Es ist eine Reihe von Gemälden, in denen Blautöne jedes Stück dominieren und die Stimmung, die diese Werke durchdringt, eine tiefe Melancholie ist.
Während sie manchmal düster und sentimental erscheinen mögen, sind die Gemälde, die während Picassos Blauer Periode entstanden sind, in Wirklichkeit zutiefst poetische Ausdrücke von Armut, Zerbrechlichkeit, schweren Depressionen und Verletzlichkeit.
Viele der Themen sind die Armen und gebrochenen Ausgestoßenen der Gesellschaft. Die Gemälde in dieser Serie sind düster, enthalten jedoch endlose Schichten von Schönheit und Menschlichkeit.,
Unter Berücksichtigung aller verschiedenen Phasen der Entwicklung Picassos als Künstler könnte argumentiert werden, dass keine andere Periode in Pablo Picassos langer und faszinierender Karriere so viel emotionales Gewicht und menschliche Komplexität enthält wie Picassos Blaue Periode (1901-1904).
Es wäre sehr ungewöhnlich, einer Person zu begegnen, die noch nie von dem spanischen Künstler Pablo Picasso gehört hatte. Die Werke von Picasso sind auf der ganzen Welt so weit verbreitet und sein Einfluss so immens, dass den meisten Menschen bestimmte Bilder in den Sinn kommen, wenn sie den Namen Pablo Picasso hören.,
Oft können die Bilder, die in der Vorstellung hervorgerufen werden, surreale, kubistische Porträts verschiedener Objekte und interessanter Gesichter sein. Für viele könnte man an das berühmte Gemälde Guernica von 1937 denken. Andere mögen noch an etwas aus dieser kubistischen Zeit denken.
Etwas Leichteres und Weicheres, wie eines der vielen Werke aus Picassos Rosenzeit (1904-1906), als er 1905 so bemerkenswerte Werke wie Boy with a Pipe (Garçon à la pipe) und sein Porträt von Gertrude Stein malte 1906.
Der genaue Zeitpunkt und Ort, an dem die Blaue Periode begann, ist ungewiss., Es ist jedoch bekannt, dass seine Anfänge ungefähr zur gleichen Zeit begannen, als Picasso ein persönliches Trauma erlebte, das eine tiefe und lang anhaltende Depression hervorrief. Die blaue Periode begann entweder in Spanien im Frühjahr 1901 oder vielleicht später im selben Jahr in Paris. Im Februar 1901 befand sich Pablo Picasso mitten auf einer Reise durch Spanien, und sein enger Freund, spanischer Kunststudent und Dichter Carlos Casagemas war im Café L ‚ Hippodrome in Paris.,
Die beiden jungen Männer waren zusammen unterwegs gewesen, aber Casagemas kehrte allein nach Paris zurück, mit gebrochenem Herzen wegen seiner unerwiderten Liebe zu einer verheirateten Frau namens Germaine Gargallo Florentin. Eines Nachts in Paris, beim Abendessen mit Germaine und einer Gruppe von Freunden im L ‚ Hippodrome, Casagemas verlor sich in Alkohol. Gegen neun Uhr am Abend zog er einen Revolver heraus und schoss auf Germaine, bevor er die Waffe auf sich selbst richtete und sich in den Kopf schoss. Zum Glück hat die Kugel nur Germaines Tempel beweidet und sie überlebt. Carlos Casagemas, erst 20 Jahre alt, nicht.,
Obwohl Picasso selbst nicht bei dem schrecklichen Ereignis anwesend war, das in dieser Nacht im Café L ‚ Hippodrome stattfand, erschütterte ihn der Vorfall, und der tragische Verlust seines Freundes hatte in den folgenden Tagen und Monaten erhebliche Auswirkungen auf seine Kunst. Picasso nach Paris zurück und versank in eine Tiefe depression. Er schlief in dem Raum, in dem Casagemas wohnte, verbrachte Zeit mit derselben Gruppe von Freunden und engagierte sich sogar romantisch mit Germaine.
Es gab keine Möglichkeit, ständigen Erinnerungen an seinen verlorenen Freund zu entkommen. Eine dramatische Veränderung trat in seiner Arbeit auf., Später wurde er mit den Worten zitiert: „Als ich merkte, dass Casagemas tot war, fing ich an, blau zu malen.“Picasso schuf mehrere monochromatische Gemälde in verschiedenen Blautönen, die sporadisch von anderen Farben erwärmt wurden. Während diese blau getönten Stücke eine starke und klare Reflexion der inneren Angst waren, boten sie auch einen Einblick in etwas anderes.
Viele von Picassos Werken aus der Blauen Periode sind starke Darstellungen der vergessenen oder verworfenen Mitglieder der Gesellschaft, von denen viele aus den Gefängnissen, Straßen und Dachrinnen von Paris stammten; Bettler, Straßeigel und Prostituierte., Eine Erfahrung, die einen starken Einfluss auf seine Werke aus der Blauen Periode hatte, war der Besuch in einem Frauengefängnis. Viele der Themen sind einsame Figuren: einsame Mütter, die alten, gebrechlich, blind und abgemagert. Noch viele andere sind posthume Darstellungen seines innig verstorbenen Freundes Carlos Casagemas.
Der Tod von Casagemas (La mort de Casagemas) wurde 1901 gemalt und gehörte daher zu Picassos blauer Periode, aber es fehlten die dominierenden, stark blauen Variationen. Als der Betrachter jedoch in seinem Sarg auf das Gesicht armer Casagemas in Ruhe blickt, ist die emotionale Resonanz fast spürbar., Die Trauer und das Entsetzen, die der Künstler mit seiner Kunst zu verarbeiten und auszutreiben versucht, sind unverkennbar. Während viele der Gemälde mit stärkeren Blautönen eine Art stille Trauer vermitteln, ist der Tod von Casagemas ein lauter und quälender Trauerschrei.
In einem weiteren Ölgemälde aus dem gleichen Jahr, Evokation, The Burial of Casagemas, hat die Farbe Blau die Leinwand übernommen. Innerhalb dieses Gemäldes finden zwei Szenen statt. In der unteren Hälfte befindet sich der weltliche, irdische Ritus einer Beerdigung. Casagemas, der in den Boden gezüchtet wird, ist von Trauernden umgeben., Ihre Körper sind geneigt, gefaltet, einige halten ihre Gesichter in ihren Händen, während andere sich in den vertrauten physischen Ausdrücken der Trauer umarmen. Oben öffnet sich der Himmel, um Casagemas willkommen zu heißen. Ein gekreuzigter Reiter zu Pferd, symbolisch für den Aufstieg der Seele, schwebt über die Szene und zieht das Auge des Betrachters auf das strahlend weiße Pferd. Es ist ein bewegender Ausdruck der letzten Wünsche des Künstlers für seinen Freund, der weitergegeben hat.
Einige der Werke aus der Blauen Periode erinnern an Casagemas, aber die vielleicht herausforderndste und faszinierendste davon ist La Vie oder das Leben, das 1903 gemalt wurde., Ganz in unterschiedlichen Blautönen komponiert, wiegt eine Frau ein Kind, während sie einer nackten jungen Frau gegenübersteht, die einen Mann umarmt, der eine Darstellung von Casagemas ist. Im Hintergrund sind zwei Gemälde zu sehen, eines zeigt ein Paar in Not, und ein anderes unten von einem einsamen, zerknitterten Mann, offensichtlich der Künstler selbst. Casagemas tritt vorwärts, eine Hand gestikuliert auf das Kind zu. Während Picasso sich nie bemühte, das Gemälde verstehen zu lassen, erklärte er, dass „ein Gemälde für mich von selbst spricht, was nützt es schließlich, Erklärungen zu geben?,“dennoch gibt es einige Aspekte des Stücks, die klar identifiziert werden können. Casagemas ist aktiv, gestikuliert und kommuniziert. Er hat einen Liebhaber in der nackten Frau, die ihn in der Nähe hält. Es gibt Bilder von Nähe und familiärer Liebe, als ob der Künstler sich ein anderes Ergebnis für seinen Freund vorgestellt hätte, eines mit Liebhabern und Familie und Leben.
Ein weiteres von Picassos berühmtesten Werken aus der Blauen Zeit ist das Gemälde, Der alte Gitarrist (1903). Traurig und einfarbig zeigt der alte Gitarrist einen dünnen, Haggard Mann, der sich über seine große Gitarre gebeugt hat., Die braune Farbe des Instruments ist der einzige Kontrast zu dem Blau, das den Rest der Leinwand dominiert. Vielleicht könnte dies darauf hindeuten, dass die Gitarre, die sich vom Rest der Szene abhebt, ein Lichtblick ist, ein Mittel des Trostes im Leben des einsamen Mannes. Die Augen des alten Mannes sind geschlossen, was auf Blindheit hindeutet. Es ist aber auch symbolisch für eine Abneigung, die Welt auf die übliche Weise zu betrachten, als ob dieser Bettler mit seiner Musik eine Vision besitzt, die über die weltliche Welt hinausreicht., Blindheit oder scheinbar blinde Personen, die marginalisiert waren oder in irgendeiner Weise Deprivation ertragen haben, sind ein gemeinsames Thema in Picassos Werken der Blauen Periode. Gemälde wie The Blind Man ‚ s Meal (1903) und The Frugal Repast (1904) erforschen Stimmungen und Bilder, die dem alten Gitarristen ähneln.
Ein interessantes Merkmal des alten Gitarristen ist das gespenstische Gesicht einer Frau direkt über dem Ohr des Gitarristen. Durch die blau-grauen Schattierungen der Haare des alten Mannes erscheint sie vage. Dies ist eigentlich ein Überbleibsel eines verlassenen Picasso-Werkes, das er übermalt hat., Das Phantombild veranlasste zur weiteren Untersuchung, und es wurde dann geröntgt, Entdeckung, dass ein Porträt einer sitzenden jungen Frau, die ein Kind pflegte, sich unter der Ölfarbe versteckte, die den alten Gitarristen ins Leben rief.
Während Casagemas in seinem Sarg den Beginn von Picassos blauer Periode markierte, könnte man argumentieren, dass der alte Gitarrist der ikonischste dieser Phase in der Karriere des Künstlers ist., Es repräsentiert perfekt das monochromatische Blau, das das Markenzeichen dieser Zeit war, aber auch die Stimmung und den Gegenstand; die abgeflachten Formen, die sympathische Darstellung der Unterdrückten, die Suche nach Menschlichkeit und Schönheit in Themen, die viele Mitglieder der Gesellschaft für hässlich oder vergesslich gehalten hätten, tragen eine große emotionale Resonanz. Und für Picasso selbst mag dieses Stück auch eine besondere Bedeutung gehabt haben, da es einige Jahre später einen Wendepunkt in seiner Karriere markierte., Im Jahr 1926 wurde der alte Gitarrist von einem amerikanischen Museum in Chicago erworben und war damit der erste Museumserwerb eines Picasso-Gemäldes in einem Museum der Welt für eine permanente Sammlung. Zum Glück war es nur der erste von vielen.
Wie viele seiner Vorgänger und Zeitgenossen produzierte Pablo Picasso im Laufe seiner Karriere verschiedene Selbstporträts. Alle diese Ähnlichkeiten sind bemerkenswert zu studieren, da jeder eine Progression nicht nur in künstlerischem Stil und Reife zeigt, sondern eine ähnliche Entwicklung innerhalb des Künstlers selbst als Mensch., Selbstporträt 1901 gibt einen Einblick in Picasso zu Beginn der blauen Periode. Wenn diese Periode mit dem Tod von Casagemas begann, könnte man auch sagen, dass die Periode auf der Grundlage dieses Selbstporträts gebaut wurde.
In diesem Gemälde betrachten wir einen jungen Mann im Alter von 20 Jahren. Das Aussehen scheint jedoch das eines viel älteren Mannes zu sein. Der hohe Kragen seines Wintermantels ist bis ins Gesicht geknöpft. Sein Gesicht ist blass und stumpf, der Ausdruck unter seinem schrägen Bart intensiv düster., Das Porträt vermittelt die Trostlosigkeit seines Lebens in dieser Zeit; die Armut, Trauer und der harte, kalte Pariser Winter. Picasso entlarvt und entblößt seine Schwierigkeiten und emotionalen Nöte, behält aber trotz der Einsamkeit und Traurigkeit, die er trägt, einen unverwechselbaren Hauch von Würde bei.
Was Pablo Picasso in seiner Blauen Periode erreichte, war etwas, das zu dieser Zeit völlig beispiellos war. Alle seine Gemälde von 1901-1903 schienen fast so, als hätte er begonnen, die Welt durch azurblaue Gläser zu sehen., Dies war das Ergebnis einer Übung zum Erstellen von Szenen bei schlechten Lichtverhältnissen, aber diese Färbung und Schattierung schafft auch eine makabre Mystik in den Gemälden und vermittelt ein Gefühl von Tod und Melancholie. Im Laufe seines Lebens schuf Picasso Gemälde und andere Kunstwerke in verschiedenen Stilen. Viele können nach Stimmung, Farbschema, Gegenstand, Raumnutzung und Komposition gruppiert werden, aber keine andere Gruppierung hebt sich mehr ab als die der Blauen Periode., Während er oft in der Lage war, die Arbeit jener Künstler nachzuahmen, die er bewunderte, wie El Greco oder Van Gogh, gelang es Picasso immer noch, ganz originelle Kunstwerke zu produzieren. Diese Fähigkeit, Stile und Methoden anderer Maler zu imitieren, während er sein eigenes bahnbrechendes Werk schuf, war ein einzigartiges Merkmal von Picasso.
Bis 1904 war Picassos Entwicklung als Künstler in eine neue Phase eingetreten, und seine Rosenperiode begann, die bis 1906 dauerte. Zu dieser Zeit begannen seine Bilder einen helleren, fröhlicheren Ton anzunehmen., Im Gegensatz zu den Stimmungen, Farben und Themen seiner Gemälde aus der blauen Periode zeigte Picassos Rosenperiode Clowns, Akrobaten, Harlekin und Zirkuskünstler. Diese Reihe von komödiantischen Charakteren ist in warmen Tönen von Orange und rosa gerendert. Zu Beginn der Rosenperiode ging Picasso eine Beziehung mit einem böhmischen Künstler namens Fernande Olivier ein., Dieser hellere Ton und Stil wurde nicht nur stark von der Wärme seiner romantischen Beziehung beeinflusst, aber war auch ein Spiegelbild seines Lebens in Paris zu der Zeit, das war geschäftig und lebendig mit bunten, böhmische Zirkuskultur. Tatsächlich sind noch heute unzählige Überreste dieser Rosenfiguren und Picassos kreatives, böhmisches Paris (insbesondere das Gebiet von Montmartre) beim Spaziergang durch die Rues zu sehen.
Man könnte sich vorstellen, dass die tiefe Depression des Picasso, die seine blaue Periode inspirierte, mit dem Beginn der Rosenperiode zu Ende gegangen war., Leider ist dies nicht der Fall, da sein melancholischer emotionaler Zustand einige Zeit andauerte und sich erst kurz vor Beginn seiner Kubismusperiode vollständig auflöste. Während man sich die Intensität seiner Trauer und Angst nur vorstellen kann, wenn man die Gemäldeserie von Picassos Blauer Periode betrachtet, gibt es immer noch etwas Universelles in den Bildern, die in diesen düsteren Blautönen gerendert werden, auf die sich fast jeder beziehen kann. Die Gefühle von Verlust und Einsamkeit können von jedem verstanden werden., Diese Bilder sprechen nicht nur von individueller Traurigkeit, sondern das Pathos, das in den Bildern von Bettlern, Prostituierten und armen, blinden und verzweifelten Menschen dargestellt wird, ist ein starker Spiegel der Zeit, in der Picasso lebte, und obwohl er es wahrscheinlich nicht vorhersagte, die Unterdrückten, die heute noch in Blautönen existieren.