Beginnings
Apollodoros and Skiagraphia
tendências que levaram ao desenvolvimento de chiaroscuro começaram na Grécia clássica, onde o artista Apolodoros foi apelidado de Apollodagraphos, ou “pintor sombra”. Isso foi devido a sua invenção do skiagraphia, ou “pintura-sombra”, uma técnica que usou a incubação cruzada e gradações de Tom., Infelizmente, como é o caso da pintura grega mais clássica, seu trabalho não sobreviveu, mas a técnica foi amplamente adotada em Atenas. Sobrevivendo em uma forma mais rudimentar durante a época Bizantina, skiagraphia foi desenvolvida com a utilização de incidendo e martizando, descrito pelo historiador de arte Janis C. Bell como, “layerings de branco, marrom, ou preto em padrões lineares mais de uma cor uniforme,” no final da Idade Média na Europa. A técnica era frequentemente utilizada em manuscritos iluminados.,
O Renascimento
Enfatizando o renascimento da antiguidade clássica, o Renascimento, os artistas redescoberto e desenvolveu técnicas que tornam possível criar naturalista, mas idealizado figuras que habitam uma convincente espaço tridimensional. O dinheiro tributo de Masaccio (1420) foi um exemplo inicial de empregar chiaroscuro para criar figuras volumétricas, iluminadas por uma única fonte de luz fora do plano pictórico., No entanto, ficou para Leonardo Da Vinci desenvolver plenamente a técnica, como visto em sua adoração dos Magos (1481) e da Virgem das rochas (1483-86). Suas figuras e retratos, que pareciam fluídos e vivos com luz e sombra, influenciaram artistas subsequentes e também informaram o desenvolvimento subsequente da xilogravura de chiaroscuro. Artistas do Renascimento do Norte da Europa também adotaram a técnica, particularmente para a arte religiosa, em parte devido à influência de Santa Bridget da Suécia no século XIV., Sua famosa visão da Natividade de Jesus descreveu a criança de Cristo, descansando no chão, seu corpo emitindo luz, enquanto uma virgem loira Maria, com a presença de José, ajoelhou-se para orar a ele. A visão tornou-se o modelo para o tema popular, também chamado de Adoração da criança.,
Arte Barroca
Enquanto arte Barroca, desviou-se a composições assimétricas e extenuated, por vezes exagerada, a figuração do Maneirismo para os princípios clássicos do Renascimento, destacando-se anatomicamente correto figuração e convincente espaço tridimensional, ele o fez a fim de enfatizar cenas dramáticas, quase teatral configurações e intensa expressão individualista., Ao invés das sutis transições de cor e luz de Leonardo, Caravaggio levou chiaroscuro mais longe ao desenvolver tenebrismo, usando contrastes, como um gesto ou uma figura foi intensamente iluminada como se por um holofote em um cenário escuro. Na arte religiosa, como se vê em sua tríade inovadora de imagens, retratando o chamado e martírio de São Mateus para a Capela Contarelli em Roma, a técnica fez momentos visualmente claros quando a realidade comum foi interrompida pela iluminação do Divino., Na arte secular, como visto em seu David com a cabeça de Golias (1610), a técnica poderia transmitir uma profunda e muitas vezes trágica complexidade psicológica. Caravaggio era conhecido como o” artista mais famoso em Roma”, e seu uso de chiaroscuro influenciou tanto artistas em toda a Europa que, posteriormente, o termo tem sido muitas vezes usado sinônimo da época., No entanto, muitos mestres do Barroco não só empregou a técnica, mas achei um elemento essencial na criação de um distinto estilo individual, se era de Rembrandt luz dourada no bate-seba na Sua Banheira (1654), de Peter Paul Rubens, o deleite na cor e sensualidade no Desembarque de Maria de Medici em Marselha (1621-1625), ou Velázquez, onde sombras e luz tornar-se o mistério da percepção de si como em Las Meninas (1656).,
Conceitos e Tendências
claro-escuro de Desenho e Xilogravura
Na Renascença, artistas desenvolveram claro-escuro de desenho, como eles brancos adicionados para efeitos de luz e preto para o escuro efeitos. Muitas dessas obras, juntamente com pinturas renascentistas e desenhos de lavagem, estavam em demanda como reproduções, e, em 1508, o artista alemão Hans Burgkmair inventou as gravuras de xilogravura de chiaroscuro., Ele primeiro imprimiu com um bloco de linha, inked em preto, para linhas de contorno e crosshatching, e então usou blocos adicionais, inked em variações tonais, para criar sombreamento. Ao cortar parte do bloco e deixar uma área sem impressão, os artistas criaram destaques nas gravuras monocromáticas, que usavam principalmente Castanho, Preto, cinza ou verde. Lucas Cranach, o velho, Niccolò Vicentino, Nicolò Boldrini, e Andrea Andreani foram apenas alguns dos artistas que adotaram a técnica, que também contratou Rafael, Parmigianino, e Ticiano. Inovações muitas vezes se seguiram., Ugo da Carpi tornou-se o primeiro artista italiano para adotar a técnica volta de 1516, e artistas italianos normalmente impressos com uma série de tons blocos, enfatizando transições de cores e deixando de fora a linha do bloco de preta contornos favorecido por Europeus do Norte
Sfumato
Para mostrar os efeitos da luz sobre superfícies curvas e aumentar os efeitos do claro-escuro, de Leonardo da Vinci, aperfeiçoou a técnica do sfumato, que ele descreveu como “sem linhas ou bordas, na forma de fumaça ou para além do plano de focagem.,”Significando,” para desaparecer como a fumaça, ” sfumato envolveu a aplicação de múltiplas camadas finas de esmalte para criar transições tonais suaves e gradações entre luz e sombra e adicionou transições sutis para chiaroscuro. Mais tarde, Giorgio Vasari creditou sua invenção a Jan van Eyck e Roger van der Weyden, dois europeus do Norte renascentista, mas já foi identificado com Da Vinci, que dominou a técnica em sua Virgem das rochas (1483-1486) e a Mona Lisa (1503-1506)., A técnica requeria expertise significativa, como os cientistas modernos têm percebido que os vidros do artista eram às vezes apenas um mícron em profundidade, e feito de chumbo branco a que um por cento de vermillion tinha sido adicionado.
Outros artistas adotaram a técnica, incluindo Raphael, Correggio, Fra Bartolommeo, e Giorgione, e é influenciada, também, o “Leonardeschi”, o nome dado ao grande número de artistas que associado com Leonardo ou trabalhou em seu estúdio. A inovação seguiu-se, à medida que Rafael desenvolveu o que a historiadora de arte contemporânea Marcia B., Hall definido como unione. Procurando combinar as qualidades tonais de sfumato e as sombras suaves com sua paleta de cores brilhantes, ele usou mudanças graduais de cor para criar bordas misturadas, como visto em sua Alba Madonna (C. 1510) celebrada por sua cor vibrante e unidade fluente.
Tenebrism
Tenebrism, derivada da tenebroso, uma palavra italiana que significa “escuro, obscuro, sombrio”, usado contrastes dramáticos entre claro e escuro, como pinturas, com as áreas a preto e sombras profundas seriam intensamente iluminado, muitas vezes, por uma única fonte de luz., Enquanto o tenebrismo se desenvolveu a partir do chiaroscuro, ao contrário dessa técnica, ele não se esforçou por uma maior tridimensionalidade, mas foi composto, usando a escuridão profunda como uma espécie de espaço negativo, enquanto a luz intensa em outras áreas criou o que tem sido chamado de “iluminação dramática”.embora o artista renascentista Albrecht Dürer e os maneiristas Tintoretto e El Greco tenham usado a técnica anteriormente, tenebrism é geralmente identificado com Caravaggio, que não só dominou a técnica, mas fez seu efeito “spotlight” uma característica definidora de seu trabalho. Devido a obras como O Martírio de São, Mateus (1600) tornou-se amplamente influente, tanto que tenebristi, grupos de artistas empregando a técnica como a Escola de Utrecht, foram encontrados em toda a Europa Do Norte, Itália e Espanha. O termo tenebrismo foi frequentemente aplicado às obras de Jusepe de Ribera, Francisco Ribalta e outros artistas espanhóis do século XVII. Ao mesmo tempo, foi associado com a tradição da luz de velas do século XVII, um termo que descreve cenas noturnas iluminadas por uma única vela, como visto em algumas obras de Gerrit van Honthorst, Rembrandt, e Georges De La Tour.,após o período Barroco, chiaroscuro foi uma técnica estabelecida, empregada por vários artistas nos séculos que se seguiram. Os principais artistas Rococó Fragonard, Watteau e Joseph Wright de Derby, empregaram chiaroscuro em transmitir momentos de intimidade privada e reverência. No período romântico, Géricault empregou-o para transmitir a tragédia da balsa da Medusa, enquanto Henry Fusilli pintou o pesadelo assombroso, e Francisco Goya o terceiro de Maio retratou a escuridão do terror político., A técnica poderia ser transformada em propósitos diferentes que a tornassem uma ferramenta importante para criar um estilo individual na era moderna.no século XX, a fotografia e o cinema também se esforçaram pelos efeitos do chiaroscuro. Fotógrafos modernistas, incluindo Ansel Adams, Edward Weston e W. Eugene Smith, frequentemente usavam chiaroscuro, como o contraste de luz e sombra enfatizava as qualidades formais da imagem. Outros fotógrafos que usaram a técnica incluem Joseph Koudelka, Lothar Wolleh, Annie Leibovitz, Garry Winogrand e Ralph Gibson., A fotografia de estúdio frequentemente emprega iluminação Rembrandt, uma técnica que, usando uma luz com um refletor ou duas fontes de luz, é destinada a criar os efeitos chiaroscuro dos retratos do artista, traduzidos em um meio moderno.no cinema, os expressionistas alemães enfatizaram chiaroscuro, como visto no gabinete do Dr. Caligari (1920) e Nosferatu (1922), bem como metrópole de Fritz Lang (1927).,em Hollywood, o diretor de fotografia Gregg Toland usou chiaroscuro pela primeira vez na vida e morte de 9413: a Hollywood Extra (1928) e suas inovações na década de 1930 informaram o gênero noir e fizeram dele um dos cinegrafistas mais procurados. Ele trabalhou com a maioria dos principais diretores, mas é particularmente conhecido por seu trabalho em John Ford’ s The Long Voyage Home (1940) e Cidadão Kane de Orson Welles. Criando composições de foco profundo, Toland usou o shadow como um dispositivo dramático e pictórico, definindo o fundo do primeiro plano., Ele influenciou muitos outros cineastas, incluindo Vittorio Storaro, Vilmos Zsigmond e László Kovács.outros cineastas de Hollywood conhecidos por seu uso de chiaroscuro incluem William Dieterle, visto em seu Corcunda de Notre Dame (1939) e The Devil and Daniel Webster (1941). A técnica foi igualmente prevalente na Europa. Sven Nykvist, que trabalhou em muitos dos filmes de Ingmar Bergman, usou o que tem sido chamado de realismo chiaroscuro, e o cineasta russo Andre Tarkovsky usou chiaroscuro nas cenas Preto e branco que ele incluiu em Stalker (1979).