Madame Lelica

Během Barokní éry, nový vývoj v hudbě vznikl v Itálii, po které trvalo až 20 let, než byly obecně přijaty ve zbytku Západní klasické hudební praxe. Například, italských skladatelů přešel do stylu galant kolem 1730, zatímco němečtí skladatelé jako Johann Sebastian Bach do značné míry i nadále psát v barokním stylu až 1750.,>1680-1700

raně barokní hudby (1580-1650)Upravit

Florentská Camerata byla skupina humanistů, hudebníků, básníků a intelektuálů v pozdní Renesance Florencie, kteří se shromáždili pod záštitou Hraběte Giovanni de‘ Bardi diskutovat a vést trendy v umění, zejména hudby a dramatu., Ve vztahu k hudbě založily své ideály na vnímání klasického (zejména starověkého řeckého) hudebního dramatu, které oceňuje diskurz a oraci. Proto odmítli jejich současníků použití polyfonie (více, nezávislé melodické linky) a instrumentální hudba, a o takové starověké řecké hudební zařízení, jako monody, která se skládala z sólový zpěv doprovázený kithara (starověký zahrál smyčcový nástroj). Rané realizace těchto myšlenek, včetně Dafne Jacopa Periho a L ‚ Euridice, znamenaly začátek opery, která byla katalyzátorem barokní hudby.,

Týkající se hudební teorie, více rozšířené používání došlo bass (také známý jako důkladné bass) představuje vyvíjející se význam harmonii jako lineární základy polyfonie. Harmony je konečný výsledek kontrapunktu, a figured bass je vizuální reprezentace těchto harmonií běžně používaných v hudebním výkonu. S figured bass, čísla, posuvky nebo symboly byly umístěny nad bassline, která byla přečtena z klávesnice přístroje hráči jako cembalo hráči nebo potrubí varhaníci (nebo loutnisté)., Čísla, náhody nebo symboly indikují hráči klávesnice, jaké intervaly se mají přehrát nad každou basovou notu. Klávesový přehrávač by improvizoval akord vyjadřující pro každou basovou notu. Skladatelé začali se zajímat o harmonické průběhy, a také zaměstnán tritone, vnímána jako nestabilní interval, k vytvoření disonance (to bylo použito v dominantní sedmý akord a zmenšil akord)., Zájem v harmonii se také existoval mezi určitými skladatelé v období Renesance, zejména Carlo Gesualdo; Nicméně, použití harmonii zaměřena na tonalitu (zaměření na hudební klíč, který se stává „domácí na vědomí“ kus), spíše než způsob, označí přechod od Renesance do Baroka. To vedlo k myšlence, že určité sekvence akordů, spíše než jen poznámky, by mohly poskytnout pocit uzavření na konci kusu—jedné ze základních myšlenek, které se staly známými jako tonalita.,

začleněním těchto nových aspektů kompozice podpořil Claudio Monteverdi přechod od renesančního stylu hudby k baroknímu období. Vyvinul dva jednotlivé styly kompozice-dědictví renesanční polyfonie (prima pratica) a novou techniku basso continuo baroka (seconda pratica). S basso continuo, malá skupina hudebníků bude hrát bassline a akordy, které tvoří doprovod k melodii., Basso continuo skupina by obvykle používají jeden nebo více klávesových hráčů a loutna hráče, který bude hrát bassline a improvizovat akordy a několik bas instruments (např. bass viol, violoncello, kontrabas), které by hrát bassline. S psaním oper L ‚Orfeo a L‘ incoronazione di Poppea mimo jiné Monteverdi přinesl značnou pozornost tomuto novému žánru. Tento benátský styl převzal do Německa Heinrich Schütz, jehož různorodý styl se také vyvinul do následujícího období.

idiomatické instrumentální textury se staly stále významnějšími., Zejména styl luthé—nepravidelné a nepředvídatelné rozbití tetivy průběhy, na rozdíl od pravidelné vzorování zlomené akordy—podle od počátku 20. století jako styl brisé, byla založena jako konzistentní strukturu ve francouzské hudby Robert Ballard, v jeho loutna knihy 1611 a 1614, a Ennemond Gaultier., Tento idiomatických loutnu figurace byla později převedena na cembalo, například v klávesové hudbě Louis Couperin a Jean-Henri D’Anglebert, a i nadále důležitý vliv na klávesové hudební celé 18. a počátku 19. století (v, například, hudba Johann Sebastian Bach a Frédéric Chopin).

Střední barokní hudby (1630-1700)Upravit

vzestup centralizovaný soud je jedním z hospodářských a politických funkcích, co je často označen Věku Absolutismus, ztělesněný Louis XIV Francie., Styl paláce a soudní systém chování a umění, který podporoval, se stal vzorem pro zbytek Evropy. Realita rostoucí církevní a státní záštity vytvořila poptávku po organizované veřejné hudbě, protože rostoucí dostupnost nástrojů vytvořila poptávku po komorní hudbě, což je hudba pro malý soubor instrumentalistů.

jedním z významných příkladů dvorního skladatele je Jean-Baptiste Lully. Koupil patenty z monarchie, že je jediným skladatelem oper pro francouzského krále a zabrání, aby se s operám., Dokončil 15 lyrických tragédií a nechal nedokončené Achille et Polyxène. Lully byl prvním příkladem dirigenta; porazil čas s velkým personálem, aby udržel své soubory pohromadě.

Hudebně, neměl vytvořit řetězec-dominuje normou pro orchestry, které bylo zděděno z italské opery, a je příznačné francouzské pět-část dispozice (housle, violy—v hautes-contre, tailles a quintes velikostí—a bass housle) byly použity v baletu z doby Ludvíka XIII., On, nicméně, představit tento soubor lyric theatre, s horními částmi často zdvojnásobil rekordéry, flétny, a hoboje, a basy od fagotů. Trumpety a kettledrumy byly často přidávány pro hrdinské scény.

uprostřed Baroka v Itálii je definován vznik vokální styly kantáta, oratorium a opera během 1630s, a nové pojetí melodie a harmonie, že zvýšený stav hudby rovnosti se slovy, které dříve byly považovány za pre-přední., Květnatá, koloraturní monoda raného baroka ustoupila jednoduššímu, leštěnějšímu melodickému stylu. Tyto melodie byly postaveny z krátkých, cadenciálně vymezených nápadů často založených na stylizovaných tanečních vzorcích čerpaných ze sarabande nebo courante. Harmonie, příliš, by mohlo být jednodušší, než v raně Barokní monody, ukázat, výraz v lehčím způsobem na provázku a crescenda a diminuendos na delší poznámky., Doprovodné basové linky byly více integrované s melodií, produkovat contrapuntal rovnocennosti částí, které později vedly k zařízení počáteční bass očekávání aria melodie. Toto harmonické zjednodušení také vedlo k nové formální zařízení diferenciace recitative (více mluvené části opery) a aria (část opery, která používá zpívané melodie)., Nejdůležitější inovátory tohoto stylu byli Římané Luigi Rossi a Giacomo Carissimi, kteří byli především skladatelé kantáty a oratoria, respektive, a Benátčan Francesco Cavalli, který byl především operní skladatel. Později důležité praktici tohoto stylu patří Antonio Cesti, Giovanni Legrenzi, a Alessandro Stradella.,

Arcangelo Corelli je připomínán jako vlivný na jeho úspěchy, na druhé straně hudební technika—jako houslista, který organizoval houslové techniky a pedagogiky—a v čistě instrumentální hudbě, zvláště jeho obhajobu a rozvoj concerto grosso. Vzhledem k tomu, Lully byl usadili u soudu, Corelli byl jedním z prvních skladatelů publikovat široce a jeho hudba v podání celé Evropy., Stejně jako u Lullyho stylizace a organizace opery je koncert grosso postaven na silných kontrastech—úseky se střídají mezi těmi, které hraje celý orchestr, a těmi, které hraje menší skupina. Dynamika byla „řadová“, tedy s ostrým přechodem od hlasitého k měkkému a zpět. Rychlé úseky a pomalé úseky byly vedle sebe. Mezi jeho studenty patří Antonio Vivaldi, který později složil stovky děl založených na principech v Corelliho triu sonatas a concerti.,

na rozdíl od těchto autorů, Dieterich Buxtehude není zvíře dvora, ale místo toho byl kostel, hudebník, drží místa varhaníka a Werkmeister v Marienkirche v Lübecku. Jeho povinnosti jako Werkmeister podílí působí jako tajemník, pokladník a obchodní manažer církve, zatímco jeho pozici jako varhaník zahrnuty hrát pro všechny hlavní služby, někdy ve spolupráci s jinými instrumentalisty nebo zpěváky, kteří byli také hradí církev., Zcela mimo své oficiální církevní povinnosti organizoval a režíroval koncertní sérii známou jako Abendmusiken, která zahrnovala představení posvátných dramatických děl považovaných jeho současníky za ekvivalent oper.

Francie:

• Denis Gaultier
• Jean-Henri d’Anglebert
• Jacques Champion de Chambonnières
• Louis Couperin

Pozdě barokní hudby (1680-1750)Upravit

dílo George Friedrich Händel, Johann Sebastian Bach a jejich současníků, včetně Domenico Scarlatti, Antonio Vivaldi, Jean-Philippe Rameau, Georg Philipp Telemann a další pokročilé Baroka k jeho vyvrcholení.

• také znám jako.,některé velké)
• Giuseppe Torelli (koncert)

Francie:

• François Couperin
• André Campra

Širší adoptionEdit

Itálie:

• Giovanni Bononcini
• Antonio Vivaldi
• Tomaso Albinoni
• Benedetto Marcello
• Francesco Geminiani
• Peter Smith
• Giovanni Battista Pergolesi
• Nicola Porpora
• Giuseppe Tartini
• Francesco Maria Veracini

Šíření

• Erdmann Neumeister
• Estienne Roger, L ‚ estro armonico
• na Návštěvě Itálie, a.,g. Johann Kuhnau Johann David Heinichen, Gottfried Heinrich Stölzel
• Italové v zahraničí, včetně Domenico Scarlatti, Antonio Caldarovy, Antonio Lotti, Peter Věže

Francie:

• Jean-Philippe Rameau
• Joseph Bodin de Boismortier
• francouzi v zahraničí: např., Louis Marchand

Střední Evropě:

• Johann Georg Pisendel
• Georg Philipp Telemann
• Johann Sebastian Bach
• Johann Friedrich Fasch
• Jana dismase Zelenky
• Johann Joseph Fux
• Christoph Graupner
• Johann David Heinichen
• Doposud Leopold Weiss
• Němci v zahraničí, např., George Friedricha Händela, Johanna Adolfa Sakra

Přechod na Klasické eraEdit

Galant hudba:

• Johann Matthesone
• Jean-Marie Leclair
• Johann Joachim Quantz
• Johann Adolph Hasse
• Carl Heinrich Graun
• Giovanni Battista Sammartini
• Baldassare Galuppi

Bach je starší syny a žáky:

• Wilhelm Friedemann Bach
• Carl Philipp Emanuel Bach (empfindsamer Stil)
• Johanna Gottlieba Goldberga

Mannheimské školy:

• Johann Stamitz