht. Vor seiner Veröffentlichung schickte ein Fox Searchlight Pictures Book Scout einen Galeerenbeweis des Romans an den Kreativdirektor Kevin McCormick. Die Exekutive beauftragte einen Studioleser, den Beweis als Kandidaten für eine Verfilmung zu überprüfen, aber der Leser entmutigte es. McCormick leitete den Beweis dann an die Produzenten Lawrence Bender und Art Linson weiter, die ihn ebenfalls ablehnten. Die Produzenten Josh Donen und Ross Bell sahen Potenzial und äußerten Interesse., Sie arrangierten unbezahlte Bildschirmlesungen mit Schauspielern, um die Länge des Drehbuchs zu bestimmen, und eine erste Lesung dauerte sechs Stunden. Die Produzenten schneiden Abschnitte aus, um die Laufzeit zu verkürzen, und sie verwendeten das kürzere Skript, um den Dialog aufzuzeichnen. Bell schickte die Aufnahme an Laura Ziskin, Leiterin der Abteilung Fox 2000, die das Band hörte und die Rechte an Fight Club von Palahniuk für 10.000 US-Dollar kaufte.

Ziskin überlegte zunächst, Buck Henry einzustellen, um die Adaption zu schreiben, und fand Fight Club ähnlich dem Film The Graduate von 1967, den Henry adaptiert hatte., Als ein neuer Drehbuchautor, Jim Uhls, Donen und Bell für den Job lobte, wählten die Produzenten ihn über Henry. Bell kontaktierte vier Regisseure, um den Film zu leiten. Er hielt Peter Jackson für die beste Wahl, aber Jackson war zu beschäftigt damit, 1996 den Film The Frighteners in Neuseeland zu drehen. Bryan Singer erhielt das Buch, las es aber nicht. Danny Boyle traf sich mit Bell und las das Buch, aber er verfolgte einen anderen Film. David Fincher, der Fight Club gelesen hatte und versucht hatte, die Rechte selbst zu kaufen, sprach mit Ziskin über die Regie des Films., Er zögerte zunächst, den Auftrag bei 20th Century Fox anzunehmen, weil er 1992 eine unangenehme Erfahrung mit der Regie des Films Alien 3 für das Studio hatte. Um seine Beziehung zum Studio zu reparieren, traf er sich mit Ziskin und Studio Head Bill Mechanic. Im August 1997 gab 20th Century Fox bekannt, dass Fincher die Verfilmung von Fight Club leiten würde.

CastingEdit

Produzent Ross Bell traf sich mit dem Schauspieler Russell Crowe, um seine Kandidatur für die Rolle von Tyler Durden zu besprechen. Produzent Art Linson, der spät zum Projekt kam, traf sich mit Pitt in Bezug auf die gleiche Rolle., Linson war der leitende Produzent der beiden, Daher versuchte das Studio, Pitt anstelle von Crowe zu besetzen. Pitt suchte nach einem neuen Film nach dem häuslichen Scheitern seines 1998-Films Meet Joe Black, und das Studio glaubte, Fight Club wäre kommerziell erfolgreicher mit einem großen Star. Das Studio unterzeichnete Pitt für 17,5 Millionen US-Dollar.

Für die Rolle des unbenannten Erzählers wünschte sich das Studio einen „sexiereren Marquee-Namen“ wie Matt Damon, um die kommerziellen Aussichten des Films zu erhöhen; es betrachtete auch Sean Penn. Fincher betrachtete Norton stattdessen aufgrund seiner Leistung im Film The People vs. von 1996, Larry Flynt. Andere Studios näherten sich Norton für Hauptrollen in der Entwicklung von Filmen wie dem talentierten Mr. Ripley und Man on the Moon. Er wurde in Runaway Jury besetzt, aber der Film erreichte keine Produktion. 20th Century Fox bot Norton 2,5 Millionen Dollar für Fight Club an. Er konnte das Angebot nicht sofort annehmen, weil er Paramount Pictures noch einen Film schuldete; Er hatte eine vertragliche Verpflichtung mit Paramount unterzeichnet, in einem der zukünftigen Filme des Studios für ein geringeres Gehalt zu erscheinen. Norton erfüllte die Verpflichtung später mit seiner Rolle in dem Film The Italian Job von 2003.,

Im Januar 1998 gab 20th Century Fox bekannt, dass Pitt und Norton besetzt worden waren. Die Schauspieler bereiteten sich vor, indem sie Unterricht in Boxen, Taekwondo, Grappling und Soapmaking nahmen. Pitt besuchte freiwillig einen Zahnarzt, um Teile seiner Vorderzähne abplatzen zu lassen, damit sein Charakter keine perfekten Zähne hätte. Die Stücke wurden nach Abschluss der Dreharbeiten restauriert.

Finchers erste Wahl für die Rolle der Marla Singer war Janeane Garofalo., Während Fincher zunächst erklärte, dass sie es ablehnte, weil sie gegen den sexuellen Inhalt des Films Einspruch einlegte, gab Garofolo in einem Interview im Jahr 2020 bekannt, dass sie den Teil akzeptierte, aber fallen gelassen wurde, weil Norton das Gefühl hatte, dass sie sich für den Teil geirrt hatte. Die Filmemacher betrachteten Courtney Love und Winona Ryder als frühe Kandidaten. Das Studio wollte Reese Witherspoon werfen, aber Fincher fühlte sie zu jung war. Er entschied sich, Bonham Carter basierend auf ihrer Leistung im Film The Wings of the Dove von 1997 zu besetzen.,

WritingEdit

Uhls begann an einem Entwurf des adaptierten Drehbuchs zu arbeiten, der ein Voice-Over ausschloss, weil die Industrie zu der Zeit wahrnahm, dass die Technik „abgedroschen und banal“war. Als Fincher sich dem Film anschloss, dachte er, dass der Film ein Voice-Over haben sollte, zu glauben, dass der Humor des Films von der Stimme des Erzählers kam. Er beschrieb den film ohne voice-over als scheinbar „traurig und erbärmlich“. Fincher und Uhls revidierten das Drehbuch für sechs bis sieben Monate und hatten 1997 einen dritten Entwurf, der die Geschichte neu anordnete und mehrere wichtige Elemente wegließ., Als Pitt besetzt wurde, Er war besorgt, dass sein Charakter, Tyler Durden, war zu eindimensional. Fincher suchte den Rat des Schriftstellers und Regisseurs Cameron Crowe, der vorschlug, dem Charakter mehr Zweideutigkeit zu verleihen. Fincher stellte auch Drehbuchautor Andrew Kevin Walker für die Unterstützung. Er lud Pitt und Norton ein, das Drehbuch zu überarbeiten, und die Gruppe entwarf fünf Überarbeitungen im Laufe eines Jahres.

Palahniuk lobte die treue Verfilmung seines Romans und applaudierte, wie die Handlung des Films rationalisierter war als die des Buches., Palahniuk erinnerte sich, wie die Autoren diskutierten, ob das Filmpublikum der Handlung aus dem Roman glauben würde. Fincher unterstützte einschließlich der Wendung und argumentierte: „Wenn sie alles bis zu diesem Punkt akzeptieren, akzeptieren sie die Wendung der Handlung. Wenn sie noch im Theater sind, bleiben sie dabei.“Palahniuks Roman enthielt auch homoerotische Obertöne, die Fincher in den Film einbezog, um das Publikum unbequem zu machen und die Überraschung der Wendungen zu betonen., Die Badezimmerszene, in der Tyler Durden neben dem Erzähler badet, ist ein Beispiel für die Obertöne; Die Zeile „Ich frage mich, ob eine andere Frau wirklich die Antwort ist, die wir brauchen“ sollte eher persönliche Verantwortung als Homosexualität vorschlagen. Ein weiteres Beispiel ist die Szene zu Beginn des Films, in der Tyler Durden dem Erzähler ein Gewehr in den Mund steckt.

Der Erzähler findet am Ende des Films Erlösung, indem er Tyler Durdens Dialektik ablehnt, einen Weg, der vom Ende des Romans abweicht, in dem der Erzähler in eine geistige Anstalt gebracht wird., Norton zog Parallelen zwischen Erlösung im Film und Erlösung im Film, was darauf hindeutet, dass die Protagonisten beider Filme einen Mittelweg zwischen zwei Selbstunterteilungen finden. Fincher hielt den Roman für zu verliebt in Tyler Durden und änderte das Ende, um sich von ihm zu entfernen: „Ich wollte, dass die Leute Tyler lieben, aber ich wollte auch, dass sie mit seiner Auslöschung einverstanden sind.“

FilmingEdit

Studio executives Mechaniker und Ziskin geplante einem anfänglichen budget von US$23 Millionen, den film zu finanzieren, aber durch den start der Produktion, das budget wurde erhöht auf $50 Millionen., Die Hälfte wurde von New Regency bezahlt, aber während der Dreharbeiten eskalierte das projizierte Budget auf 67 Millionen US-Dollar. New Yorks Chef und Fight Club Executive Producer Arnon Milchan bat Fincher, die Kosten um mindestens 5 Millionen US-Dollar zu senken. Fincher weigerte sich, so drohte Milchan Mechaniker, dass Neue Regentschaft würde die Finanzierung zurückziehen. Er versuchte, Milchans Unterstützung wiederherzustellen, indem er ihm Bänder von Tageszeitungen vom Fight Club schickte. Nach drei Wochen Dreharbeiten stellte Milchan die finanzielle Unterstützung der neuen Regentschaft wieder her. Das endgültige Produktionsbudget betrug 63 Millionen US-Dollar.,

Die Kampfszenen waren stark choreografiert, aber die Schauspieler mussten „voll rausgehen“, um realistische Effekte wie das Herausschlagen des Windes einzufangen. Die Maskenbildnerin Julie Pearce, die 1997 für Fincher am Film The Game gearbeitet hatte, studierte Mixed Martial Arts und Pay-per-View-Boxen, um die Kämpfer genau darzustellen. Sie entwarf ein zusätzliches Ohr, um Knorpel fehlen zu lassen, inspiriert von dem Boxkampf, in dem Mike Tyson einen Teil von Evander Holyfields Ohr abgebissen hat., Maskenbildner entwickelten zwei Methoden, um Schweiß auf Stichwort zu erzeugen: Sprühen von Mineralwasser über eine Schicht Vaseline und Verwenden des unverfälschten Wassers für „nassen Schweiß“. Meat Loaf, der ein Fight Club-Mitglied spielt, das „Bitch Tits“ hat, trug ein 90-Pfund (40 kg) Fettgeschirr, das ihm große Brüste gab. Er trug auch acht Zoll (20 cm) Aufzüge in seinen Szenen mit Norton, um größer als er zu sein.

Die Dreharbeiten dauerten von Juli bis Dezember 1998 138 Tage, in denen Fincher mehr als 1.500 Filmrollen drehte, dreimal so viel wie der Durchschnitt eines Hollywood-Films., Die Standorte befanden sich in und um Los Angeles, darunter die Promenade Towers, die Melrose Avenue, die St. Brendan ‚ s Catholic Church und Michael Heizers öffentliche Kunstskulptur „North, South East, West“. Sets wurden auch in Century City gebaut. Produktionsdesigner Alex McDowell konstruierte mehr als 70 Sets. Das Äußere von Tyler Durdens Haus wurde in Wilmington, Kalifornien, gebaut, während das Innere auf einer Klangbühne am Standort des Studios gebaut wurde. Der Innenraum erhielt einen verfallenen Look, um die dekonstruierte Welt der Charaktere zu illustrieren., Marla Singer Wohnung wurde auf Fotos von Wohnungen in der Innenstadt von LA basiert. Insgesamt umfasste die Produktion 300 Szenen, 200 Orte und komplexe Spezialeffekte. Fincher verglich Fight Club mit seinem späteren, weniger komplexen Film Panic Room: „Ich hatte das Gefühl, dass ich meine ganze Zeit damit verbracht habe, Lastwagen zu beobachten, die geladen und entladen wurden, damit ich drei Dialogzeilen drehen konnte. Es war viel zu viel Transport im Gange.“

CinematographyEdit

Fincher verwendete das Super 35-Format, um Fight Club zu filmen, da es ihm maximale Flexibilität beim Komponieren von Aufnahmen gab., Er stellte Jeff Cronenweth als Kameramann ein; Cronenweths Vater Jordan Cronenweth war Kameramann für Finchers Film Alien 3 von 1992 gewesen,verließ jedoch aufgrund der Parkinson-Krankheit die Produktion. Fincher erforschte visuelle Stile in seinen vorherigen Filmen Seven and The Game, und er und Cronenweth zeichneten Elemente aus diesen Stilen für Fight Club.

Fincher und Cronenweth wendeten einen Lurid-Stil an und entschieden sich dafür, die Leute „irgendwie glänzend“zu machen. Das Aussehen der Szenen des Erzählers ohne Tyler war langweilig und realistisch., Die Szenen mit Tyler wurden von Fincher als „hyperrealer in einem abgerissenen, dekonstruierten Sinn-eine visuelle Metapher dessen, was hineingeht“beschrieben. Die Filmemacher verwendeten stark entsättigte Farben in Kostümierung, Make-up und Kunstrichtung. Bonham Carter trug opaleszierendes Make-up, um ihren romantischen nihilistischen Charakter mit einer „Smack-Fiend Patina“darzustellen. Fincher und Cronenweth zeichneten Einflüsse aus dem Film American Graffiti von 1973, der nächtlichen Außenbereichen einen banalen Look verlieh und gleichzeitig eine Vielzahl von Farben enthielt.

Die Crew nutzte sowohl natürliches als auch praktisches Licht., Fincher suchte verschiedene Ansätze für die Lichtgestaltung; Zum Beispiel wählte er mehrere städtische Orte für die Effekte der Stadtlichter auf die Hintergründe der Aufnahmen. Die Besatzung umarmte auch fluoreszierende Beleuchtung an anderen praktischen Orten, um ein Element der Realität zu erhalten und die Prothesen zu beleuchten, die die Verletzungen der Charaktere darstellen. Auf der anderen Seite sorgte Fincher auch dafür, dass die Szenen nicht so stark beleuchtet waren, so dass die Augen der Charaktere weniger sichtbar waren, unter Berufung auf die Technik des Kameramanns Gordon Willis als Einfluss.,

Fight Club wurde hauptsächlich nachts gedreht, und Fincher filmte die Tagesaufnahmen an schattigen Orten. Die Besatzung stattete den Keller der Bar mit preiswerten Arbeitslampen aus, um ein Hintergrundglühen zu erzeugen. Fincher vermied stilvolle Kameraarbeit beim Filmen früher Kampfszenen im Keller und stellte stattdessen die Kamera in eine feste Position. In späteren Kampfszenen bewegte Fincher die Kamera vom Standpunkt eines entfernten Beobachters zu dem des Kämpfers.

Die Szenen mit Tyler wurden inszeniert, um zu verbergen, dass der Charakter eine mentale Projektion des unbenannten Erzählers war., Tyler wurde weder in zwei Aufnahmen mit einer Gruppe von Menschen gefilmt, Noch wurde er in Szenen über die Schulter gezeigt, in denen Tyler dem Erzähler spezifische Ideen gibt, um ihn zu manipulieren. In Szenen, bevor der Erzähler Tyler trifft, haben die Filmemacher Tylers Präsenz in einzelne Frames eingefügt, um einen unterschwelligen Effekt zu erzielen. Tyler erscheint im Hintergrund und unscharf, wie ein „kleiner Teufel auf der Schulter“. Fincher erklärte die unterschwelligen Rahmen: „Unser Held schafft Tyler Durden in seinem eigenen Kopf, also existiert er an diesem Punkt nur an der Peripherie des Bewusstseins des Erzählers.,“

Während Cronenweth den Kodak-Filmbestand im Allgemeinen auf Fight Club bewertete und exponierte, wurden mehrere andere Techniken angewendet, um sein Aussehen zu ändern. Das Blinken wurde auf einem Großteil der äußeren Nachtfotografie implementiert, der Kontrast wurde gestreckt, um absichtlich hässlich zu sein, der Druck wurde auf Unterbelichtung eingestellt, die ENR-Silberretention von Technicolor wurde für eine ausgewählte Anzahl von Drucken verwendet, um die Dichte der Schwarzen zu erhöhen, und kontrastreiche Druckbestände wurden ausgewählt, um einen „abgestuften“ Look auf dem Druck mit einer schmutzigen Patina zu erzeugen.,

Visual effectsEdit

Fincher stellte Visual Effects Supervisor Kevin Tod Haug ein, der für ihn am Spiel arbeitete, um visuelle Effekte für Fight Club zu erstellen. Haug wies die Künstler und Experten für visuelle Effekte verschiedenen Einrichtungen zu, die jeweils verschiedene Arten von visuellen Effekten ansprachen: CG-Modellierung, Animation, Compositing und Scannen. Haug erklärte: „Wir haben die besten Leute für jeden Aspekt der Effektarbeit ausgewählt und dann ihre Bemühungen koordiniert. Auf diese Weise mussten wir nie auf die Schwäche einer Einrichtung spielen.,“Fincher visualisierte die Perspektive des Erzählers durch eine „Mind‘ s Eye “ – Ansicht und strukturierte einen kurzsichtigen Rahmen für das Filmpublikum. Fincher verwendete auch prävisualisiertes Filmmaterial von herausfordernden Hauptgerät-und Visual Effects-Aufnahmen als Problemlösungswerkzeug, um Fehler während der eigentlichen Dreharbeiten zu vermeiden.

Die Titelsequenz des Films ist eine 90-Sekunden-Komposition für visuelle Effekte, die das Innere des Gehirns des Erzählers auf mikroskopischer Ebene darstellt; Die Kamera zieht sich nach außen zurück, beginnend in seinem Angstzentrum und nach den Denkprozessen, die durch seinen Angstimpuls ausgelöst werden. Die Sequenz, die teilweise von Fincher entworfen wurde, wurde zunächst getrennt vom Rest des Films budgetiert, aber die Sequenz wurde im Januar 1999 vom Studio vergeben., Fincher stellte Digital Domain und seinen Visual Effects Supervisor Kevin Mack ein, der 1998 einen Oscar für visuelle Effekte für den Film What Dreams May Come für die Sequenz gewann. Das Unternehmen kartierte das computergenerierte Gehirn mit einem L-System, und das Design wurde anhand von Renderings der medizinischen Illustratorin Katherine Jones detailliert. Die Pullback-Sequenz von innerhalb des Gehirns zur Außenseite des Schädels umfasste Neuronen, Aktionspotentiale und einen Haarfollikel., Haug erklärte die künstlerische Lizenz, die Fincher mit der Aufnahme gemacht hatte, “ Während er die Gehirnpassage wie Elektronenmikroskopfotografie aussehen lassen wollte, musste dieser Look mit dem Gefühl eines Nachttauchgangs gekoppelt werden—nass, beängstigend und mit einer niedrigen Schärfentiefe.“Die geringe Schärfentiefe wurde mit dem Raytracing-Prozess erreicht.,

Weitere visuelle Effekte sind eine frühe Szene, in der die Kamera an den Straßen der Stadt vorbeiblitzt, um die zerstörerische Ausrüstung von Project Mayhem auf Tiefgaragen zu untersuchen; Die Sequenz war eine dreidimensionale Komposition von fast 100 Fotografien von Los Angeles und Century City des Fotografen Michael Douglas Middleton. Die letzte Szene des Abrisses der Kreditkartenbürogebäude wurde von Richard Baily von Image Savant entworfen; Baily arbeitete über vierzehn Monate an der Szene.,

In der Mitte des Films weist Tyler Durden das Stichwort—im Film den Spitznamen „Cigarette Burn“—auf das Publikum hin. Die Szene stellt einen Wendepunkt dar, der den bevorstehenden Bruch und die Umkehrung der „ziemlich subjektiven Realität“ vorwegnimmt, die früher im Film existierte. Fincher erklärte: „Plötzlich ist es, als hätte der Projektionist die Umstellung verpasst, die Zuschauer müssen den Film auf eine ganz neue Weise betrachten.,“

ScoreEdit

Fincher befürchtete, dass Bands, die beim Schreiben von Filmmusiken Erfahrung haben, die Themen nicht miteinander verbinden könnten, und suchte daher eine Band, die noch nie für einen Film aufgenommen worden war. Er verfolgte Radiohead, aber Sänger Thom Yorke lehnte ab, als er sich von dem Stress erholte, für ihr Album OK Computer zu werben. Fincher beauftragte stattdessen das Breakbeat-produzierende Duo Dust Brothers, das eine postmoderne Partitur schuf, die Drum-Loops, elektronische Kratzer und computergesteuerte Samples umfasste., Dust Brothers Darsteller Michael Simpson erklärte das Setup: „Fincher wollte mit allem über den Film neue Wege gehen, und eine nicht traditionelle Partitur half dabei.“Der Höhepunkt und Ende credits feature-song „Where Is My Mind?“von den Pixies.