Madame Lelica

Während der gesamten Barockzeit entstanden in Italien neue Entwicklungen in der Musik, danach dauerte es bis zu 20 Jahre, bis sie in der übrigen westlichen klassischen Musikpraxis weitgehend übernommen wurden. So wechselten italienische Komponisten um 1730 in den galanten Stil, während deutsche Komponisten wie Johann Sebastian Bach bis 1750 weitgehend im Barockstil schrieben.,>1680-1700

Frühbarockmusik (1580-1650)Bearbeiten

Die Florentiner Camerata war eine Gruppe von Humanisten, Musikern, Dichtern und Intellektuellen in der Spätrenaissance Florenz, die sich unter der Schirmherrschaft des Grafen Giovanni de‘ Bardi versammelten, um Trends in der Kunst, insbesondere Musik und Drama, zu diskutieren und zu leiten., In Bezug auf die Musik stützten sie ihre Ideale auf eine Wahrnehmung des klassischen (insbesondere altgriechischen) Musikdramas, das Diskurs und Oration schätzte. Dementsprechend lehnten sie die Verwendung von Polyphonie (mehrere, unabhängige melodische Linien) und Instrumentalmusik durch ihre Zeitgenossen ab und diskutierten solche altgriechischen Musikgeräte wie Monodie, die aus einem Sologesang bestand, der von einem Kithara (einem alten Streichinstrument) begleitet wurde. Die frühen Realisierungen dieser Ideen, darunter Jacopo Peris Dafne und L ‚ Euridice, markierten den Beginn der Oper, die ein Katalysator für Barockmusik war.,

In der Musiktheorie stellt die weiter verbreitete Verwendung von figuriertem Bass (auch bekannt als gründlicher Bass) die sich entwickelnde Bedeutung von Harmonie als lineare Untermauerung der Polyphonie dar. Harmonie ist das Endergebnis von Kontrapunkt, und Figured Bass ist eine visuelle Darstellung jener Harmonien, die üblicherweise in musikalischen Darbietungen verwendet werden. Mit figuriertem Bass wurden Zahlen, Vorzeichen oder Symbole über der Basslinie platziert, die von Tasteninstrumentenspielern wie Cembalisten oder Pfeifenorganisten (oder Lutenisten) gelesen wurden., Die Zahlen, Vorzeichen oder Symbole zeigen dem Keyboarder an, welche Intervalle über jeder Bassnote abgespielt werden sollen. Der Keyboarder würde für jede Bassnote eine Akkordstimme improvisieren. Komponisten begannen, sich mit harmonischen Fortschritten zu beschäftigen, und verwendeten auch das Triton, das als instabiles Intervall wahrgenommen wurde, um Dissonanzen zu erzeugen (es wurde im dominanten siebten Akkord und im verminderten Akkord verwendet)., Ein Interesse an Harmonie hatte auch bei bestimmten Komponisten in der Renaissance bestanden, insbesondere Carlo Gesualdo; Die Verwendung von Harmonie, die auf Tonalität ausgerichtet war (ein Fokus auf einen musikalischen Schlüssel, der zur „Heimatnote“ eines Stücks wird), markiert jedoch nicht die Modalität, sondern den Übergang von der Renaissance in die Barockzeit. Dies führte zu der Idee, dass bestimmte Akkord—Sequenzen anstelle von Noten am Ende eines Stücks ein Gefühl der Schließung vermitteln könnten-eine der grundlegenden Ideen, die als Tonalität bekannt wurden.,

Durch die Einbeziehung dieser neuen Aspekte der Komposition förderte Claudio Monteverdi den Übergang vom Renaissance-Musikstil zum Barock. Er entwickelte zwei individuelle Kompositionsstile—das Erbe der Renaissance-Polyphonie (Prima pratica) und die neue Basso Continuo-Technik des Barock (Seconda pratica). Mit Basso Continuo spielte eine kleine Gruppe von Musikern die Basslinie und die Akkorde, die die Begleitung für eine Melodie bildeten., Die Basso Continuo-Gruppe würde normalerweise einen oder mehrere Keyboarder und einen Lautenspieler verwenden, der die Basslinie spielt und die Akkorde und mehrere Bassinstrumente (z. B. Bassviola, Cello, Kontrabass) improvisiert, die die Basslinie spielen würden. Mit dem Schreiben der Opern L ‚Orfeo und L‘ incoronazione di Poppea unter anderem brachte Monteverdi beträchtliche Aufmerksamkeit auf dieses neue Genre. Dieser venezianische Stil wurde von Heinrich Schütz handlich nach Deutschland gebracht, dessen vielfältiger Stil sich auch in der Folgezeit entwickelte.

Idiomatische instrumentale Texturen wurden immer deutlicher., Insbesondere der Stil Luthé—das unregelmäßige und unvorhersehbare Aufbrechen von Akkordfolgen im Gegensatz zur regelmäßigen Strukturierung gebrochener Akkorde—, der seit Anfang des 20.Jahrhunderts als Stil Brisé bezeichnet wird, wurde von Robert Ballard in seinen Lautenbüchern von 1611 und 1614 und von Ennemond Gaultier als konsistente Textur in der französischen Musik etabliert., Diese idiomatische Lautenfiguration wurde später auf das Cembalo übertragen, zum Beispiel in der Tastenmusik von Louis Couperin und Jean-Henri D ‚ Anglebert, und war während des 18.und frühen 19.

Mittelbarockmusik (1630-1700)Bearbeiten

Der Aufstieg des zentralisierten Hofes ist eines der wirtschaftlichen und politischen Merkmale dessen, was oft als Zeitalter des Absolutismus bezeichnet wird, verkörpert von Ludwig XIV., Der Stil des Palastes und das Hofsystem der Manieren und Künste, die er förderte, wurden zum Vorbild für den Rest Europas. Die Realitäten der steigenden kirchlichen und staatlichen Schirmherrschaft schufen die Nachfrage nach organisierter öffentlicher Musik, da die zunehmende Verfügbarkeit von Instrumenten die Nachfrage nach Kammermusik schuf, die Musik für ein kleines Ensemble von Instrumentalisten ist.

Ein herausragendes Beispiel für einen Hofkomponisten ist Jean-Baptiste Lully. Er erwarb Patente von der Monarchie, um der einzige Komponist von Opern für den französischen König zu sein und andere daran zu hindern, Opern inszenieren zu lassen., Er vollendete 15 lyrische Tragödien und ließ Achille et Polyxène unvollendet. Lully war ein frühes Beispiel für einen Dirigenten; Er würde die Zeit mit einem großen Stab schlagen, um seine Ensembles zusammenzuhalten.

Musikalisch begründete er nicht die von der italienischen Oper geerbte saitendominierte Orchesternorm, und die charakteristisch französische fünfteilige Disposition (Violinen, Bratschen-in hautes—contre, Tailles und Quintes Größen-und Bassgeigen) war seit der Zeit Ludwigs XIII., Er führte dieses Ensemble jedoch in das Lyric Theatre ein, wobei die oberen Teile oft von Blockflöten, Flöten und Oboen und der Bass von Fagotten verdoppelt wurden. Trompeten und Kettledrums wurden häufig für heroische Szenen hinzugefügt.

Die mittlere Barockzeit in Italien wird durch die Entstehung der Gesangsstile Kantate, Oratorium und Oper in den 1630er Jahren und ein neues Konzept von Melodie und Harmonie definiert, das den Status der Musik zu einem der Gleichheit mit den Worten erhöhte, die früher als herausragend angesehen worden waren., Die blühende Koloratur-Monodie des Frühbarock wich einem einfacheren, polierteren melodischen Stil. Diese Melodien wurden aus kurzen, kadentiell abgegrenzten Ideen gebaut, die oft auf stilisierten Tanzmustern aus der Sarabande oder dem Courante basierten. Auch die Harmonien könnten einfacher sein als in der frühbarocken Monodie, um sich leichter auf der Saite und Crescendos und Diminuendos auf längeren Noten auszudrücken., Die begleitenden Basslinien waren stärker in die Melodie integriert und erzeugten eine kontrapunktische Äquivalenz der Teile, die später zur Einrichtung einer anfänglichen Bassvorfreude auf die Arienmelodie führten. Diese harmonische Vereinfachung führte auch zu einem neuen formalen Gerät der Differenzierung von Rezitativ (ein gesprochener Teil der Oper) und Arie (ein Teil der Oper, der gesungene Melodien verwendete)., Die wichtigsten Erneuerer dieses Stils waren die Römer Luigi Rossi und Giacomo Carissimi, die in erster Linie Komponisten von Kantaten bzw. Oratorien waren, und der Venezianer Francesco Cavalli, der hauptsächlich Opernkomponist war. Später wichtige Praktiker dieses Stils sind Antonio Cesti, Giovanni Legrenzi und Alessandro Stradella.,

Arcangelo Corelli gilt als einflussreich für seine Leistungen auf der anderen Seite der Musiktechnik-als Geiger, der Violintechnik und Pädagogik organisierte-und in der rein instrumentalen Musik, insbesondere für seine Befürwortung und Entwicklung des Concerto grosso. Während Lully am Hof gefangen gehalten wurde, war Corelli einer der ersten Komponisten, der weit verbreitet war und seine Musik in ganz Europa aufführte., Wie bei Lullys Stilisierung und Organisation der Oper basiert das Concerto grosso auf starken Kontrasten—Abschnitte wechseln zwischen denen des gesamten Orchesters und denen einer kleineren Gruppe ab. Die Dynamik wurde „terrassiert“, das heißt mit einem scharfen Übergang von laut zu leise und wieder zurück. Schnelle und langsame Abschnitte standen einander gegenüber. Zu seinen Schülern zählt Antonio Vivaldi, der später Hunderte von Werken nach den Prinzipien von Corellis Triosonaten und Konzerten komponierte.,

Im Gegensatz zu diesen Komponisten war Dieterich Buxtehude kein Geschöpf des Hofes, sondern Kirchenmusiker und bekleidete das Amt des Organisten und Werkmeisters in der Lübecker Marienkirche. Zu seinen Aufgaben als Werkmeister gehörte es, als Sekretär, Schatzmeister und Geschäftsleiter der Kirche zu fungieren, während seine Position als Organist das Spielen für alle Hauptdienste beinhaltete, manchmal in Zusammenarbeit mit anderen Instrumentalisten oder Sängern, die auch von der Kirche bezahlt wurden., Ganz außerhalb seiner offiziellen kirchlichen Pflichten organisierte und leitete er eine Konzertreihe namens Abendmusiken, die Aufführungen von heiligen dramatischen Werken beinhaltete, die von seinen Zeitgenossen als Äquivalent von Opern angesehen wurden.

Frankreich:

• Denis Gaultier
• Jean-Henri d’Anglebert
• Jacques Champion de Chambonnières
• Louis Couperin

spätbarocken Musik (1680-1750)Bearbeiten

Das Werk von George Frideric Händel, Johann Sebastian Bach und ihren Zeitgenossen, darunter Domenico Scarlatti, Antonio Vivaldi, Jean-Philippe Rameau, Georges Philipp Telemann und andere brachten die Barockzeit auf ihren Höhepunkt.

• a. k. a.,natürlich grosso)
• Giuseppe Torelli (Nur konzert)

France

• François Couperin
• André Campra

Wider adoptionEdit

Germany:

• Giovanni Bononcini
• Antonio Vivaldi
• Tomaso Albinoni
• Marcello
• Francesco Geminiani
• Pietro Locatelli
• Giovanni Battista Pergolesi
• Nicola Porpora
• Giuseppe Tartini
• Francesco Maria Veracini

Proliferation:

• Erdmann Neumeister
• Estienne Roger, ‚ estro armonico
• Visiting Italy.,g. Johann Kuhnau, Johann David seit einigen jahren in Gottfried Heinrich Stölzel
• Italians abroad, z.b. von Domenico Scarlatti, Antonio Caldara, Antonio Lotti, Pietro Torri

France

• Jean-Philippe Rameau
• Joseph Bodin de Boismortier
• French abroad: z.b., Louis Marchand

Central Europe:

• Johann Georg Pisendel
• Georg Philipp Telemann
• Johann Sebastian Bach
• Johann Friedrich Fasch
• Jan Dismas Zelenka
• Johann Joseph Fux
• Christoph-Graupner
• Johann David Heinichen
• Sylvius Leopold Weiss
• Deutsche im Ausland, z.B., George Frideric Händel, Johann Adolf Scheibe

Übergang in die Klassikedit

Galante Musik:

• Johann Mattheson
• Jean-Marie Leclair
• Johann Joachim Quantz
• Johann Adolph Hasse
• Carl Heinrich Graun
• Giovanni Battista Sammartini
• Baldassare Galuppi

Bachs ältere Söhne und Schüler:

• Wilhelm Friedemann Bach
• Carl Philipp Emanuel Bach (empfindsamer Stil)
• Johann Gottlieb Goldberg

Mannheimer Schule:

• Johann Stamitz